Rock Peruano (Rollos)

Dario Gianella "Tranquila Reflexión"

2012-02-14T08:52:00.007-08:00

Por Christian Van Lacke

Desde muy chico, la figura de Darío me resultaba cercana, conocida, inquietante. Recuerdo, y no una, sino decenas de veces, a mi viejo vociferando y tocando los compases de “Tiempo en el sol”, un hermoso tema acústico, que compuso Darío para “Tarkus”, grupo en el que compartieron durante los albores de los años 70´s.

Lo escuchaba y lo veía lentamente desprenderse de su cuerpo, casi flotando, y al toque alguna anécdota, me contaba de ese prodigio de la guitarra de 16 años, de lo adelantado que estaba a su tiempo, del magnetismo que tenía frente a los demás, de cuando lo convenció -sin permiso de sus padres- a partir rumbo a la ciudad del sol a cantarle a los dioses incas. Esto se dio de alguna manera con un par de músicos Peruanos que mi viejo había conocido en Lima apenas unos meses atrás, pues mi padre no era ningún tonto y estaba convencido de que se estaba llevando consigo un diamante en bruto, un genio y me consta que mi viejo en el arte de convencerte es un especialista.

Esta figura inquietante -casi paternal- me influyó a lo largo de mi vida y, hasta donde sé, a todo aquel que tuvo el privilegio de conocerlo. En Abril de 1972, Darío y mi viejo se embarcaron rumbo a Lima, llegaron diez días después, cansados, pero alucinados y llenos de historias de ruta. Su equipaje consistia en una valijita como de abuela con apenas algo de ropa, algunos discos de Black Sabbath y de Pappo`s Blues, una Les Paul Custom, sandalias de cuero y un poncho rojo de tela que le cubría a Darío por los hombros y el torso.

Desde ese instante, Darío se convirtió en Cometa, de esos que iluminan el cielo para siempre, pero que solo se dejan ver por escasos segundos. Armaron la banda “Tarkus” casi en el acto, junto con Walo y Alex, dos chicos peruanos con los que compartían ideologías, porros y demás efemérides, chicos que se dejaron llevar por el genio de este joven/viejo de apellido Gianella, oriundo del barrio de Palermo, localidad ubicada en el corazón de la capital porteña.

Darío pasaba la mayor parte del tiempo, encerrado en la casa de Walo en el segundo piso de un departamento ubicado en la calle San José esquina con Sucre en Pueblo Libre. Aquí pasaban los días componiendo docenas de canciones y escribiendo sus letras en un pequeño cuaderno, algunas tipiadas gentilmente a máquina por Walo y otras que nunca se sabrá adonde fueron a parar, pocas veces salía a la calle, se le veía comprando el pan para el desayuno y otra vez al cuarto a seguir componiendo entre inciensos y cortinas de estilo árabe, como un impulso vital. Walo recuerda cual foto verlo a Darío a las siete de la mañana, en la fila de la panadería de la esquina con todas las amas de casa y las empleadas, con el perro de la casa y su “Eterna Sonrisa”. Al principio a las señoras les resultaba un poco raro el chico, lo miraban como si hubiese bajado de un Ovni, pero con el tiempo se volvieron en confidentes y lo adoraban.

Durante esos primeros meses “Tarkus” grabó lo que a la postre sería su primer y único álbum hasta la fecha, sin darse cuenta realmente del valor que tendría algunas décadas después para muchos jóvenes músicos y coleccionistas, hablando claro, en términos de rock Pesado. Con el tiempo la banda tomaría el valor de banda de culto, a pesar que en aquella época no se daban cuenta que estaban sentando ese precedente, pues el tiempo corría demasiado rápido por aquellos días. Además de los 8 temas -casi todos de autoría de Darío- los cuales quedaron registrados en vinilo, llegaron a grabar unos 4 o 5 temas más, que por razones que hoy se desconocen, se perdieron dentro de la fabrica MAG seguramente para siempre cuando cerraron sus puertas definitivamente.

En aquel entonces, a mediados de 1972, Darío conoció a un grupo de personas con aspecto angelical y confesos devotos de Jesucristo, conocidos posteriormente en todo el mundo como “Los Niños de Dios”.

Una mañana y a días de debutar oficialmente como banda, Walo, Alex y mi viejo estaban esperándolo con corresponsales de una prestigiosa revista limeña, les harían una nota para que hablaran del disco y del concierto debut programado en el cine “El Pacifico”, pero Dario no llegaba.. En eso toca la puerta y cruza sin mediar palabra alguna y con su “Eterna Sonrisa”, esta vez aún mas pronunciada. Comenzó a recoger lentamente sus cosas y entregándole la guitarra eléctrica a mi viejo sentencia:”Desde este momento, dejo de hacer música inspirada por las drogas y el sistema, solamente voy a ofrendar mi música al Señor”; un viento helado corrió en la sala del departamento de Sucre, trataron de convencerlo, pero fue imposible, la decisión ya estaba tomada y nunca más la cambiaria.

Desde ese momento, se convirtió en el compositor de “Los Niños de Dios” y rápidamente en un líder, adoptando el nombre de “Manases”, nombre concebido en un ritual de iniciación practicado por la congregación. Pasaron algunas semanas y aparece por Lima el padre de Darío -un Oficial de Marina de las Fuerzas Armadas Argentinas- contacta a mi viejo y éste le cuenta como encontrarlo, el padre trata de convencerlo para que regrese a Argentina lo antes posible pero fracasa en el intento. Días después llega con una ambulancia a la casa de los cofrades y se llevan a Darío rumbo a Buenos Aires, amarrado y con camisa de fuerza. Ya en Argentina, sus familiares lo internan en un neuro psiquiátrico y al salir Darío se contacta nuevamente con los Niños de Dios y estos le encomiendan que forme allá la congregación. Se dispone a hacer eso, con gran éxito, en poco tiempo Buenos Aires es uno de los puntos estratégicos más fuertes en el mundo para la congregación. Darío era un imán, de esas personas que no hablan mucho, pero cuando lo hacen todo el mundo calla y escucha,”Hablaba con poesía”, cuentan por ahí.

Pasados un par de años, Darío se entera que uno de sus camaradas de Tarkus se esta viendo con la congregación en Lima y preguntando por él, pero parece no estar del todo seguro de pertenecer ahí. Esto convence a Darío de que su misión estaba cumplida en Buenos Aires y viaja nuevamente a Perú para encontrarse con su amigo Alex. Nuevamente en Lima y con Alex entre sus hermanos graba un simple y luego un LP para la congregación, que se vende a miles en todo Latinoamérica, con mayoría de canciones suyas y algunas de Alex. Cuenta Alex, que en la casa donde vivían con la congregación, donde vivían en comunidad, habían días que subían a “La Azotea” de la casa y tocaban a escondidas temas de Tarkus y otros nuevos, en el mas absoluto secreto, quizá los últimos temas de rock que compuso o quizá no.

La congregación”Los Niños de Dios” fue perseguida por la justicia por razones que ahora no vienen al caso. Darío se marcha junto a su mujer a los Estados Unidos -precisamente a Seattle- nunca más se sabrá de él hasta hoy.
Más de 30 años después de esta historia, me vengo a vivir a Lima, otra vez la gente se me acerca para hablarme de ese mágico ser que cautivaba con su discurso y con su música, me pongo a investigar en la web en busca de algún indicio de su existencia, y nada. Un día me topo con un “Gianella” en una página que es cantante y descubro por una pequeña reseña que se trataba de su hijo, nos mandamos un par de correos y me cuenta que vive en Madrid, pero no con su padre. Trato de establecer un contacto, a través de él, pero en su ultimo mail me escribe:”Mi padre en este momento está más centrado en Dios que en cualquier otra cosa”. Nunca más nos volvimos a comunicar, le mande algunas fotos, prensas y hasta un par de cartas, quizá de ese modo el loco se animaría a responder, pero lo cierto es que no hubo caso.

Después de seis meses de residencia en Lima, casualmente en Pueblo Libre, casualmente en la casa de Walo Carrillo, llama Alex Nathanson, su antiguo amigo y cómplice de Darío, anunciando que se viene al Perú. Y si rearmamos Tarkus? nos preguntamos con Walo. Así fue que se coincidió con una segunda reedición del CD, hicimos un recital colmado de gente -de jóvenes y no tanto- gente que vino de muy lejos para verlos y que se preguntaban casi como un loop, ¿Qué fue de la vida de Darío Gianella?, ¿En donde está?, ¿Cuándo lo traen? El concierto fue impresionante y muy emotivo en todo el sentido de la palabra.

Debo confesar, que cuando empecé con la tarea de sacar los temas -los arreglos y los solos- y aunque venia escuchando la música de Tarkus desde mi más tierna edad, las canciones no dejaron de sorprenderme ni por un segundo, una tras otra, cada vez más y más. Era como ponerme en la piel de este ser luminoso de a ratos, al menos eso sentía por aquel entonces. Alex me mostró algunos de los temas que quedaron fuera del Long Play, así como los temas que ensayaba a dúo con Darío en “La Azotea” de la congregación y así me fui fundiendo entre riffs hipnóticos, con las letras delirantes de ese genio de Darío, de Manases, del Cosmonauta o como quieran llamarlo.

Darío Gianella (izquierda, poncho rojo) y Guillermo Van Lacke rumbo al Perú, donde formarían el grupo Tarkus, junto con Walo Carrillo y Alex Nathanson.

Publicado el 2/2/2008 en "El Blog Suicidado"

Tarkus - Tarkus

2012-02-14T07:50:00.007-08:00

Por Fer (del sitio El Portal del Metal)

El que les traigo hoy es el primer disco que se puede considerar ‘rock pesado’ o Heavy Metal en español del que tengo conocimiento, y bien puede ser el primer disco de Heavy en español, así como se lo considera al primer disco de los Sabbath el primer disco de Heavy Metal creado.

Pero además de ello, que no es moco de pavo, es también el registro de la existencia de un joven talento como pocos, llamado Darío Gianella.

Tarkus, que toma su nombre del disco de los brillantes Emerson, Lake & Palmer, se formó en Perú en 1971. Alex Nathanson y Walo Carillo, ambos peruanos, dejan Telegraph Avenue y se juntan con dos argentinos, el bajista Guillermo Van Lacke, a quien ya conocían y quien regresa a la Argentina para buscar al guitarrista de 16 años Darío Gianella, con la idea de formar una nueva banda, y el timing fue excelente. El guitarrista acepta sin dudar un segundo la propuesta y parte a recorrer varios países para llegar a tierras incaicas, sin permiso de sus padres. Este joven se haría cargo de la compleja tarea de la composición, en estos sonidos a los que querían llegar, la mezcla de Sabbath con Zeppelin y el rock argentino del momento que traía de por si un ramalazo a Deep Purple.

El núcleo de la música se compuso en esos 10 días de viaje de regreso a Perú, llevando consigo los discos de Sabbath y Pappo’s Blues, la guitarra y una pequeña maleta. Es que cuando los buenos músicos tienen esa inspiración divina, una guitarra en un largo viaje en tren es todo lo que necesitan para componer. Al llegar a destino, las canciones estaban casi listas.

En 1972 (de milagro) lanzan su único disco sentando dos precedentes: el del primer disco considerado Heavy en español y el del diseño de la tapa de disco completamente negro, siendo el único detalle de otro color el logo en blanco. Esto en 1972 era un detalle muy Heavy, maléfico, en una época donde los colores vivos del progresivo psicodélico eran la norma, salvo por unos locos inadaptados de Birmingham, que un año y algo antes habían creado todo un género nuevo. Como todo episodio de la historia hay que verlo y considerarlo de acuerdo al momento de creación. Por ello, los logros de Tarkus, así como los de los primeros Sabbath son sucesos incontestables, de un valor inmenso. Pero así como a los Sabbath siempre se les reconocerá su aporte, este disco de Tarkus pocas veces es mencionado al referirse a los inicios del Heavy en español.

En ese entonces en Perú había una dictadura militar y los que llevaban el look rockero eran perseguidos, otro punto para destacar de la valentía que tuvieron.

El resultado de esta combinación de esfuerzos es un excelente disco, mezclando a los Sabbath y Led Zeppelin de 1970-1972 y una inconfundible cuota de rock argentino de bandas como Almendra y Vox Dei. Grabado entre ácidos y marihuana (lo que se refleja claramente en las letras) no resalta sólo por la cuestión de ser un precursor, sino que tiene composiciones y detalles brillantes con un guitarrista fresco e inspiradísimo, de gran técnica y digitación apta solamente para los grandes músicos, y eso que tenía 16 años.

Este muchacho es sin dudas el punto más alto del disco y el que le da esa “macabra personalidad” al disco y a la banda. Un joven que tenía un futuro impresionante que con su corta edad se puso al hombro la composición y las letras (salvo en “Cambiemos Ya”) e impresionaba con sus riffs, punteos y sentimiento. Una calidad reservada para los pródigos. Por lástima nunca podremos saber a lo que hubiera llegado este diamante en bruto, con un talento nato al que ayudaba con dedicación e incansables horas de práctica, despertándose a las 6 de la mañana todos los días para practicar escalas y digitaciones. Ese carácter compulsivo se reflejaba en el escenario, dado que no paraba de moverse un segundo y seguía tocando aún cuando el show había terminado y los amplificadores ya estaban apagados.

El disco, más cercano al trabajo primogénito de los Sabbath que a su Paranoid, con riffs y solos brutalmente distorsionados, heavys hasta la médula, un cantante de inconfundible pasado melódico, pero que ajustó sus tonos y modulaciones por sugerencia de Guillermo, que de alguna manera previo que el estilo operístico, teatralmente exagerado era lo necesario para la banda, especialmente para las presentaciones en vivo, que eran magistrales dado que esa representación del cantante, generaba un impacto instantáneo en quien lo presenciara.

De todas formas Alex Nathanson le imprimió su personalidad, creando así a una criatura mezcla de ficción y realidad, como tantos otros harían después, y cantando en falsete de hirientes agudos. Junto a las porciones de gritos y delirios resulta en un voceras muy interesante aunque por momentos puede sonar algo forzado, producto inherente de esa teatralidad, siendo que no tuvieron el tiempo necesario para pulirlo al extremo, ya que grabaron lo más rápido posible. Cuando el resto de la banda aporta sus voces queda realmente guapo y resulta perfecto.

Así es que tenemos canciones como El pirata que directamente nos recibe con un cachetazo de guante de acero, un riffeo inconcebiblemente oscurantista para su momento, (casi como el de Hole in the Sky pero al doble de velocidad, y 3 años antes) siendo esto toda una declaración de cojones, el empezar así el redondo. Uno de sus himnos más recordados, con un guitarreo que se sale por todos lados, una buena labor en voces que sobre el final de este tema resbala lentamente hacia la locura y unos solos y punteos que simplemente maravillan por lo adelantado que ese adolescente estaba.

También las hay más melódicas o con un Blues-Rock bellísimo pero oscuro. Teniendo en cuenta el pasado y formación que estos Tarkus traían consigo, esos estilos debían estar representados a la fuerza, sin mencionar que lo hacían de manera espléndida. Martha ya esta (nunca nos enteraríamos quien era Martha) y Tranquila reflexión tienen mucho de ello, especialmente el segundo, donde claro que los riffeos pesados y demenciales están presentes, pero el núcleo del track pasa por el lado del Jazz-Blues donde la versatilidad, calidad, virtuosismo y sentimiento de Gianella se palpa en cada nota, así como en las extensas porciones instrumentales donde le saca viruta a la guitarra.

Cambiemos ya, con letra de Alex, y algunos de los riffeos más destacados del trabajo, pero con un ramalazo lisérgico impreso principalmente por el mismo, es otro de los destacados. A los (02:41) directamente se disfrazan de Black Sabbath y descienden a las oscuridades más profundas de la incoherencia cerrando el tema de manera magnífica.

Tempestad, transita en un punto medio difícil de calificar, e imposible de ignorar. Pasando de una melodía saltarina a ritmos lentos e hipnóticos, impecables e inquietantes, obteniendo aún hoy, casi 40 años después, ese efecto sobrecogedor, de ambiente denso y no del todo comprensible con una gran labor en guitarra como en todo el trabajo. Los arreglos clásicos se hacen sentir, es que Darío tenia respeto y admiración por ellos.

Tema para Lilus empieza con un riffeo increíblemente subversivo, alarmante y sombrío, que se devela como una danza macabra que si hoy día nos hace pegarnos a la silla y escuchar con atención, en 1972 debería provocar mojadura de pantalones. Nuevamente Gianella hace una labor para sacarse el sombrero. Lilus era un gato de la calle, visto mientras estaba en viaje de ácido.

Río Tonto sería una de las más representativas del todo, de todas sus influencias y personalidades. Comenzando de manera funeraria, pero desenvolviéndose con soltura, gracia y psicodelia, sin soltar nunca esa aura tétrica que incluso en los momentos más “felices” interrumpe con su lobreguez encarnada en unas líneas de guitarra que intimidan con su porte y precisión.

El cierre es Tiempo en el sol de cierta poesía detrás de su simpleza. Compases de una belleza notable y sutil a la vez que dejan ver un poquito de esa faceta intimista de Gianella así como su voz, dado que es el único en el que canta, y lo hace muy bien, con soltura y despreocupación.

Todo terminaría también en ese 1972, cuando los denominados “Niños de Dios”, secta religiosa de USA, convencen a Gianella a que se les una. Como Van Lacke menciona en entrevistas: “Darío vino esa noche y me dijo ‘te dejo la guitarra, no toco más’, y ahí se acabó Tarkus”. Intentarían conseguir un reemplazo, pero el genial guitarrista sería imposible de sustituir y de convencer. El sueño había terminado.

Llegamos así al cierre de un trabajo brillante y tenebroso a la vez, realizado por cuatro grandes músicos, de una visión a futuro increíble y que significo el primer paso del Heavy Metal cantado y compuesto para el español, rodeado de muchas historias y cuya existencia es un documento invaluable que hoy día es codiciado por coleccionistas, y para mí un registro de la existencia de un joven guitarrista, compositor y letrista, que por cuestiones de la vida solo nos develó una pequeña porción de su inmenso talento, el cual será imposible de medir con justeza

Sello: MAG

Publicado el 20/6/2010 en El Portal del Metal

Tarkus (Biografía)

2012-02-13T14:00:00.000-08:00

Por MySpace de Tarkus

Tarkus nace a raiz de la separicion de la banda Telegraph Avenue que estaba integrada por los peruanos Alex Nathanson en guitarra y voz y Walo Carillo en batería,ambos una de las bandas más exitosas de la escena con su álbum homónimo de 1971. Ese mismo año estos miembros se unen temporalmente al bajista argentino Guillermo Van Lacke , con la intención de explorar terrenos que iban desde el rock duró hasta el progresivo incipiente. Finalmente se incorpora el guitarrista argentino Dario Gianella, quien junto a Van Lacke serían los compositores dando forma definitiva a la agrupación. Led Zeppelín y Black Sabbath es la influencia más notable. Rock duro de guitarras distorsionadas con abundancia de riffs y solos además de una voz propia del rock metálico a veces exageradamente impostada, son los elementos preponderantes del álbum, cantado en castellano. solo en algunos breves pasajes recurren a una mayor elaboración, instrumentaciones acústicas o a la fusión jazzera. Tarkus fue el grupo de rock en el Perú que fue el primero en interpretar temas completamente en castellano para este tipo de genero (Heavy). Las magníficas voces y los excelentes solos de guitarra, fue la característica de los temas interpretados por TARKUS. Lo cual motivo a que sean reconocidos como el grupo más heavy (rock peasado) del rock en español. La banda solo edita un LP,Tarkus, con una tirada muy reducida y hace algunas presentaciones antes de separarse, con el retorno de Nathanson y Carillo a Telegraph Avenue para registrar un nuevo álbum. Su principal tema fue "El pirata" primer tema del lado A en el vinilo, además de "Martha ya está", "Tema para Lilus", "Tranquila tempestad". 34 años despues, el sello discográfico peruano Repsychled Records, tiene el placer de editar este album en formato CD por primera vez. Con un diseño que replica a escala el álbum original. El CD incluye un libro con fotos de los músicos, del disco y notas de prensa sobre la banda, así como fotos de los manuscritos originales que incluían las letras de las canciones. Adicionalmente incluye dos insertos, uno con la historia de la banda y otro con un cancionero. Esta re-edición fue hecha utilizando la cinta original y mejorandola cuidadosamente a traves de un sistema de remasterización a tubos. Ahora en el 2009 la banda a decidido cambiar de nombre a TLON y tomar el semblante de Tarkus. Bajo este nuevo nombre se decide sacar un disco que sera editado por el sello peruano Repsycheld, la cual saldra a mediados de Enero y la presentación oficial de la banda y del disco este 5 de febrero del 2009.

Publicado en el MySpace de Tarkus

Tarkus

2012-02-13T10:43:00.000-08:00

Por Carlos Torres Rotondo

Cierto candente sábado a fines de abril de 1972 estalló el Rock Pesado en el Perú. El estadio de Chiclayo estaba abarrotado con más de dos mil personas que esperaban escuchar un concierto de Telegraph Avenue, el grupo peruano que el año anterior había editado su primer vinilo, un éxito de ventas que superó cualquier récord en el rock nacional hasta ese entonces. Al caer la noche, luego de que tocaran algunos artistas sin mayor brillo, el presentador anunció al público la llegada de la banda estelar. La entrada de los músicos desconcertó a los espectadores que los conocían de anteriores recitales. Álex Nathanson continuaba en la primera voz pero ya no se encargaba del bajo como solía hacer en Telegraph. Incluso su atuendo era diferente: vestía un poncho rojo y su pelo largo estaba peinado con raya al medio como el resto de sus compañeros, hecho que no se veía ni siquiera en Lima, ya que todos los hippies nacionales llevaban raya al costado. Y del resto de la banda ni hablar. El más fanático podía reconocer a Walo Carrillo, también de Telegraph, sentado tras la batería aporreando los tambores, pero ahí acababan los parecidos. Los otros músicos eran unos completos desconocidos. Se trataba de los argentinos Guillermo Van Lacke en el bajo y Darío Gianella en la guitarra. Cuando empezaron a tocar, Chiclayo dejó la tierra y viajó a Marte. La música era un hardrock oscuro y raro; la expresividad del vocalista y lo poético de las letras eran casi operísticos. Aunque su propuesta era una mezcla de Black Sabbath con Led Zeppelin y toques de Almendra, su sonido incluso prefiguraba el de la British new wave of heavy metal de fines de los setenta. Además, había bastante teatro: el público se quedaba con la boca abierta cuando Nathanson caminando como un jorobado y con un lamparín de kerosene en la mano entonaba con su falsete de hembrita ese cuento digno de Salgari llamado El Pirata; porque los temas eran propios y en castellano, y las letras tan metafóricas y alucinantes que muchos lamentaban no tener un ácido bajo la lengua en aquellos momentos. Y Darío Gianella, con apenas diecisiete años recién cumplidos, se revolcaba en el piso como Angus Young de AC/DC pero sin uniforme; ese fanático de Jimmy Page no lo necesitaba porque ya vivía en su propia alucinada y ésta era visible para el que escuchaba su música venida de otra dimensión. Obviamente no eran Telegraph Avenue, pero usurpaban su nombre.

La verdadera historia de Tarkus tiene su origen en sucesos acaecidos pocos meses atrás. En el verano de 1972 Telegraph Avenue vivía su mayor momento de esplendor. Su primer LP había logrado una difusión inusitada hasta ese entonces. Tenían programados conciertos todas las semanas en el Galaxy y Walo, cumpliendo su función de manager, contestaba llamadas de todo el país. Pero como dice la canción: todo tiene su final, nada dura para siempre. Cierta mañana estival Walo se dirigió en su Volkswagen al bowling de Miraflores, donde unos patas apodados Los Franceses vendían tronchos armados a diez soles cada uno. Los encontró, pero un minuto después la policía los ampayó a todos negociando una colombiana con una mayor concentración de THC que la piurana común y silvestre. Los transeúntes lo vieron junto a los pushers mientras la tombería los empujaba violentamente al patrullero. Apenas pudo, Walo llamó por teléfono a Chachi Luján: Telegraph iba a tener ensayo esa misma tarde y los muchachos tenían que buscar la manera de sacarlo del calabozo. Apenas Chachi llegó al cuartel general de la banda —ubicado en jirón Paruro—, en lugar de abogar por su amigo, declaró que con Walo iba a suceder lo mismo que con Jerry Lam Cam —su antiguo bajista—, quien se había ausentado repentinamente causando mucho daño al grupo, que debió cancelar todas sus presentaciones pactadas. Si Walo estaba en cana era porque lo habían agarrado con las manos en la masa, por lo que entonces nada se podría hacer para ayudarlo, lo único que quedaba era buscar a otro baterista. Con la desaprobación de Álex Nathanson, llamaron al Osito Barreda. Sin embargo a Walo no le sucedió lo que a Jerry Lam, ya que salió de la cárcel a los cuatro días gracias a una vara que se consiguió oportunamente. Cuando Walo llegó a la sala de ensayos lo vieron como un fantasma. Su situación en la banda había quedado en un estado completamente incierto. No sé si llegaron a realizar algún concierto de despedida en esta primera etapa. Ya estaban heridos de muerte y el desbande de Telegraph Avenue fue instantáneo. Woody Allen dice que la vida no imita al arte, sino a la mala televisión, y en este caso es cierto. Solo a un pésimo guionista se le ocurriría un lío tan inverosímil como éste, pero el hecho es que en la realidad se dio, y gracias a una sucesión de felices coincidencias nació Tarkus y pudo plasmarse un instante de toda esta locura. Meses atrás Walo había visto en la Plaza San Martín a un desubicado hippie que parecía extranjero. Se le acercó y descubrió que era argentino, que se llamaba Guillermo Van Lacke, y que en su país había tocado en un grupo de rock llamado La banda del Oeste. Van Lacke lo acompañó a los conciertos de Telegraph e incluso entró con ellos a los estudios de MAG. Al conocer desde dentro la movida peruana, Guillermo se entusiasmó y propuso hacer juntos un proyecto. Como tenía que regresar en pocos días a su patria, prometió buscar un guitarrista y regresar inmediatamente. En Buenos Aires Van Lacke frecuentaba un sótano ubicado en la avenida Hipólito Yrigoyen. Era un recinto insonorizado que los músicos utilizaban como sala de ensayo, bulín y nave para viajes al espacio interior. Había conocido ahí a un chiquillo llamado Darío Gianella. Darío era hijo de un alto mando de la Marina de Guerra argentina, pero su personalidad era la de un místico que expresaba sus iluminaciones por medio de la guitarra. Poco antes se había separado de Final, su grupo de quinceañero, y estaba buscando un nuevo colectivo de músicos con el que plasmar sus ideas. Con su labia arrolladora Van Lacke convenció al joven prodigio para escaparse de casa e ir a Perú, tierra que describió como de groupies bellas y de oportunidades en la aventura rocanrolera. Empacaron algunas mudas de ropa, un poncho rojo que luego le prestarían a Alex Nathanson para los conciertos y varios discos de Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin, Pappo’s Blues y Almendra. Justo antes de salir le enviaron una carta a Walo diciéndole que arribarían pronto al Perú. Se demoraron diez días —haciendo un viaje en tren y luego tirando dedo durante distintos tramos— hasta llegar a Lima. En ese lapso compusieron la mayoría de canciones del disco y escribieron abundantes poesías surrealistas.

Luego de ser expulsado de Telegraph Avenue Walo regresó a casa. Su madre le entregó una carta que acababa de llegar ese mismo día. Era de Guillermo Van Lacke, quien le avisaba que estaba a punto de partir a Lima y que lo acompañaba Darío Gianella, un chiquillo de dieciséis años a quien describía, con esa innata capacidad para la hipérbole que poseen los argentinos, como un genio de la guitarra. Llegaron tres días después. Vestían sandalias de cuero, jeans importados y polos psicodélicos pegados al cuerpo. Se peinaban con raya al medio y llevaban chaquiras colgadas al cuello. Estos tipos realmente tienen imagen, pensó Walo. Tuvo que hacer un acuerdo con su padre. Gracias a la apertura mental que le daba su vocación de psiquiatra, don Abel Carrillo permitió la estancia de Van Lacke y Gianella en su departamento ubicado en la avenida Sucre 1125, en el distrito de Pueblo Libre. Es más, les consiguió una cama camarote y una litera. Con el paso del tiempo y con la amistad creciente decorarían el cuarto con cortinas árabes, colchones y velas de colores.

Cuando abrieron sus vetustas maletas, los argentinos sacaron los dos primeros discos de Black Sabbath y de Led Zeppelin. ¿Tenés tocadiscos? –le preguntaron a Walo, que se quedó alucinado al escuchar el material, convencido de que ésa era la música del futuro. Hicieron un primer jam session esa misma noche con guitarras acústicas y un cajón. Tarkus había nacido de la manera más espontánea posible. Pese a la posterior
adición de un vocalista, siempre manejaron la parte instrumental como un trío, a la manera de The Who, Cream, Cactus, Led Zeppelin o Black Sabbath. Desde aquel primer ensayo, Carrillo, Van Lacke y Gianella supieron que tenían química. Las letras eran de Gianella, pero éste no se divertía cantando y tocando al mismo tiempo. Poco a poco comenzaron a colarse en sus ensayos antiguos músicos de Telegraph Avenue como Álex Nathanson y Chachi Luján. Darío Gianella llamó a Alex Nathanson y le pidió que cantara operísticamente, algo que Álex no había hecho nunca, pero funcionó. Su incorporación fue inmediata. Siguiendo las recomendaciones de Gianella, Álex asumió un estilo vocal más exagerado y teatral que el que había usado anteriormente. El grupo estaba completo. El golpe de suerte definitivo se dio cuando el ingeniero Carlos Manuel Guerrero se enteró de la separación de Telegraph y llamó por teléfono a Walo. El baterista le anunció que tenía un proyecto bastante avanzado con Álex y dos argentinos, y que no era algo puramente musical, sino que incluían una puesta en escena. El empresario se ilusionó con un grupo sudamericano internacional y le dijo a Walo que él era el que más le había hecho ganar plata gracias al primer disco de Telegraph y que los apoyaría en cualquier proyecto que hiciera. Le dio un contrato de palabra, un lugar para ensayar y horas en el estudio sin jamás haber escuchado a la banda. Poco después Guerrero viajó a Estados Unidos. Regresaría sólo un par de meses después, cuando la suerte ya estaba echada.

Durante ese breve periodo los Tarkus vivieron la mágica y arriesgada rutina de la creación artística. Como tenían que componer y grabar casi al mismo tiempo se compraron un inmenso paco de marihuana para tener inspiración de reserva. Guillermo Van Lacke se levantaba de la cama camarote a las seis de la mañana e inmediatamente comenzaba con los ejercicios de digitación, memorizaba las canciones, les hacía arreglos, con las ganas superaba rápidamente sus limitaciones. A las ocho de la mañana Guillermo, Darío y Walo bajaban a tomar desayuno. Luego descendían al garaje del edificio, montaban en el Volkswagen y se dirigían a la Avenida 2 de Mayo, donde MAG tenía su fábrica de discos y su estudio. Entraban por un corredor lleno de cajas y plásticos. Los obreros se los quedaban mirando y ellos no se detenían hasta llegar
al depósito del fondo. Ahí enchufaban sus instrumentos y se ponían a componer y ensayar hasta las dos o tres de la tarde. Si tenían suerte, les cedían el estudio, y acompañados por Carlos Guerrero Bueno —de We All Together— en los controles de la cabina, grababan las canciones que habían ensayado en la mañana. Algunas tardes no tenían tanta suerte. El encargado les decía: disculpen, hoy tienen hora Los Morochucos. O: mala suerte, muchachos, le toca a Lucho Macedo. Entonces se separaban y cada uno se iba por su lado a la deriva, en largos paseos por una ciudad que cambiaba cada vez más rápido. Walo y Van Lacke empezaron a parar juntos, salían en parejas con sus respectivas enamoradas. Nathanson se iba por su lado con la collera del barrio de Mariátegui, legendario grupo de patas en el que por su natural espíritu y espontaneidad sobresalían locos egregios como el Oso Torres, el esquinero Valladares, los hermanos Allison, la mancha de El Álamo, Pacho Mejía (poco antes de salir de Black Sugar) y otros profesionales del ritmo. Darío era muy callado y
normalmente se encerraba en la habitación comunal, ponía sus discos, fumaba marihuana, o a veces tomaba ácidos y escribía algunas nuevas letras para canciones.

Fue Walo quien le puso el nombre al grupo. Tarkus es un espíritu que se encuentra en lo más profundo de nuestra alma y que nos protege cuando nos hallamos perdidos en algún viaje. Pese al encierro de Darío, que prácticamente solo salía a comprar pan,
la relación entre los cuatro iba cada vez mejor. Casi inmediatamente se presentó la oportunidad de debutar. La comisión de la promoción 1972 del colegio Roosevelt organizó una fiesta en el colegio para recaudar fondos. Ignorando la pelea de los Telegraph, llamaron al mánager, es decir a Carrillo, para pactar una presentación.
Sin titubear, éste dijo que ahí estarían. Llevó a Tarkus sin decir nada, y frente a un público compuesto en un 80% por gringos, los dejaron con la boca abierta. ¡En el Perú un grupo a lo Black Sabbath que toca temas propios y en castellano! Entonces llegó el concierto en Chiclayo, y luego fueron a Chimbote y a Trujillo, donde se presentaron nuevamente bajo nombre falso, y también dejaron huella. Tuvieron que regresar al instante al estudio. Acabaron los ocho temas que conforman su primer
LP y empezaron de frente con más canciones, de las cuales grabaron dos; tenían ensayadas unas cuantas más, pero ese par de registros se perdió para siempre cuando en la disquera optaron por grabar encima de esas cintas.

Las sesiones se realizaron entre el 3 de abril y el 16 de mayo de 1972. Los músicos tuvieron total libertad. Tanto así que el dueño de MAG solo escuchó su trabajo cuando regresó de viaje y ya se estaban prensando las primeras copias. Ocurrió una tarde, mientras Tarkus se encontraba en el estudio grabando las sesiones para el segundo álbum. A la mitad de una canción sintieron cierto desorden en la cabina de sonido. Dejaron de tocar y subieron a ver qué pasaba. Escucharon la voz estruendosa del ingeniero Carlos Manuel Guerrero: ¡qué mierda es esta bulla! El director de MAG tenía el rostro completamente rojo, presa de un colerón apocalíptico. Y cuando entró Walo llegaron los insultos: Oye tú, Carrillo, esto no suena como Telegraph Avenue, ¿no iban a ser un grupo latino?, esto no lo va a escuchar ni san puta. Yo no invierto en ustedes si hacen este tipo de música. Sin embargo, estaban atados por un contrato, por lo que el disco pudo salir a la venta. La portada era completamente negra, como años después lo fueron el Back in Black de AC/DC o el disco homónimo de Metallica. Pese a las contrariedades con el ingeniero Guerrero, los muchachos siguieron en la brega. Podían hacer circular su disco de manera independiente, todo dependía de los conciertos. El boca a boca ya había creado cierta expectativa en la movida rockera limeña, aunque casi nadie los había escuchado. El debut oficial estuvo por eso organizado al milímetro. Sería en el cine El Pacífico, que era la sala más importante de la época.

Un día Walo recogió en la Vía Expresa a un hippie que tiraba dedo. Se
pusieron a conversar mientras ponía un cartucho en el equipo de su auto. El desconocido respiraba paz por todos los poros de su cuerpo. Lo invitó a un departamento de San Isidro, donde estaba hospedado con sus amigos. Todos eran norteamericanos y tenían el refrigerador lleno de provisiones. Eran acólitos de la secta conocida como los Niños de Dios, que años después se haría célebre en las paginas policiales por acusaciones de presunta pedofilia. Al día siguiente el baterista les presentó a los demás miembros de Tarkus. Darío empezó a frecuentarlos pero persistió con su natural timidez frente a los demás músicos de la banda. En setiembre, poco antes de la primera presentación oficial del grupo en el cine El Pacífico, los Tarkus fueron invitados al famoso festival rockero que se celebró en la Plaza de Acho. Antes de que los grupos comenzaran a tocar, Darío se acercó y anunció a los tres músicos que tenía algo muy serio que decirles. Había encontrado a Jesucristo y debía retirarse de la banda y de ese estilo de vida. Se iba con los Niños de Dios. No tocaría en el debut porque iba contra el camino que había elegido en la vida, que era el camino de Nuestro Señor. Ya no creía en esa música inspirada por la droga y no podía ir contra sus principios. La noticia les cayó a todos como un balde de agua fría, pero Darío permaneció inflexible. No había nada qué hacer. Estaban en un callejón sin salida.

Tarkus nunca debutó oficialmente. El LP fue un fracaso de ventas; en realidad comercialmente jamás existió. Y ese disco es quizás uno de los más valiosos testimonios que quedaron de aquel tiempo en los sesenta y setenta cuando la música incendió los barrios de Jesús María, Lince, Pueblo Libre y Magdalena y luego desapareció sin dejar memoria, como sucedió con el único disco de Tarkus, esa anómala opus magna que, como ha mostrado esta historia, es mucho más que un brillante intermedio entre los dos LPs de Telegraph Avenue. Tarkus dejó de existir pero la vida continuó su curso. Bastante asustado por la desaparición de Darío, su padre viajó a Perú a buscarlo. Se encontró con Guillermo Van Lacke, que lo guió hasta el departamento de San Isidro donde vivía el guitarrista en la comunidad de Los Niños de Dios. Como buen milico, lo sacó violentamente, argumentó ante las autoridades de migraciones que su hijo aún era menor de edad (acababa de cumplir diecisiete años), le puso una camisa de fuerza y lo embarcó en un avión de las fuerzas armadas. Al llegar a Buenos Aires el psiquiatra diagnosticó su caso como un delirio místico. Cuando cumplió dieciocho y pudo salir de la clínica, Darío regresó con los Niños de Dios. Se convirtió en uno de sus principales activistas y durante un ritual de la secta fue rebautizado con el nombre de Manases. Se volvió a encontrar con Álex Nathanson en 1975. Juntos realizaron algunas grabaciones con los Niños de Dios, entre ellas un LP. Se sabe que vivió durante años en Seattle y que actualmente se encuentra dedicado a la vida espiritual en Madrid. Su historia lleva inmediatamente a conjurar el espíritu de Syd Barrett o Roky Erickson.

En el 2007 Tarkus se volvió a reunir. Ante la desaparición de Darío Gianella, el puesto de guitarrista fue ocupado por Christian Van Lacke, hijo de Guillermo y guardián del espíritu original de la banda. Aparte de cantar, Alex Nathanson ocupó esta vez el puesto de bajista. En los ensayos para el regreso de Tarkus y con la exhumación de los baúles de los recuerdos salieron a la luz los temas que iban a ser parte del segundo disco, aquel que nunca se terminó por el colerón del ingeniero Guerrero. No tenían las grabaciones de la época, pero sí las canciones, y se pusieron a ensayar. Era una empresa extraña, comparable en el mundo del rock al proceso que sacó a la luz álbumes como A Saucerful of Secrets —donde Pink Floyd continuó sin Syd Barrett pero prolongando su sonido— o el Smile —trabajo con el que décadas después Brian Wilson terminó el LP perdido de los Beach Boys—. Álex retornó a California para
seguir haciendo música, pero Walo y Christian decidieron seguir con la empresa hasta hacerla tangible y sonora. Todo este material ha sido incluido en el disco debut de Tlön, grupo que continúa la línea de Tarkus y que actualmente está conformado por Walo Carrillo, Christian Van Lacke y Marcos Coifman.

(Tomado del libro "Demoler" de Carlos Torres Rotondo. Este texto es una actualización de su artículo anterior sobre Tarkus)

Los York's y la enfermedad

2012-02-10T11:23:00.000-08:00

Por Antonio Ruiz

Un grupo de niños con diferentes rasgos, un conjunto de rostros alegres, provenientes de diversas culturas; como una foto sacada de un especial de National Geographic. Los Huamán, Siu, Martinich, Charún, Sakimi, Quispe, Loo, Micheline, Reyes, Arakaki, Tupac, Chong, Polack, Uribe, Tanaka… todos juntos estudiamos, jugamos, despertamos y aprendimos a dar los primeros pasos en la vida, como era usual por entonces, en la escuela primaria…

La beatlemanía provocó la formación de muchos conjuntos en todas las ciudades del mundo y en Lima, después de las experiencias de los primeros grupos que se inclinaron más a la nueva ola, los conjuntos vocales, la música surf e instrumental; empezaron a formarse los primeros conjuntos de rock propiamente dicho, aunque todavía se aceptaba el término pop: la influencia de Bob Dylan “empujó al pop hacia su segunda fase y le cerró el paso al rock and roll” (1). Con los Beatles en el tope, todavía siguió predominando en el público limeño el gusto por la balada y artistas como Leonardo Favio y Roberto Carlos.

Es a partir de la “primera invasión inglesa”, que permitió conocer una variedad infinita de estilos y sonidos, cuando se acrecienta el interés por formar bandas. Es así que empiezan aparecer en todos los distritos limeños, conjuntos que ya mostraban su preferencia por un determinado estilo. Uno de esos grupos fueron Los York’s. Ese interés, estuvo marcado por ciertos factores: mientras que en los barrios pudientes gustaban de la música surf y tuvieron a la mano la información al día y los recursos técnicos; en los barrios populares preferían el rock duro, el sentir interpretativo y se tuvo que recurrir a la creatividad para suplir la falta de información y los escasos recursos técnicos: pronto en Jr. Paruro, los artistas del ‘pichicateo’(2), empezarían a construir las primeras grandes cajas acústicas que se usaron en las matinales, también guitarras eléctricas y amplificadores, luego vendrían los efectos artesanales o de la reconocida tecnología TIIP (técnica informal del ingenio peruano).

Además de ser capaces de montar un espectáculo de rock atractivo, potente y provocativo, Los York’s fueron el grupo que supo acertar con los ingredientes musicales, que el público joven de entonces (1966) deseaba ver reunidos en un acto, porque los miembros del grupo, tenían los gustos de un fan común y corriente. Después de “Ruber Soul” y “Revolver” de los Beatles, el fan informado sabía (siempre encuentra la forma de estarlo) que existían grupos como Blues Magoos, Troggs, Pretty Things, The Seeds, The Zombies, Count Five, Electric Prunes, Them…(3) además, de los conocidos Kinks, Who, Animals, Yardbirds y Dave Clark Five, pero el disfrute de esos sonidos y estilos era frustrado por la no publicación y difusión de ese material en nuestro medio.

Es decir, Los York’s ante las expectativas de los fans que casi siempre difieren de los mandatos de las disqueras y la radio surgieron en el momento preciso como un paliativo, para esa carencia, pero con efectos que nadie pudo predecir. Pero existe otro factor, quizá el más importante. Hablando de ingredientes y reuniones, además de representar sobre el escenario el frenetismo, la rebeldía y el descaro de aquellos jóvenes, Los York’s reflejaron tal vez —a diferencia de similares intentos— la imagen, cada vez más dibujada, de nuestra ahora tan mentada multiculturalidad y allí, residió quizá, el verdadero motivo de su amplia llegada a sectores populares de todo el país, más que en el número de patadas y roturas en cada concierto.

Tuve la oportunidad de ver a los York’s en sus inicios (‘67) cuando por la radio se anunció la inauguración del club “La Caverna” en el sótano del edificio de la esquina de Carabaya y Puno en el centro de Lima. A la entrada en la vitrina del local (antes había sido un night-club) se destacaba al lado de una foto de Los York’s, su 45 rpm “Vete al infierno” que ya sonaba en la radio (4); y en el interior, las paredes y el techo habían sido convenientemente decorados con textura rocosa y estalactitas incluidas. El grupo lo conformaban Román Palacios en la primera guitarra, Walter Paz en la segunda guitarra, Pepe Olivera en el bajo, Pablo Luna, vocalista y Pacho Aguilar en los tambores. La mancha habitual en los eventos rock concurrió en pleno y pudo disfrutar de un grupo simple, rudo, pero franco y que ya mostraba rasgos de su desfachatez. Todas las veces que pude concurrir, los asistentes rebasaron la capacidad del club y muchos quedaron afuera. Más adelante, ya con Jesús Vílchez en el bajo se fueron convirtiendo en infaltables en cada matinal.

“…En muchos casos, las chicas asistían a las matinales en compañía de un familiar —el cine era el lugar ideal para una cita con el enamorado no consentido—. La visión de la película transcurrió con normalidad hasta casi la mitad de la misma, cuando empezaron a silbar y golpear con los pies en mezanine para que corten la película y empiece el show, lo que finalmente ocurrió. El ambiente se notaba algo caldeado y empezaron, con visible prisa, a desfilar uno a uno los conjuntos hasta que les llegó el turno a Los York’s. Ya por la segunda canción, el cine estaba convertido en un loquerío. El público se había volcado al pie del escenario para bailar. A mi izquierda dos chicos con pinta de debutantes se habían puesto de pie sin atinar siquiera a menearse y miraban boquiabiertos el violento accionar del grupo con un Pablo Luna que señalando un sector de la platea gritaba:
—¡Mira tu! Provocando que las adolescentes ubicadas en ese punto lanzaran ensordecedores chillidos.
—¡Siéntate! Le dice a su hija, la señora de la fila de adelante tapándole la boca a la vez que la jala hacia la butaca; voltea y toma de la cintura a la amiga de su hija que mueve con violencia la cabeza revoloteando sus cabellos —¡Sien-ta-te!—, repite.
—¡Mira tu!

Arriba, recorriendo el escenario, el vocalista sigue hurgando al público con un dedo acusador, amenazándolo, retándolo; mientras el quinteto en pleno, retroalimentado por el ardor de la audiencia acelera la acción como deseando precipitar el clímax. A mi derecha, dos chicas entre asustadas y molestas encaran a sus enamorados que abstraídos por la música se contornean obscenamente:
—¡Ustedes no nos dijeron que era así!
En la fila de adelante la señora resignada ante el fracaso en sus intentos por calmar a las niñas, decide sentarse y cruzada de brazos se limita a ver horrorizada —negándose a creerlo— cómo en los pasillos, chicos y chicas, van cayendo presas de la ‘enfermedad’ y… ante los graves problemas de visibilidad tengo que ingeniármela para llegar adelante y no perderme lo mejor… el final…” (5).

En las calles de Lima, en la comunicación entre los jóvenes, especialmente de los barrios llamados populosos y en un territorio amplio que comprendía a las unidades vecinales y barrios obreros de toda la capital, los jóvenes fueron creando una jerga que se fue difundiendo a través de los colegios, matinales, fiestas y clanes pero fundamentalmente, en la esquina del barrio. En un principio Los York’s y los Shain’s fueron los representantes de la “enfermedad” y el “ritmazo” respectivamente; términos creados por los fans para definir el estilo de estos grupos en los que encontraban cierta afinidad con el sonido de los grupos ingleses y del garage norteamericano, antes mencionados, que tanto les gustaban (6) y, para diferenciarlo de la otra música, la ‘fresa’ que les gustaba a los ‘farucos’ (monses, quedados). Otro término muy popular, entre muchos, que es importante mencionar es “neto(a)” que significaba buenazo, bacán, paja; sincero, auténtico. Quizá el cambio de personal, así como de horizontes musicales en Los Shain’s, ayudaría a dejar el camino libre a Los York’s, llevando al público a erigir la música del grupo como la “onda neta”.

Ya entre 1968-69, tuve la oportunidad de seguir sus actuaciones en las temporadas que organizaron ellos mismos en “El Arca de Noé” de Breña y en el “28 de Julio 2001” de La Victoria, cuando en Lima sólo se hablaba de psicodelia. Los dos Lp grabados, un mejor equipo y una técnica más acabada, había dotado al grupo de una soltura que se hacía notoria en el desarrollo de su show. Pasaban por un gran momento, habían encontrado su mejor sonido y todo era sólo felicidad. Los York’s fueron un conjunto sui generis, su público: fiel, fanático, y entre ellos, hubo una relación especial y poderosa. Los fans no sólo asistían a escuchar la música o a disfrutar del espectáculo, la mayoría de ellos iba porque en los miembros del grupo reconocían rostros familiares, como los de la gente de su barrio, y hasta es muy posible, como los de aquellos alegres compañeros de su lejana y querida escuelita fiscal (7).

Antonio Ruiz

(1) Cohn, Nik (1973) Awopbopaloobop Alopbamboom, Nostromo, Madrid, España.
(2) En jerga criolla: pichicata = opio, droga, que se vendía en la calle Capón y alrededores; pichicatear = alterar, modificar, acondicionar, adaptar.
(3) No publicados en Perú, con excepción de The Seeds, The Animals, The Dave Clark Five y, que se recuerde, algún 45 rpm de Yardbirds, otro de Zombies y pocos más.
(4) Guillermo Llerena Godoy administraba aquel local y escribió la letra de “Vete al Infierno”.
(5) Ruiz F., E. Antonio (1982) Las Matinales de los 60s, manuscrito no publicado, Miraflores, Lima.
(6) La “enfermedad” no fue un nuevo ritmo. Como un fácil recurso comercial, las disqueras lo incluyeron en la etiqueta de los discos en la ubicación usual del ritmo de la canción: tango, valse, fox trot; o Go-Gó, que tampoco, éste último, existió como nuevo ritmo.
(7) Las Escuelas Fiscales, las Escuelas de 2° Grado y las Grandes Unidades Escolares eran verdaderos centros de encuentro multicultural.

Publicado el 25/5/2010 en el blog Trovadour

Los Espías

2012-02-06T10:35:00.001-08:00

Foto tomada del Facebook de Virgilio Carozzi Ferreyros

La historia de Los Espías, contada por su fundador Federico Fajardo (Fico) en el blog "Baúl de los recuerdos".

"En 1962 nació el dúo Jai Alai conformado por Fico Fajardo y Ramón Zúñiga, posteriormente se unieron Arturo Salazar en el bajo y Ricardo Sangio en la batería, actuamos en todos los programas juveniles de la TV. Una amiga del grupo que trabajaba en una aerolínea trajo como novedad un LP de un conjunto que estaba sonando mucho en Inglaterra: Los Beatles. En 1964, formé un nuevo grupo llamado Los Mustangs, para interpretar canciones de este conjunto inglés, llegando a actuar en TV y en las famosas matinales. Durante esta etapa no llegamos a grabar discos. En 1968 conformé un nuevo grupo llamado Los Espías, para grabar temas propios en español. Por ese entonces se crea un nuevo sello llamado Talía, sello creado para que graben Los Espías y otros grupos con proyección. Originalmente el grupo estuvo integrado por Fico Fajardo 2da. Guitarra primera voz , Vitucho 1ra. Guitarra, Miguel Chino Figueroa en el teclado alternando con Eduardo Mejía Sasin (Lalo) y en la batería se turnaron Gilo Carozzi Ferreyros y Ricardo Sangio. Sus integrantes eran de Pueblo Libre, San Miguel, San Isidro y Jesús María. Actuamos en programas juveniles de TV, El Clan del Twist del canal 2, Ritmo en el 4, y en un programa musical que dirigía Guido Monteverde además de las matinales de los domingos. Desde un inicio el grupo contó con equipos propios y nos movilizábamos en mi carro y en el de Gilo Carozzi. Los Espías lograron grabar 36 canciones para el sello Talía, y se editó un 45 como promoción con el tema La Chica del Vestido verde, alcanzando el primer lugar durante varias semanas en los programas juveniles de radio 1160 y radio Miraflores. Por desacuerdos con el sello Talía la sociedad se disolvió y no se llegaron a editar mas temas de Los Espías. Por motivos de estudios universitarios y trabajo, algunos de los integrantes no pudieron continuar, y fueron reemplazados con otros buenos integrantes como Javier Romero en el Bajo, Ricardo Zucarini en la 1ra. Guitarra y ocasionalmente Julio Urrutia como 1ra. voz. Tuvimos vigencia hasta aproximadamente el año 1973".

Fico Fajardo

Los Doltons de Ica

2012-01-14T08:43:00.000-08:00

Por Heduardo

Cada vez que "interrogamos" a Gerardo Manuel sobre el origen del nombre "Los Doltons", el popular grupo de Breña del cual él fue uno de los fundadores, Gerardo nos hace retroceder a 1962 y nos cuenta que en su época escolar, en el colegio "San Luis Gonzága" de Ica, existió un grupo de ese nombre. "Como todo grupo debe de tener un nombre que lo identifique, Gerardo nos comentó y nos enseñó fotos de un grupo que él había formado en Ica (lugar donde cursó estudios), al que había puesto como nombre los Doltons, nombre perteneciente al sello Dolton en que grababan The Ventures, grupo del cual Gerardo era gran admirador", recuerda Walter Bolarte, ex primera guitarra de Los Doltons de Breña. Pues bien, gracias al Facebook de Jesus Flores Ramos, aquí están algunas de esas antiguas fotos iqueñas. Con ustedes: ¡Los Doltons de Ica!

"Que tal foto! Esta fue la inolvidable noche de 1962 cuando por primera vez se presentaban en público LOS DOLTONS en el auditorio de Radio Independencia en Ica, en el saxo podemos ver a Fausto Papita, batería José Yacila, GM voz, Dante Ravines, Jesus Flores (coros) y Livio Pareja piano y coros. Esta foto es una verdadera rareza". (Gerardo Manuel)

"Esta foto es más rara todavia q la anterior, y por esta actuación casi nos excomulgan, porque la ropa religiosa fue un pequeño prestamo q hicimos de la paroquia de Ica para tocar un tema muy adecuado que se llamaba 'Las campanas de la iglesia cantarán', el vestido de negro soy yo y de izq a der están Roger Cornejo en el contrabajo, Jose Yacila (tapado) en la batería, Carlos La Torre, Yo, Jesús Flores, Raul Angeles en la guitarra y el Loco Manuel Vicuña en el saxo baritono... 21 de junio de 1962 en el Cine Teatro Dux de Ica. Velada del Colegio San Luis Gonzaga". (Gerardo Manuel)

"Los primeros intergrantes de los Doltons fueron Gerardo Manuel, Jesus Flores Ramos, José Yacila, César Luna, Livio Pareja y Dante Ravines, estudiantes de la G.U.E. San Luis Gonzaga de Ica y de la universidad del mismo nombre. Cuando Gerardo Manuel viaja a Lima por sus estudios allí conoce en la Universidad San Marcos a los hermanos Bolarte, César Ichikawa y nombra a este nuevo grupo integrado por ellos con el nombre de Los DOLTON´S. Lo demás es historia". (Jesus Flores Ramos)

Y en estas dos últimas imágenes, Gerardo Manuel con el saxo. Todas estas fotos le pertenecen a Jesus Flores Ramos; gracias por su contribución a la Historia del Rock Peruano.

Black Sugar

2012-01-13T19:59:00.000-08:00

Algunos integrantes de Black Sugar durante un ensayo.

Por Wikipedia

Black Sugar fue una banda de rock latino, jazz rock y soul formada en 1970 en Perú. Integrada por destacados músicos peruanos de jazz y ritmos latinos durante la época de la dictadura militar en el Perú. Publicaron dos LP y un disco de 45 RPM que años más tarde serían reeditados por distintas disqueras del mundo.

Historia

En 1969 "Coco" Salazar y Miguel "Chino" Figueroa formaron una banda bajo el nombre de Los Far Fen, porque el grupo tenía un órgano Farfisa y amplificadores Fender como su único equipo de amplificación electrónica.

Con el nombre de Far Fen grabaron 3 discos de 45 RPM con seis temas: canciones pop, composiciones originales y baladas. Estos temas, muestran los arreglos de "Coco" Salazar y el órgano y solos de teclado de "Chino " Figueroa, también determinó la futura dirección musical del grupo y su capacidad para el Latin Funk.

En 1970 el grupo recibió el nombre de Black Sugar por Jaime Delgado Aparicio, un pianista de jazz y arreglista que en ese momento era el director artístico de Sono Radio.

Delgado Aparicio, reconociendo el talento de los jóvenes músicos, le dio al grupo la oportunidad de grabar un disco de larga duración en 1971 con la disquera Sono Radio titulado Black Sugar. Composiciones originales como "Too Late ", "Viajecito" y "The Looser" hicieron de este disco un éxito inmediato.

En 1974 la banda grabó un segundo LP titulado Black Sugar II el cual cuenta con más composiciónes originales que el primero, también muestra el resultado de la madurez musical. Temas como: "Fuego", "Checan", "All your love", el arreglo a Stevie Wonder del tema "Don't you worry 'bout a thing", hacen de este disco una buena pieza del rock peruano de la década de los 70s.

Hasta 1975 la banda estuvo constituido por nueve músicos, Víctor “Coco” Salazar (fundador, guitarrista, y arreglista). Miguel “Chino” Figueroa (teclados), Roberto Valdez (bajo), José Luis “Arrocito” Cruz (batería) ,Antonio Ginocchio (trompeta) ,Jorge Chávez (saxo alto) ,Coco Lagos (1er. percusionista) , Miguel Salazar (2do. percusionista) y Carlos “Pacho” Mejía (Vocalista y autor de la mayoría de las canciones).

Para fines de 1976 la formación aumentó con dos instrumentos de viento: “Pacho” Saenz (trompeta) y Edward Brown (corno francés). Ingreso el bajista Oscar Stagnaro, pero también sufrio las bajas de el vocalista Carlos "Pacho" Mejía y Hermes Landa quien fuera su manager desde inicios de la década.

En 1978 lanzaron Muevete, Muevete / La Camita 78 sus ultimos sencillos en discos de vinil de 7 pulgadas por Corona Records.

En esa década pasaron también por la banda Carlos Espinoza (saxo) , Lucho Gonzales (bajo) , Oscar Stagnaro (bajo) , Carlos Guerrero (voz), Andrés Dulude (voz).

La banda fue influenciado por grupos como Tower of Power, Blood, Sweat and Tears y Chicago con un sonido Latin Funk.

Discografía

Álbumes de estudio:
-Black Sugar (1971) por Sono Radio
-Black Sugar II (1974) por Sono Radio

Singles:
-Muevete, Muevete / La Camita 78 (7") (1978) por Corona Records

Recopilatorios:
-Black Sugar (CD, Comp) (1997) por Lazarus Audio Products
-Viajecito (Complete Recordings 1970-1972) (2001) por Vampi Soul
-Viajecito (1970-1972) (2001) por Nuevos Medios

Breve historia de Los Doltons

2012-01-13T18:41:00.000-08:00

Walter Bolarte, ex primera guitarra y fundador de Los Doltons

Por Walter Bolarte Pineda

Mi primer encuentro con Roberto Andía (Segunda Guitarra) y Javier Román (Bajo eléctrico) fue algo casual. Yo caminaba por una de las calles del Distrito de Breña y escuché voces y guitarras muy bien sincronizadas. Estaban tocando en el jardín de la casa de Roberto Andía, de modo que me acerqué y los escuché con detenimiento, hasta que me provocó participar y les pedí la guitarra. Tocamos como si lo hubiéramos hecho siempre. Creo, sin temor a equivocarme, que la suerte estuvo de nuestro lado al haber accedido, musicalmente hablando, en una forma rápida y sin problemas, por esta razón no se equivocó la persona que dijo “dar el primer paso es tener la mitad del camino ganado”, esto enfocándolo por cierto con lo que vendría más adelante.

A partir de ese día tocamos toda clase de géneros de música, desde valses hasta los temas instrumentales de The Ventures. Pero faltaba la parte rítmica, y me acordé de mi primo hermano, Fernando Bolarte, que tocaba magníficamente la percusión y se integró rápidamente al grupo. Participabamos en reuniones de amigos tocando y alegrando los eventos que a menudo se realizaban, pero sólo por amor al arte o a la camiseta.

Por esos años (1966-1967) había un programa que se propalaba por el Canal 2 de Lima, “El Show de Sergio”, cuyo conductor era el señor Sergio Vergara. Fuimos a ver los ensayos del programa y nunca voy a olvidar los pormenores de este momento, había un muchacho americano con una guitarra Gipson, modelo Custom, de color guinda (ver una de esas guitarras en vivo por esos años era como ver un marciano), que acompañaba a todos los que iban a participar. Le tocó el turno a un muchacho que interpretó el tema de los Beatles “La Ví Parada Ahí”, con una entonación del idioma inglés casi perfecta, aunada a un Swing para cantar excelente. Me estoy refiriendo a Gerardo Manuel (personalmente creo que Gerardo siempre estuvo adelantado a su época), de manera que le propusimos que cante con nosotros. No contábamos con guitarras eléctricas, pero eso más adelante fue superado; lo que si teníamos y nos sobraba era el deseo de integrarnos y poner en práctica lo que a cada uno le gustaba, y eso era hacer música.

Como todo grupo debe de tener un nombre que lo identifique, Gerardo nos comentó y nos enseñó fotos de un grupo que él había formado en Ica (lugar donde cursó estudios), al que había puesto como nombre los Doltons, nombre perteneciente al sello Dolton en que grababan The Ventures, grupo del cual Gerardo era gran admirador. Con él hicimos las primeras presentaciones en el Canal 5 Panamericana (no me acuerdo si era Canal 5 o 13 en esa época). Lo cierto es que ya aparecíamos en televisión, pero valgan verdades, ya había grupos que veían con gran interés el buen estilo para cantar en inglés de Gerardo. Por esta razón entendimos que la oferta que le planteó un grupo conocido, Los Shains, era lo mejor para él, sobre todo para la consolidación de su estilo de cantar en inglés, ya que nosotros nos pegábamos más al corte latino.

No pasó mucho tiempo y Javier Román nos comunicó que tenía un compañero de Estudios en la Universidad de San Marcos que cantaba muy bien y pertenecía al Coro. Esta persona era nada menos que César Ichikawa. Su timbre y entonación eran perfectas, aunada a la personalidad que infundía en cada tema, y esto tengo que recalcarlo: él no interpretaba los temas en forma mecánica; siempre, en cada ocasión, me percataba de que lo hacía cada vez mejor, es decir que para él interpretar un tema era focalizarlo como si fuera la primera vez. Esto era algo innato en César. Utilizaba también los recursos rítmicos o melódicos que le permitieran un recurso adicional de apoyo para innovar.

Fue así como llegó nuestro primer disco, grabado en el sello Sono Radio, que incluía los temas “Visión de Otoño” y “Rey Tablista”, los que nos abrieron las puertas para grabar siete LP y un número importante de discos 45. Asimismo por más de dos años fuimos artistas exclusivos en Panamericana Televisión.

He querido contar brevemente la historia de Los Doltons tal como la viví, en salvaguarda de algunas historias que se vienen propalando y no se ajustan a la verdad.

Publicado en el blog "Baúl de los recuerdos"

La Cumbia de Los Destellos

2012-01-13T18:02:00.000-08:00

Por Heduardo

Los tíos sesentones somos un tanto conservadores y a veces tenemos ideas tan anticuadas como, por ejemplo, que Los Destellos son un grupo de cumbia que no debería ir en un sitio de rock. Sin percatarnos que inicialmente Enrique Delgado intentó hacer un grupo de rock; que Fernando Quiroz formó parte de Los Zanys, un grupo de rock; o que el sonido predominante de Los Destellos es la guitarra eléctrica. Por eso anteriormente para subir algunos temas de ellos tuve que justificar que estos temas sonaran a rock, como "Onsta la yerbita". Tremenda tontería; Los Destellos hace tiempo se ganaron el derecho a estar en todo lugar porque su calidad está por encima de los tontos casilleros que acostumbramos poner. El coscorrón que me hizo salir de mi error lo recibí del joven y excelente guitarrista metalero Charlie Parra del Riego cuando subió a su sitio en Youtube su versión de "Elsa", de Los Destellos. Por eso ahora, sin puritanismo alguno, me doy el gusto de subir mi selección de cumbias de Los Destellos que tantas ganas tenía de subir. Yo también quería rendirles un homenaje a los Maestros Tito Caycho, Fernando Quiroz y, sobre todo, al Supremo Maestro Enrique Delgado. Me abstengo de poner imágenes en los videos porque esta vez las imágenes las pone la guitarra mágica del Maestro.

El Polen

2011-12-30T13:19:00.000-08:00

Por KR Music

El Polen, banda liderada por los hermanos Raúl y Juan Luis Pereira, es la banda pionera del rock fusión en América Latina, con reminiscencias a música andina y folclore peruano mezclados con espacios mántricos de sonido oriental y rockero. Miembros fundadores de Los Shain’s en 1964, junto a Gerardo Manuel, la adolescencia de los hermanos Pereira se situó entre guitarras eléctricas de melodías garajeras (por esos años fueron parte de Los Drag’s y de Los Sunset’s) y creativas exploraciones sonoras de corte espiritual, influenciándose por bandas raras para la época, como The Incredible String Band y T-Rex. Para 1969, Juan Luis Pereira era uno de los músicos y guitarristas más finos de la ciudad, mientras que Raúl mantenía ese espíritu explosivo y contestatario que tan bien se fusionaba con el talento de su hermano. Ambos, además, mostraban un profundo respeto y admiración por la música popular de nuestro país. Una música nueva nacía desde sus corazones y se nutría de las influencias orquestales vanguardistas de compositores como Cage, Schonberg o Stockhausen, y del free rock, la psicodelia y el folk: El Polen empezó así a germinar su semilla. Gracias a una búsqueda de autenticidad, el folclore andino se les enraizó fuerte y la banda empezó a ensayar en la casa de los Pereira en Miraflores, con Fernando Silva, Ernesto Pinto, Beto Martínez, Alex Abad y Sebastián Montesinos, debutando en el Pub Zanzíbar. Corría 1970 y El Polen era la banda de los artistas, intelectuales, hippies y extranjeros que pasaban por la ciudad. Eran los más comprometidos y anti sistema de la movida rockera de ese entonces. Ese año viajan a Cusco y se quedan viviendo en comunidad, incorporando instrumentos andinos a su música. Ese año fueron elegidos para telonear a Santana, que no fue permitido de aterrizar en el Perú por el presidente Velasco Alvarado, y los Polen terminaron en la cárcel por posesión de marihuana. Nunca conocieron a Santana pero éste les regaló dos guitarras. Luego, pusieron su música para la película “El Cholo”, inspirada en la vida del futbolista Hugo Sotil y protagonizada por él mismo. Luego entró el baterista Freddy “El Puro” Fuentes, con quien pudieron despegar aún más su música. Conocen a Los Jaivas, banda chilena que cultivaba un concepto de fusión relativamente similar (además de los argentinos Arco Iris, con Gustavo Santaolalla), con quienes se fueron de gira a Chile. Luego de editar su segundo disco, “Fuera de la ciudad”, el cual los lleva a Cuba y a Berlín, Alemania, además de otros países europeos, el colectivo artístico regresa al Perú para seguir en lo suyo, a pesar del poco reconocimiento que el país le otorga. Pero ellos estaban bien y eran concientes de que El Polen había marcado un hito en el rock de los setenta. La pasada década El Polen se juntó en un memorable concierto y, luego de 10 años, se juntaron de nuevo para ayudar a la rehabilitación de Raúl Pereira, víctima de un derrame cerebral. El pasado 18 de mayo, Raúl falleció y con él se fueron los sonidos únicos de El Polen. Sonidos que, sin embargo, seguirán perdurando en nuestro interior por siempre.

Año de fundación: 1969
Integrantes: Raul Pereira (voz, guitarra), Juan Luis Pereira (guitarra), Ernesto Pinto (percusión), Carlos "Beto" Martinez (mandolina), Juan Sebastián Montesinos (chelo), Fernando Silva (violín).
Estilo: Rock Fusión

Publicado en el blog KR Music

El Polen inmortal

2011-12-30T12:45:00.000-08:00

Por Antonio Muñoz Monge

Los inicios

En octubre de 1969 nace El Polen. Lo integran Raúl Pereira, que toca por igual guitarra y quena, además de escribir canciones, Juan Luís Pereira: primera guitarra, charango, arpa; Fernando Silva: violín; Ernesto Pinto: percusión; Juan Sebastián Montesinos: Chelo. Se han sumado voluntades, pareceres alrededor de una búsqueda de identidad, de ser peruanos. Viven juntos gran parte del tiempo, el gran tema que los acompaña es el Perú. Viajan “tirando dedo” al Cusco. La legendaria ciudad los llama, los atrae. Tocan en el mercado, en los puestos de jugo, las dueñas les invitan sendos vasos. Caminan por la ciudad tocando con sus cuerpos y sus pensamientos la cultura andina. Se van por las calles, por los muros de piedras milenarias, llegan a la cercana Sacsayhuamán y van descubriendo en los aires, en la lluvia, en los relámpagos y truenos, en las voces de las mujeres y los hombres un ritmo musical, familiar pero escondido. Viven un buen tiempo en la hermosa quinta de la familia Llamellini. El cielo estrellado de las noches cusqueñas van acompasando sus canciones, el deseo de decir algo, de encontrar la comunión musical:

Hermosa niña serrana /Que vives sobre la montaña / Mañana yo estaré contigo /Porque tu altura me llama. / El sol también estará conmigo / El sol también estará contigo / La luna entrará por tu ventana / Sumac huarmi … sumac huarmi…/ Un manto de estrellas de plata / Nos abrigará del frío / Hermosa niña serrana / En juegos cósmicos mimada /Mañana yo estaré contigo (Raúl y Juan Luís Pereira).

El nombre Polen fue elegido porque es lo que genera vida, prolongación de la existencia, comunicación del aliento, de la fuerza y de la semilla. El Polen fue y es antisistema en el más completo sentido de la palabra y esa es una de las razones que generó un rock de una manera totalmente diferente y abrazando nuestras raíces. Todo el tiempo se vivió, se comió y por así decirlo se bebió MÚSICA, día y noche. Esa es el alma del Polen, todo lo demás siempre pasó a segundo plano. Sabíamos que había un mercado, pero pensar en eso era como pensar en Marte, nos dice memorioso y enfático Ernesto “Mono” Pinto, el sonidista del grupo.

El Cine

En 1971, de regreso a Lima, de una fructífera permanencia en el Cusco, dan su primer concierto en el colegio Santa Úrsula, todo un acontecimiento. Comprenden y sienten que están encontrando el camino, el camino de los encuentros que no es solo un instante sino la permanente insistencia de seguir con lo que se hace. Participan en el famoso Festival de Agua Dulce, donde sin haber obtenido ningún premio del jurado, son los grandes triunfadores de un público que los aclama. Comparten el escenario del mar con Los Compadres de Cuba, con Alfredo Zitarrosa de Uruguay, con Soledad Bravo de Venezuela, con Víctor Heredia de Argentina. El legendario huayno Valicha, con un arreglo especial de El Polen es la carta de presentación en sus recitales.

El Polen concursaba en la categoría de canción y eran los favoritos. Sin embargo, días antes les habían advertido que cambiarán la letra de su tema en competencia, porque era muy crítico al gobierno. No lo hicieron. Fueron ovacionados pero perdieron. Al día siguiente el diario Expreso los declaró vencedores morales.

Hacen la Música de la película “El Cholo”, sobre la vida del extraordinario futbolista Hugo Sotil y la decisión de no tener un empresario ni seguir los contratos por el dinero, les abre un espacio que los lleva a varios escenarios del país donde son aclamados.

Encuentro de ritmos

El sonido que surgió con Polen era muy distinto al rock que Raúl practicaba años antes con Los Shain’s y con Los Drag’s. Tenía mucha más influencia hippie y bebía de ritmos autóctonos, creando uno de los más serios proyectos de fusión en el continente. Casi podríamos estar hablando del principio del rock latino que por diversas vías estalló comercialmente en los 90. Sin embargo, los temas no tenían estructura de canción y logró plasmar ese sonido soñado. Por ese entonces, en búsqueda de la autenticidad y de sus raíces (una de las grandes obsesiones de su generación) empezó a escuchar folklore andino. Al poco tiempo su hermano y otros amigos se unieron a los ensayos en su casa de Miraflores. Recordando el parque donde tuvo su primera revelación musical, Juan Luis bautizó el grupo con el nombre “El Polen”. Inicialmente, además de los hermanos Pereyra en las guitarras y voces principales, la banda estuvo conformada por Fernando Silva y Ernesto Pinto.

Debutaron a principios de 1970 en el Pub Zanzíbar –quizás el primero de su estilo en Lima- situado entre las calles Colón y 28 de julio, en el distrito de Miraflores.

El público habitual eran básicamente hippies, intelectuales, artistas y extranjeros de paso por Lima. Pronto, El Polen se convirtió en la banda de la casa. Empezaron entonces a conocer a gente enrollada, comprometiéndose aún más en una opción de vida romántica, personal y fuera del sistema.

En otras palabras, eran hippies de verdad, la primera tribu urbana nacida de la tradición contracultural que realmente llevó a varios individuos a romper con el sistema. Eran un fenómeno sociológico con un sustrato cultural fuertísimo, no sólo grupos de intelectuales díscolos como los románticos ingleses, los dadaístas, o los beatniks.

En el Zanzíbar conocen a Antonio Esteban, gran guitarrista español, que después formó y fue la cabeza de La Banda Celeste, grupo con que El Polen actuó en el Festival de Agua Dulce con la canción Hijos del Sol.

La primera vez que salen de Perú fue por una invitación al Festival de Música y Artesanía “Los Caminos que se Abren”, en la Quinta Vergara de Viña del Mar, un 24 de febrero de 1971, evento en el que participan músicos y artesanos de todo LatinoAmérica. Raúl Pereira marcó un hito de amor y cariño con los hermanos Chilenos, la admiración por él fue muy grande, por su sencillez, por su carisma, por su generosidad y por su talento y fuerza como músico. Ha dejado huella

En julio de 1970 no sólo Juan Luis Pereyra, sino la banda entera, con muy poco dinero en los bolsillos, hizo su primer viaje al Cusco, a tiempo para llegar a las celebraciones del Inti Raymy. Meses atrás Dennis Hopper y su equipo de cineastas gringos habían depredado la comunidad de Chinchero. Se recuerda particularmente una borrachera nocturna del director en la que destruyó un ídolo tradicional.

Los músicos de El Polen alquilaron habitaciones y se pusieron a vivir en comunidad. Viajaron por zonas milenarias con ruinas incas fundidas en el paisaje como Machu Picchu, el Urubamba, Písac y el Valle Sagrado. La ciudad de Cusco tenía un buen ambiente, centro magnético que atraía hippies y viajeros de todo el mundo, era verdaderamente una zona alternativa para tanta gente que viajó por el mundo en aquella época, buscando la revelación, vagabundos del drama sumergidos en el camino. Compraron quenas e instrumentos tradicionales andinos y se presentaron en bares y auditorios. En total estuvieron tres meses y maduraron su repertorio.

Barranco de los suspiros

De regreso a Lima alquilaron una casa en las afueras de la ciudad y se fueron a vivir en comunidad. Al poco tiempo, la banda se mudó a una casa bajo el Puente de Los Suspiros, en Barranco, que se convirtió en un centro de reunión de gente interesada en la Música. La comunidad fue un laboratorio de experimentación sonora. Una de las personas, que paraba por ahí, era la cantante Susana Baca, que ya en los años 90 se convirtió en la cantante peruana más conocida internacionalmente.

A fines de 1970 la banda tuvo su primera actuación importante en la Universidad de Lima –fundada poco tiempo atrás- con un cartel que reunió a lo más graneado de la escena peruana. El Polen fue la sensación. Nadie había llevado antes tan lejos el concepto de rock y fusión andina. Uno de los espectadores se convirtió en un fanático suyo. Peter Koechlin no era sólo un oyente más, era un empresario que estaba a punto de traer a Santana al Perú. Ese mismo día les pidió que actuaran como teloneros en el concierto que la banda de San Francisco iba a dar en el estadio de la universidad de San Marcos.

Sin embargo, al poco tiempo surgió una oportunidad que no desperdiciaron. Nilo, el hermano mayor de Juan Luis y Raúl, trabajaba habitualmente en rodajes de cine. El director argentino Bernardo Batievski estaba filmando la película “El Cholo”, inspirada en la vida del futbolista Hugo Sotil y protagonizada por él mismo.

Bernardo Batievski, el director de la película, le dijo a Nilo Pereyra que no tenía banda sonora para el filme, y le pidió que le recomendara algún grupo. Obviamente, Nilo le mencionó a El Polen. La banda entera hizo una audición frente a Bernardo Batievski, que inmediatamente les hizo un contrato. No les pidió ningún tema nuevo, sólo una versión del tema tradicional “Cholito pantalón blanco”. El resto de la banda sonora de la película está constituido por el repertorio habitual del grupo hasta ese momento.

El disco fue un éxito, y la canción Valicha se convirtió en número uno en las radios. En el caso particular de Radio Miraflores, por ejemplo, llegó a superar una canción de The Doobie Brothers en el hit de la semana.

Publicado el 23 de mayo del 2010 en La Primera

Los Doltons

2011-12-28T08:33:00.000-08:00

Por Wikipedia

Los Doltons son un grupo de rock formado en 1965 en Breña, Lima. Walter Bolarte, Roberto Andía y Javier Román fueron los fundadores de esta banda que inicialmente tocaba en fiestas particulares. En 1966 el grupo se pone a ensayar en los estudios de “El Show de Sergio” (programa del canal 2 conducido por Sergio Vergara). Es allí donde conocen a Gerardo Manuel y lo invitan a participar en su grupo. El nombre Los Doltons lo puso Gerardo Manuel; esto se debe a que en Ica (su tierra natal) tuvo su primer grupo llamado Los Doltons. Posteriormente Gerardo Manuel emigró a Los Shains y fue reemplazado por Cesar Ichikawa. Desde ese momento hubo una rivalidad amistosa entre Los Doltons y Los Shains. En el primer 45 rpm de Los Doltons se incluyó los temas “Visión de Otoño” y “Rey Tablista”, que tuvieron una gran acogida en el Perú. Gracias a este primer disco fueron artistas exclusivos en Panamericana Televisión. Cabe resaltar que su productor fue el músico argentino Enrique Lynch. Grabaron mas de siete Long Play y varios discos de 45 rpm, haciéndose conocidos en gran parte de Latinoamérica. En 1967 la revista Billboard los nombró como mejor agrupación latina de ese año. La banda se retiró en 1970 por mutuo acuerdo y a causa de sus estudios universitarios. Cesar Ichikawa parte a EEUU por motivos laborales. En 1975 deciden juntarse para grabar un LP. Esto se debe a que los discos de 33 rpm estaban siendo muy aclamadas por todos los admiradores del país, y es así que se acuerda en sacar un LP mas de Los Doltons. Fue muy dura la búsqueda de los integrantes, ya que Cesar estaba en EEUU, mientras que los otros ejercían sus profesiones. Este LP fue titulado “El Retorno de Los Doltons”, bajo la dirección y arreglos de Rulli Rendo. Este LP marcaría el final del conjunto original.

Miembros Fundadores

-Gerardo Manuel, César Ychikawa (Vocalista)
-Walter Bolarte Pineda (Primera Guitarra)
-Roberto Andía del Pozo (Segunda Guitarra)
-Javier Román Vidal (Bajo Electrónico)
-Fernando Bolarte Cerrate (Batería)

Discografía

-Los Doltons Vol I (Sono Radio 1966)
-Los Doltons Vol II (Sono Radio 1967)
-El Show de los Doltons (Sono Radio 1968)
-Al compás de los Doltons (Sono Radio 1968)
-De vacaciones con los Doltons (Sono Radio 1968)
-Los Doltons hasta siempre (Sono Estéreo 1969)
-El retorno de los Doltons (Sono Radio 1972)

Ni Sex Pistols ni Ramones; el punk empezó en Perú y en español

2011-12-24T09:26:00.000-08:00

Rolando Carpio, César Castrillón, Erwin Flores y Pancho Guevara: precursores del punk en Perú.

Lo dice el recientemente publicado Diccionario de punk y hardcore (España y Latinoamérica): La variante punk del rock no se inició en los años 1970 en Londres ni en Nueva York, sino en Perú, específicamente en el distrito limeño de Lince.

Por Julio García, BBC Mundo

Y se cantaba en español. Sus precursores eran cuatro chicos de 19 años que se hacían llamar Saicos. No Los Saicos, porque eso sonaba a grupo de la "nueva ola".

El nombre original del grupo era Sádicos, pero por autocensura le quitaron la d, con lo que además sonaba como el inglés Psycho, es decir psicótico. Al menos esa es una de las versiones que circulan.

Rebeldes sin causa

Pese a que su tema más popular, Demolición, parecería una manifestación de rebeldía juvenil también anticipada a su época (las grandes protestas estudiantiles en varios países fueron en 1968), no pretendía enviar ningún mensaje.

César 'Papi' Castrillón era el bajista de los Saicos. Hoy vive en Stafford, Virginia, a 60 millas de Washington DC. "Realmente éramos muy locos en esa época y las cosas las tomábamos muy en broma", dijo en entrevista con BBC Mundo

"Las canciones las hicimos con ese propósito, porque si escuchas Demolición, El entierro de los gatos o Cementerio, te das cuenta que nada es en serio. Queríamos expresarnos en español en la manera en que nosotros los peruanos sentíamos. Además había mucha paz en esa época", recuerda.

Papi integraba el grupo con el guitarrista Rolando Carpio, ya fallecido, el vocalista Erwin Flores y el baterista Francisco 'Pancho' Guevara. Los Saicos no eran los únicos, pero probablemente eran los más originales de su generación.

"Era cool que te vieran cantando en inglés. Todo el mundo cometió el error de comenzar a hacer covers (versiones de otras músicas), pero nosotros no nos dimos cuenta que no estábamos cometiendo ese error porque esa no era nuestra intención, simplemente queríamos mostrar lo que nosotros éramos y la única manera era diciendo las cosas cómicas que decimos en nuestras canciones".

¿Son o no son punks?

Pancho Guevara, el único de los Saicos que vive en Lima, está sorprendido con el resurgimiento del interés por su viejo grupo al llamarlos 'precursores del punk'.

"El punk es una onda medio rara y nosotros lo que hacíamos era rock and roll", afirmó Guevara en entrevista con BBC Mundo. "Si ahora dicen que éramos punk, lo asumimos. Es algo extraño, pero bienvenido. Pero cuando escucho a los Sex Pistols y otras bandas, ni les encuentro parecido con nuestra música".

Castrillón coincide: "Lo curioso es que nunca escuché a ningún punk y en los años 80, cuando fue a vivir a Estados Unidos, me dediqué exclusivamente a la familia. No me interesó el rock en especial, me interesa toda la música. Me gusta, por ejemplo, Andrea Bocelli, Caruso, Mario Lanza. El punk, si había canciones buenas las escuchaba y si no me gustaban no, pero no me asociaba con ellos".

En lo que sí se identifica Castrillón con los punks es que cuando empezaron a tocar no tenían mayor conocimiento de sus instrumentos, simplemente deseaban expresarse.

"Hay muchas bandas de punk que no tienen la menor idea de la música que están haciendo, pero disfrutan haciéndola. No había una técnica musical, simplemente teníamos esa alma de músicos".

¿Será que canciones como Demolición son subliminalmente subversivas, en vista de que no tenían intereses políticos? "Sí, por supuesto", responde Guevara.

"Todos tenemos algo que nos jode, que nos revienta y que nos da ganas de destrozar, de demoler. ¿No te ha pasado con alguna chica alguna vez? Es natural, imagínate, a los 18 años uno está con todos los caballos encima y desbocado además. Y si tienes la oportunidad de hacer rock and roll..."

Ante la insistencia en el tema punk, a Castrillón no le queda más remedio que admitir que, -al igual que los Sex Pistols en su tiempo, sí se considera punk porque no nunca sintió el amor "como los Beatles lo expresan".

"Me gustan pero no me identifico, prefiero una música más agresiva y una letra que también exprese el amor, pero de otra manera. El punk no es solamente hablar de cosas feas o en contra del amor, sino que está incluido de una manera más íntima, no tanto respeto en ese sentido, con el sexo".

El exbajista asegura que en Perú hay músicos mejores que ellos, pero quiere que el renovado interés en los Saicos sirva para apoyar a esos nuevos artistas.

"No es justo que un artista peruano esté ganando 200 soles (US$74), cuando Paul McCartney vende 45.000 entradas a US$800 cada una. Es demasiada la diferencia".

Renacimiento en España

Los Saicos tuvieron su edad de oro entre 1965 y 1966, incluso tenían un programa de televisión. Pero sólo lanzaron seis sencillos y nunca llegaron a grabar un álbum.

"Siempre tuvimos la intención de grabar el álbum", dijo Guevara. "Pero las canciones al ser propias requerían mucho tiempo de elaborar y hacer los arreglos. Nos tomó un año hacer esas canciones y después no teníamos tiempo con todos los compromisos y presentaciones".

Y con el tiempo, el grupo se acabó, con sus integrantes saturados de verse todos los días durante tres años. El vocalista incluso llegó a estudiar física en Washington y trabajó para la NASA.

Quién diría que en el Siglo XXI resurgiría el interés por este grupo efímero y relativamente oscuro de un país sudamericano que no es conocido por su producción de música rock.

"Fue un honor que después de 45 años nos reediten", afirma Guevara. "Pero la cosa comenzó cuando en España sacaron el LP en 1998 y ahí comenzó la onda de nuevo en Europa y nos trataban de ubicar hasta que lo consiguieron en 2006 y nos pidieron que hiciéramos un show".

Después de eso llegó el reconocimiento como precursores del punk y un documental que agotó las entradas en su estreno en Lima, Saicomanía, de Héctor Chávez.

Y todo porque otro peruano se fue a vivir a España en 1995 y se llevó un casete con la música de los Saicos, que hizo tocar durante una entrevista con la radio nacional de España.

¿Seguirán tocando los Saicos, esta especie de 'abuelitos del punk'?

"Los chicos de 20, 30 años conocen ahora nuestras canciones", señala Castrillón. "Hemos estado en España y la gente canta las canciones como si fueran propias. En México y Argentina pasó lo mismo, nos piden que toquemos en Inglaterra, en Estados Unidos, pero ya tenemos 66 años y nos puede dar artritis o un soplo al corazón".

Publicado el Sábado, 24 de diciembre de 2011 en BBC Mundo

El extraño del pelo largo

2011-12-18T05:05:00.000-08:00

Jean Paul "El Troglodita"

Por Eloy Jáuregui

El troglodita nació bueno. El parque Huiracocha y un tal “Cholín lo fregó. Enrique Tellería Dávila es (fue) El troglodita, el cantante de rock más extraño que conocí en el ejido. Cuando cantaba alucinado, arrastraba las frases como a un perro chusco y alargaba el fraseo como pedo de culebra. Estrafalario y sicodélico, fue el “pase” caminando. Exagerado en todo, era natural de Jesús María, el barrio de altas aspiraciones. Fue ilustre vecino de poetas y cantores. A saber, vivió frente a la casa del compositor Andrés Soto, al costado del poeta Julino Dávila, a un pasito del trovador Huguito Castillo, a tiro de piedra de la residencia la familia Escalante, dinastía de estetas, a la espalda de la quinta del periodista César Hildebrandt y a la vuelta de la primera casa del gran fotógrafo Carlos “Chino” Domínguez. Así, por ADN barrial, era un jodido impenitente.

Enrique se hizo llamar desde 1970 como Jean Paul “El Troglodita”. Hoy ya no valen las comillas. Solo está su eco chamuscado, carburante, pestífero de misterio y la gente que lo conoció le dice solo: el “Troglo”. La leyenda –esa que él quiso fuese mito--, dice de este extraño del pelo largo que fue un tocado por la magia de su tiempo. El “Troglo” arrancó su safari musical como cantante del grupo Los Delfines del Callao. Sería un imbécil si les cuento que lo frecuente. Él era infrecuentable. Pero sí hable y nos metimos unos pisco muchas noches en lo de “Pablito”, famoso grifo de la esquina de los jirones Huiracocha y Húsares de Junín en el recargado distrito de Jesús María, por donde el diablo perdió el poncho.

UN ADELANTADO A SU EPOCA

Alberto Escalante, notable diseñador gráfico, que lo conoció de antiguo, cuenta que Enrique Tellería Dávila fue todo un personaje desde joven. Había estudiado en la misma promoción de César Hildebrandt en el colegio militar Leoncio Prado y era el tipo más buscado –todas las chicas sabían que “Kike” era aventajado—de esos pagos. Pero coincide con una parte de la leyenda. Su padre era un tipo exitoso y lo manejó como un verdadero manager. Él le compraba o le mandaba hacer su vestimenta, se lo veía en la lavandería Dry Cleaners del Parque Huiracocha, lo mantenía en su casa y le daba una poderosa propina que lo convertía en un muchacho afortunado en aquel barrio de clase media anémica de la llamada liquidez. Dice Escalante que si el “Troglo” hubiese nacido en Nueva York o en Londres hoy sería un ídolo como Mick Jagger o Freddie Mercury .

El Troglodita fue el primer peruano que cantaba rock en un estado puro. Su padre le pagaba sus estudios en el Cultural Peruano Norteamericano y “Kike” ensambló un estilo Elvis Presley con dejó a quinta o callejón. Un sastre de la zona que lo admiraba, una tarde mientras se bajaban un ron en el parque le prometió hacerle un traje atigrado. A la semana, “Kike” fue el tipo más feliz. Ahora tenía un terno que era igual a la piel de un tigre. Esa noche cuando actuó en el cine Palermo, se transformó, rompió micros, amplificadores y reflectores y desde esa vez lo llamaron “El Troglodita”.

Luis Vigil escribió de él: “El destacado periodista Guido Monteverde, ya desaparecido, lo bautizaría artísticamente como “El Troglodita” y de paso la película “Europa de noche”, serviría de marco referencial para la creación de su personaje, y Jean Paul anotaría el hecho, ya que en dicho film el actor central era un cavernícola beatnik que salía cantando rocanrol con un mazo en la mano, en un escenario alucinante, donde al final terminaba destrozando todo y a su vez agrediendo a quienes estaban a su alrededor. Con este personaje de ficción, simplemente Jean Paul se sentiría rápidamente identificado y lo llevaría a la realidad, y a un escenario juvenil sediento de emociones fuertes y que antes de la llegada del “Troglo”, era sinceramente súper aburrido”.

Como lo haría dramáticamente real en una recordada presentación en el Canal 4, donde destruyó todo el decorado del escenario, volando sillas y todo lo que encontraba en su camino. Es decir, música rock asumida en su más cavernosa interpretación, y cuyos arrebatos conmocionarían y preocuparían a la opinión pública de aquel entonces, al ver a un joven enfundado en un traje de felino y posteriormente al hippie psicodélico que pareciera haber salido del mismo “Carnaby Street”. P

ROCK EN TIEMPOS DE VELASCO

La revista “Ecran” de 1968 decía: “Jean Paul esta vestido con un pantalón azul eléctrico, una camisa rosada con vistosos estampados, unos lentes gigantes y una corbata ploma ¡pobre Ringo Starr!”. En 1965 grabó “El tema del troglodita” y “El dólar agujereado”, temas que marcarían el inicio de su ascendente carrera, según Luis Vigil. Así, una de sus fans, Rebeca Llave, tiempo después se convertiría en gerente de producción del sello, y descubriría a Los Saicos y a Los Golden Boys, con quienes Jean Paul compartiría muchas veces escenario, ya que Erwin Flores, vocalista de Los Saicos, fue muy amigo del Troglodita y con quienes a veces cantaba en restaurantes del centro de Lima como “El Mario’s” y “La Gruta Azurra”, creando una especie de improvisadas peñas roqueras.

Su primer disco es “Tengo un Mustang”, en el cuál se puede apreciar muy buenas versiones de The Hollies y The Animals, los cuales serían acompañados por Frank Privette y Los Steivos. En 1972 graba uno de sus mejores temas: “Vudú”. Hoy es casi imposible de conseguir pero si uno lo escucha se dará cuenta que el “Troglo” fue un cantante que nació antes de tiempo. Les dejo esta dirección para que ustedes puedan apreciar su art. Hoy, pocos recuerdan que en los años setenta existió un tipo extrañísimo. Se llamaba Enrique Tellería Dávila, vivo y sufrió en el Parque Huiracocha e inventó una manera distinta de interpretar música. Ese fue su mérito, ser un extraño.

Publicado el 10/12/2011 en El Jauregui es

BONUS: 19 temas interpretados por El Troglodita

La extinción de El Troglodita

2011-12-17T08:48:00.000-08:00

Bastante lejos de la gloria que arañó durante la nueva ola, Enrique Roberto Tellería Dávila fue encontrado muerto el primero de agosto, en completo abandono y víctima de vicios de los que no pudo (o no quiso) liberarse.

Por Juan Álvarez

"Lucho, preséntame como si fuera mi último show...". Jean Paul El Troglodita estaba en el cartel de esa noche, víspera del Día de la Madre, y había gente ansiosa de verlo en escena, pero Lucho Aguilar, uno de los principales promotores de que la Nueva Ola peruana siga captando público, dudaba en anunciarlo. Había hecho caso por fin a los mensajes que El Troglo enviaba a su celular ("Lucho, contrátame, aún no estoy muerto"), pero no sabía si debía arriesgar tanto.

El otrora cantante conocido por destrozar (literalmente) el escenario enfundado en traje de cuero o de matices atigrados lucía en ese momento flaco, ojeroso, cansado y sin ilusiones mayores que la de, simplemente, alimentarse de los aplausos que devolvieran a su retina destellos de cierto apogeo.

Entregado a la bebida y a otras sustancias, a punto de ser abandonado por la mujer que intentó conducir su carrera al menos de manera decente, harto del asedio de un par de demandantes (una mujer en pos de una pensión alimenticia, otra por la propiedad de la casa en la que vivía) y de los amigos que solo lo buscaban para seguir sangrándolo, Enrique Tellería parecía haberse enterado ya que el disco de su vida iba rumbo a dejar escuchar sus últimas notas.

La puerta abierta

En la calle Manuel Turraba, de Las Begonias, San Borja, las noches son más tranquilas desde el primero de agosto. Ese día, domingo, Cecilia (38) volvió a hacer de tripas corazón para mirar a los ojos a Enrique. Lo había llamado el martes, para preguntarle cómo seguía, y él, con voz más cansina que nunca, le contestó que igual, que en su caso quería decir peor. "Estoy así por ti", le increpó nuevamente el cantante, quien al parecer nunca entendió que si ella se fue es porque el amor resulta insuficiente cuando a cambio se recibe hostilidad y permanentes promesas que no se llegan a cumplir.

"Por favor, cuídate", dijo Cecilia al despedirse. "Te llamaré, y si puedo te visitaré en estos días", anunció para tranquilizarlo. "Está bien. Te estoy dejando la puerta abierta, gordita...", balbuceó él antes de colgar.

Y ella llamó el miércoles, el jueves, el viernes y el sábado. 58 veces, tal como lo consigna el teléfono fijo de Enrique. El Troglo nunca contestó. Los presentimientos arribaron puntuales, e inquietaron tanto a Cecilia que la llevaron hasta la casa. El silencio imperaba, también el temor. Le pidió al vigilante César que la acompañara hasta la puerta, y cuando se disponía a sacar la llave, vio que no era necesario: estaba abierta. La fetidez confirmaría sus sospechas: lo encontraron tendido de espaldas, al pie de la cama, con los ojos y la boca abiertos.

No quedaba más que avisar a la policía y a una de las hijas de Enrique, Carla, quien se encontraba cantando en pleno servicio evangélico. Ella, a su vez, llamó a doña Elsa, madre del último hijo del cantante, y quien fue la que dio la cara a los reporteros que se despedían ya del feriado largo, y quien se llevó lo que El Troglo no había conseguido vender para solventar sus vicios. Luis Yaker, un amigo que le había comprado las acciones que le correspondían de la casa en litigio, pagó 2,380 soles para que tenga un entierro digno en el cementerio de Lurín. El Troglo había luchado siempre contra el olvido, mas no pudo evitar que su muerte sea consignada apenas en una página policial.

Un espectro viviente

El parte oficial señala que Enrique Tellería falleció de edema pulmonar que habría desencadenado una broncopulmonía y un ataque cardiaco, pero la prensa popular intentó hacer de su deceso una novela con datos de tinte más dramáticos y controvertidos.
Como sea, el vecino Raúl Salazar cuenta que no era la primera vez que pasaban días sin que Enrique asomara su delgadísima figura (lo han descrito como "un espectro viviente"), y sin despegarse de las paredes para no caer. El alcohol, las drogas y la depresión lo habían convertido en un personaje indeseable. Un ermitaño que ni siquiera aceptaba que le regalen comida.

En todo caso, el último favor que pidió fue al vigilante: que le comprara leche, jugos y gaseosas, el lunes 25. Dicen que a esas alturas de su drama, cualquier líquido era ideal para preparar una combinación etílica, reforzada con diazepán y la comprensible debilidad por falta de alimentación. Era, aseguran los vecinos, como si él mismo pretendiera acelerar el desenlace, harto de no haber sido capaz de prolongar la buena pero efímera vida que otorga la fama. Y vaya que se salió con la suya. Allá va El Troglodita, aferrado a una ya viejísima ola.

Publicado el 29 de agosto del 2004 en La República

Extraña muerte de artista

2011-12-17T08:18:00.000-08:00

Enrique Roberto Tellería Dávila, Jean Paul "El Troglodita"

Estaba solo. En su cama, la Policía encontró varias botellas de licor vacías y algunas a medio consumir. Enrique Roberto Tellería Dávila, de 50 años, El Troglodita, conocido cantante de nueva ola, murió ayer, a las diez de la mañana. Pero su cuerpo fue hallado recién a las seis de la tarde, a pesar de que pasó la noche del sábado y la madrugada del domingo acompañado por varios amigos.

Su ex esposa, Cecilia Casano Rojas, descubrió el cadáver y avisó a la policía. Hasta su casa, ubicada en la calle Moreno Torroba 129, San Borja, llegaron los agentes de criminalística de la Dirincri para iniciar las investigaciones. "Hay que esperar el resultado de la necropsia. No se puede descartar que se trate de un envenenamiento ocasionado por alguna persona", reveló uno de los custodios que tiene a cargo la investigación. Hoy han sido citados algunos vecinos y la ex pareja del cantante para que den su versión de lo ocurrido.

Publicado el 2 de agosto del 2004 en Perú 21

Los Millonarios del Jazz (Lima, 1957 - 1959)

2011-09-14T21:53:00.000-07:00

Por Jesus el Rocker

La proyección en Perú de la película "Semilla de maldad", los primeros éxitos de Elvis, y la gira por el país de la reina del rock and roll mejicano, Lucerito Bárcenas, hizo que nacieran en multitud de jóvenes peruanos los deseos por interpretar esa clase de música. Uno de ellos es un irlandés establecido en el país inca, Pat Reid, que pronto decide fundar su propia banda, Los Millonarios del Jazz, título medio confuso y medio irónico, aunque es verdad que Reid era un gran aficionado al jazz desde hace tiempo. Recluta al resto de miembros, entre los que destaca el extranjero Jorge Mirkin, al que por su maestría con los instrumentos de viento le bautizará la prensa como "El Benny Goodman argentino" y empiezan a hacer versiones de los clásicos del rock & roll que les llegan de Estados Unidos, siendo el cantante el propio Reid a pesar de ser el batería, pues es el único que domina el inglés. Aunque fuera delegando esa labor en otros poco a poco, el grupo siempre cantaría en esa lengua o simplemente se ceñiría a temas instrumentales, algo que no beneficiaría precisamente sus ventas en el mercado hispano y, como era de esperar, tampoco alcanzó al distante mercado anglo-sajón. Les ficha el sello local MAG, que les editá el EP "Rock and roll" (1957), inequívoco título que llevaba incluido el tema "Rock with us", uno de las pioneros del rock hispano, aunque todavía muy anclado en los ritmos del jazz en los que sus músicos se habían formado. Por desgracia la falta de grandes éxitos haría que la banda se disolviese muy tempranamente. Reid, con el tiempo se pasaría, esta vez de verdad, al jazz (también al swing y al boogie-woogie), y a día de hoy es considerado uno de los grandes maestros del género en Perú. Del resto de sus componentes, Elías Ponce se dedicó a la producción y montaría un estudio de grabación. El pianista Pepe Morelli se empleó en la banda de la popular allí Chela Roselló, no solo como instrumentista sino como arreglista. Luego pasó al mundo de la televisión, que fue donde realmente se hizo popular al aparecer con frecuencia en algunos de los mejores programas de entonces, destacando el que hacia junto a Kiko Ledgard (presentador simpático donde los haya y luego famosísimo en España gracias al concurso "Un, dos, tres...") entre otros. Queriendo ampliar sus horizontes marchó a Venezuela, pero allí empezó a perder visión hasta que quedó completamente ciego. De vuelta al Perú se tuvo que conformar con dar clases de piano hasta su reciente muerte. Esperamos que su afición por el espiritismo le haya servido de algo en su viaje al más allá. Por su parte el eventual Roberto Bolarte se unió, en 1965 ya, al grupo de su hermano Walter, Los Doltons, una banda muchas veces instrumental que hacía practicamente de todo, desde pop y rock hasta, incluso, valses. Uno de sus integrantes se marchó para formar la banda rival Los Shains, pero serían más populares Los Doltons gracias a su single "El último beso" (1967), hasta su disolución en 1970. Roberto intenta todavía seguir con el grupo, pero ya sin ningún integrante de la formación original.

Músicos: Pat Reid (batería y voz), Elías Ponce Jr. (guitarra), Guillermo Vergara (contrabajo), Pepe Morelli (piano), Jorge Mirkin (clarinete y saxo) y Roberto Bolarte (bajo).

Publicado en el blog Diccionario Rockabilly

Los Sunset

2011-09-12T11:56:00.000-07:00

Por David Delucchi (bajista de Los Sunset)

"En el año 63/64, cuando se disolvió el grupo de twist Los Astoria Twisters, grupo creado por Jaime Delgado Aparicio, me incorporé a Los Sunset como bajista en reemplazo del musico original y quedamos Walter Ugarte como primera guitarra, Ricardo Noriega como cantante y segunda guitarra, Kalle Englund como batería (alternada con Cesar "Conejo" Mantilla) y yo David Delucchi como bajista. Yo venía de un grupo garagero de San Isidro que no tenía mayores pretensiones y más que ensayar nos dedicabamos a escuchar a los Teen Tops de Mèxico (ahora los escucho y pucha que mal tocaban). Me separè del grupo garagero y me llevè el nombre, total yo lo puse (por el programa "77 Sunset Strip", la serie de TV). Inmediatamente de formado Los Sunset, obtuvimos un contrato con Canal 4 para tocar como conjunto estable todos los sàbados de 8 a 10 en el Clan del Cuatro, conducido por Rulito Pinasco. Aparte de ello, tocabamos gràtis en cuanta matinal se nos presentara y tambièn fuimos grupo estable para las giras a provincias incluyendo Festivales de la Primavera de Trujillo, Sullana, etc.etc. Inauguraciones de estaciones de Radio y TV en provincias. Debido al éxito que tuvimos, Sono Radio nos contrató como artistas exclusivos, por tanto participamos en todas aquellas caravanas musicales y giras a provincias, no solo como grupo rockero sino también como el grupo acompañante de solistas como Pepe Miranda, el Mono Altamirano, Enzo Roldan, Koko Montana etc.

Grabamos dos 45 rpm para Sono Radio; el primero contenía (lado A) Guitarra de Fuego,(lado B) Media Novia; y el segundo 45 rpm (lado A) Adios Amor, (lado B) El Twomp. Los Sunset incursiona en Lima entre 1963-1964 y el grupo estaba conformado por: Walter Ugarte (primera guitarra), Ricardo Noriega (cantante y segunda guitarra), David Delucchi(bajista) y Kalle Englund (bateria).

Luego de 3 años de hacer musica, yo me fuì a Chile a estudiar en la Universidad, ya que en Lima era imposible hacerlo pues me inquietaba la musica, mas bièn me inquietaban. En Chile estudiè Economìa y Aviacion Civil, fuì piloto corporativo para varias empresas y siempre mis estudios de economìa estuvieron relacionados a la aviacion, tanto asì que hasta hace muy poco estuve trabajando en Corpac, supervisando los Aeropuertos de Provincias. Walter por su parte se fuè de profesor de mùsica a Cajamarca, donde tuvo una orquesta de mucho èxito. Ricardo siempre con la pesca y negocio de transportes. Kalle se fuè a Europa y es un gràn baterista de Jazz. Conejo Mantilla se fuè a Australia y anda por allà. Macucho Bonilla nuestro bailarìn vive en Monterrey Calif. y ahorita nos hemos encontrado aca en Lima luego de los 40 años, mucha emociòn".

Publicado en Baúl de los Recuerdos

Sicodelia rescatada

2011-08-19T03:32:00.000-07:00

Andrés Tapia (Repsychled) y Pancho Guevara (Los Saicos)

Por Nilton Torres (La República)

Los rockeros peruanos de los sesenta navegaron en la sonoridad caleidoscópica de la sicodelia. Un puñado de ellos fusionó los sonidos de los teclados Hammond y los reverberantes efectos de las guitarras. Nació así una movida que ahora resucita en CD.

Las fotografías colgadas en la pared en las que aparecen unos pelucones vestidos con camisas anchas –de color entero o con figuras de inspiración caleidoscópica–, pantalones campana y actitud de rock stars, dominan el abarrotado salón en el que también destacan los armarios que almacenan centenares de discos LPs y de 45 rpm (revoluciones por minuto). Una añeja tornamesa y un par de parlantes Behringer complementan el ambiente desde donde Andrés Tapia, un graduado en administración de empresas, dirige el sello discográfico Repsychled, que desde hace cuatro años ha relanzado al mercado una selección de 14 discos grabados y comercializados originalmente en los años sesenta y parte de los setenta. Discos que sintetizan –nunca mejor dicho– el espíritu de diversos grupos nacionales que hace cuarenta años fueron los cultores de una movida musical inspirada en el rock británico de influencia hippie, cuyos sonidos se conocieron mundialmente como sicodelia.

Bandas hasta hoy recordadas, y algunas que se atreven a tocar otra vez, como Telegraph Avenue, Traffic Sound, We All Together, Los Saicos o Los Shains, con composiciones propias y algunos covers, todos cantados en inglés, sentaron las bases de la sicodelia peruana. Muchas veces confundida con la "nueva ola", esta movida musical, con sus prolongados solos instrumentales y efectos electrónicos como reverberaciones, delays, feedbacks, y el uso de órganos y sintetizadores, compuso el soundtrack de toda una generación de cincuentones que alguna vez llevaron el pelo largo y vistieron ropas ajustadas y multicolores.

DE COLECCIONISTA A PRODUCTOR MUSICAL

Andrés Tapia tiene treinta años y no necesitó vivir en aquella época para sentirse tocado por la música de la movida sicodélica peruana, a la que llegó de pura casualidad.

"Siempre he coleccionado CDs y cosas inéditas de bandas conocidas. Ensayos de Beatles, Zepellin, rarezas de Rolling Stone, de Black Sabbath. Mi interés era conseguir cosas distintas, y así fue como llegué a los antiguos long plays de Traffic Sound y We All Together". Tapia se quedó pegado a los sonidos de estos grupos peruanos, y su pasión de coleccionista lo llevó a hurgar en los cachineros y los puestos de Quilca, buscando ediciones mejor conservadas, y así llegó a los discos de 45, donde se editaban canciones que muchas veces no salían en los LP’s. También empezó a juntarlos, y buscando información sobre los grupos y los músicos, sobre todo fotografías, llegó a conseguir viejas ediciones de una revista ya desaparecida, Ecran, además de acopiar decenas de recortes de periódicos de la época, y la cosa se tornó aún más fascinante.

"Tenía miles de discos, entre LPs y discos 45. Y un día me enteré de que en un lugar de Jesús María llamado Maracaná iba a tocar Gerardo Manuel y el Humo, y Los York. Así que con un amigo fuimos llevando algunos discos y los recortes de diarios. Cuando pudimos nos acercamos a Gerardo y le mostré lo que tenía. Se emocionó, y allí mismo me presentó a sus músicos y otros amigos".

Andrés acababa de terminar la carrera de administrador, así que se decidió a comenzar su negocio propio, y pensó entonces en reeditar aquellos discos de esa gente a la que estaba conociendo, ya que no le parecía justo que su trabajo se perdiera simplemente porque sus discos nunca más se volvieron a editar. Andrés se dio cuenta de que había un mercado potencial en aquella gente que alguna vez tuvo uno de esos discos y lo regaló, lo perdió en alguna mudanza o la mamá se lo botó, y hacia ellos apuntó Repsychled, palabra que juega con el concepto de reciclar, pero también con el de la sicodelia, ya que la abreviatura en inglés, psych, remite al sesentero género musical. Y aquí empezó la labor más ardua para Andrés: encontrar los masters de los discos que quería reeditar, así que se echó a ubicar a los representantes de las desaparecidas disqueras peruanas como Iempsa, Infopesa, Mag, Sonoradio, y lo consiguió.

Y en esa búsqueda fue que también se juntó con Saúl y Manuel Cornejo, dos ex miembros fundadores de bandas como Laghonia y We All Together, y que nunca se alejaron del negocio musical. "Al principio no lo veían tan claro como yo, pero me apoyaron en el proyecto", dice Andrés.

Luego de revisar el catálogo de las viejas disqueras, los dos primeros discos que escogió para obtener los derechos fue el "Apocallypsis" (1970) de Gerardo Manuel y El Humo, y "Bossa 70" (1969-1971), del grupo del mismo nombre formado, entre otros, por el saxofonista Nilo Espinoza, la cantante Carmen Rosa Basurco, y el recientemente desaparecido pianista de "Trampolín a la fama", Otto de Rojas. "Bossa 70 es uno de los primeros discos en el que se mezcla el bossanova, el jazz y el rock. Debe ser uno de los pioneros en la fusión latina", dice Tapia.

NOSTALGIA SICODÉLICA

El primer disco que lanzó el sello Repsychled fue el de "Laghonia", banda conformada precisamente por Saúl y Manuel Cornejo, Ernesto Samamé y otros músicos, y que reunió temas de sus dos únicos álbumes, además de grabaciones inéditas. Y desde esta primera producción empezó a perfilarse la peculiaridad de los discos producidos por Tapia. Y es que cada uno de sus trabajos no sólo ha mejorado notablemente el sonido de las grabaciones a partir de las matrices originales, remasterizándolos con extremo cuidado, sino que, en el afán de rescatar el espíritu de una época, ha respetado los artes originales, reproduciendo a escala no solo la estética de los LPs en su diseño de disco y empaque, sino que incluye libritos (booklet) en los que se aprecia fotografías caletas de los grupos, la letra de las canciones y la historia de estas mismas bandas, pero no tomadas de la wikipedia o de algún afanoso bloggero, sino contada por los músicos en persona. Por citar algunos ejemplos, el disco de Los Saicos reúne todas las canciones grabadas en formato de disco 45, además de incluir la letra y la historia contada por el vocalista del grupo, Erwin Flores, y utiliza papel y una tipografía que evoca los años 60.

"La intención es poner estos discos al alcance de todos, sacándolos del contexto en el que se ubican ahora: el de rareza, el de un disco extinto. Ahora estos discos están vivos y forman parte de nuestra historia. He allí su importancia ya que son el reflejo de la una juventud que se fue, de una movida, de una cultura musical, y ese es su valor", dice Tapia. Los discos se pueden encontrar en tiendas como Crisol, Phantom, Moving Sound de galerías Brasil, La Pulga y también se venden por internet (www.repsychled.com). Pero Tapia ha logrado colocarlos en algunos puntos de venta en Estados Unidos, Argentina, Brasil y pronto en Uruguay. Según cuenta, es en el extranjero donde se está vendiendo más, pero no pierde la esperanza de que aquí en Lima la cosa cambie y más gente se interese por conocer más a fondo la sicodelia peruana.

"Sé que en estos catorce discos no están todos los que son, pero poco a poco iremos editando a nuevos grupos y nuevos discos de las bandas ya presentadas".

En listas de espera se encuentran El Polen, Pax, Black Sugars, Los Holys, Los Silvertons, Los Belkings, Los Yorks, Jean Paul el troglodita, más discos de Los Shains y compilaciones con grupos que grabaron dos o tres canciones.

"Dicen que todo tiempo pasado fue mejor. Y el espíritu del rock sicodélico peruano está más vivo que nunca", dice Tapia, para quien cada canción supone el legado de estos músicos que hoy pintan canas y que tuvieron que esperar cuarenta años para volver a sonar en unos discos que ofrecen otros, mínimo, cuarenta años para disfrutar.

CATÁLOGO SICODÉLICO

• Laghonia (1967-1970)
• Gerardo Manuel y el Humo. •Apocallypsis (1970)
• Los nuevos Shain’s. Singles (1969-1970)
• Traffic Sound. Virgin (1970)
• Traffic Sound (1970)
• Telegraph Avenue (1971)
• Tarkus (1972)
• Saicos (1965-1966)
• We All Together. Singles. (1973-1974)
• We All Together. We are not together (1968-1974)
• Telegraph Avenue. Vol. 2 (1974)
• Los Shain’s. El ritmo de… (1966)
• Los Shain’s. Singles (1966-1968)
• Bossa 70 (1969-1971)

Publicado el 27/7/2008 en La República

El otro integrante

2011-08-16T07:48:00.000-07:00

Por Gerardo Manuel

En los últimos años se ha acentuado la presencia de una figura que permanecía casi invisible detrás del éxito de quienes han triunfado en el mundo de la música, y del espectáculo en general: El Manager.

Se supone que los managers hacen que los músicos o artistas sean rentables. Para ese propósito ellos pueden actuar como agentes de negocios, socios financieros, promotores artísticos, disciplinarios, entrenadores y padres adoptivos. Los representantes pueden venir del negocio de la música, como músicos, promotores de conciertos, agentes de representaciones, ejecutivos de compañía de discos o pueden venir desde la ley, empresas contables o crimen organizado; pueden ser el mejor ex amigo de un músico. Y dependiendo del músico, su trabajo puede extenderse infinitamente desde decidir las canciones de una banda, vestuario y equipo hasta simplemente apretar la mano de un genio.

El manager ideal es un buen juez de la música, un planeador cuidadoso creativo, un duro negociador de contratos, un apoyo y un fan. El manager ideal no existe.

Estas ideas las tenía dando vueltas en mi cabeza luego de participar hace algunas semanas de un conversatorio muy interesante en una universidad local. Estuvieron en el conversatorio tres managers de varias de las bandas más “exitosas" del medio. A lo largo de mis años en televisión y en radio he tenido oportunidad de conocer a managers realmente íconos de esta tarea, y ellos están en un perfil muy cercano al que aún no existe. Lo más importante que noté en el acercamiento entre estos personajes y sus representados fue una suerte de empatia que casi podria llamar telepatía, pues bastaba una señal para que el otro entendiera el significado del gesto.

He querido hacer esta pequeña introducción como preámbulo a un homenaje bien merecido a quien para mí, vendría a ser el primer verdadero manager en la historia del rock peruano, pues reunía casi todas las condiciones antes planteadas, con el agregado de ser no padre adoptivo sino padre real de uno de los integrantes de la banda que representaba. Estoy hablando de don Enrique Egoaguirre Poggi manager y fundador de los “Shain’s" en 1964. Su hijo Enrique comenzó tocando el bajo eléctrico y luego la primera guitarra, hecho que se produce con la primera metamorfosis de la banda.

Juan Luis Pereyra y su hermano Raúl -primera y segunda guitarra respectivamente- emigran a otra banda, y Enrique, más conocido como “Pico", pasa a ser primera guitarra en un tiempo realmente corto, pero eso es materia de otra historia.

Continuemos con el trabajo que desempeñó don Enrique Egoaguirre manejando una banda que, gracias a su buena muñeca, logro consolidarse hasta ahora como una de las más profesionales y recordadas del rock nacional. El se encargó no solo del vestuario, repertorio, disciplina e inversiones, sino que hasta era el road manager (léase movilidad), pues con su legendaria camioneta Chevrolet Station Wagon modelo 1964 de color blanco con interior rojo (simbólicos colores patrios) era el transporte oficial de los Shain’s. El automóvil era tan grande que entrábamos los cinco Shain’s, don Enrique, el protoplomo (o sea el primer ayudante en la historia del rock peruano al que solo lo recordamos como “bassman" y posteriormente reemplazado por otro chico apodado James debido a su parecido con James Brown) y además entraban todos los instrumentos de la banda.

Don Enrique también convocaba a los ensayos, ponía multas a los que llegaban tarde, controlaba las inversiones con las utilidades de la banda, arreglaba los contratos para presentaciones en shows o en televisión y los contratos con las disqueras.

Hoy que los Shain’s han vuelto a la actividad, queremos recordar a don Enrique de manera muy especial en este Día del Padre y los invitamos a compartir esa celebración el sabado 16 de junio en el bar de Antica Pizzería (San Martín 201, Barranco). Los esperamos.

Publicado en el blog Disco Club de Gerardo Manuel

¿Rock latino? ¿Qué rock latino, huevones?

2011-08-01T12:37:00.000-07:00

El título de este post lo he tomado arbitrariamente de la reseña de Paul Hurtado de Mendoza sobre Los Saicos, texto que aparece en la contratapa del LP "Los Saicos - Wild Teen Punk from Perú 1965”. Esta reedición de los seis singles de Los Saicos en un LP fue lanzada el año 2000 por el sello español Electro Harmonix. Aquí el texto:

Por Paul Hurtado de Mendoza

De Los Saicos tengo una imagen fugaz, hace ya treinta y dos años aparecían por la televisión peruana con unas pintas tremendas y actitud provocadora… enfundados en casacas y pantalones de cuero salían aullando aquello de “¡echemos abajo la estación de tren! / demoler, demoler, demoler, demoler /¡echemos abajo la estación de tren! / nos gusta volar estaciones de tren”…

A finales de los años ‘50 Lima asimilaba con total voracidad los estrenos de ‘The Wild One’, Rebel Without A Cause’ o ‘Blackboard Jungle’, la llegada de los primeros discos importados de Bill Halley, Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Bo Diddley, Dale Hawkins, y claro está, el nacimiento de las versiones locales (a imagen y semejanza) de las estrellas foráneas del rock and roll. El sello MAG lanzaba los primeros cantantes rocanroleros del país. El resto vino como un huracán.

A mediados de 1957 se podía leer en la prensa conservadora local, “La fiebre del rock & roll llegó a Lima. El jueves 31 alrededor de la medianoche … por las 54 butacas destrozadas del teatro Perricholi, émulos de los nuevos teddy boys de Londres, los jóvenes limeños involuntariamente vivieron un instante histórico en la sociología del espectáculo. Reaccionaron idénticamente a sus contemporáneos del Bronx … cuando Anakaona salió a bailar, los jóvenes reaccionaron airados gritando ‘rock and roll’!!! … Nada de mambo, rumba, guaracha, querían r’n’r y vino el r’n’r con los bailarines Betty Di Roma y Oscar Neyra, pero tampoco les agradó a los chicos, que lo único que deseaban era que los aficionados ó espontáneos bailaran. Los organizadores indudablemente decidieron suspender el espectáculo y entonces, la desatención de la multitudinaria solicitud fue sellada con la destrucción … los trogloditas exacerbadamente afectos al rock and roll, sintiéndose insatisfechos la emprendieron contra el local. El virus del rock ha llegado a Lima, la policía tiene en sus manos la vacuna contra ese mal”.

Aparecen los primeros clubes de rock’n’roll, los primeros grupos (Los Millonarios) y solistas (Mike Oliver, Chela Roselló, Billy Villiers, Nadia Milton) … y las primeras pandillas juveniles: los Bucaneros de San Isidro, los Tabacos Negros de Barranco, los Zoquis de Lince y así, en distritos como La Victoria, Breña, Jesus María…

Se comienza a hablar de escándalos y desmanes ocasionados por “exaltados rocanroleros”, aunque El Comercio informaba al respecto de la siguiente manera: “la cosa se está poniendo que arde. Antes fueron los de Miraflores y Barranco, ahora los de Lince, Santa Beatriz y Palermo. Grandes grescas interdistritales básicamente por las faldas … A esa juventud palomilla que se da porrazos los llaman ya bandoleros, pero eso es una exageración”.

Se organizan los fines de semana las primeras matinales con actuaciones en directo en los cines Colón, Diamante, Tauro, y los primeros festivales de verano en las playas de Lima … De lo que se trataba era de interpretar correctamente los hits del momento e imitar a los cantantes de fuera.

Poco a poco van apareciendo por diversos barrios de la ciudad grupos que combinan las versiones con sus propias composiciones: Golden Boys (posteriormente Golden Stars), Zodiacs, Silver Twisters (mas tarde serán los Silverton’s), Los Shain’s, Los Dragones (impresionante grupo instrumental salido del barrio chino de Lima ubicado al lado del Mercado Central, que triunfaría poco después como Los Belkings), Los Yorks, Doltons, Holy’s, Kela Gates, Flyers, Loop, Sunsets, Dream’s ó Telecasters, pero son Los Saicos los que provocan el verdadero cortocircuito. Cuando aparecieron en las matinales del cine Colón fue el escándalo; tenían ese aire de malditismo y crudeza que conservan sus canciones casi 35 años después de haber sido concebidas!!! Si todavía produce escalofrios escuchar “Cementerio” o “El Entierro de los gatos”, historias tenebrosas adornadas con ruidos, gritos y efectos ideales para amantes de las noches sin luna, ó la brutalidad de sus canciones “románticas” como “Come On” o “Te Amo”, imaginen lo que aquello fue en su momento.

En realidad tenían que haberse llamado Los Sádicos pero fueron censurados, por lo que con su peculiar sentido del humor extirparon una letra de su nombre real y jugaron con la pronunciación de ‘psychos’. Uno de los componentes del grupo tenía una tienda de discos a pocos metros del cine Colón (hoy convertido en cine de películas porno) en la calle Belén, en pleno centro de Lima. Desde allí salía la banda a sus actuaciones, aunque los ensayos y las grabaciones se realizaban en un viejo cine abandonado de Barrios Altos, donde la chica que llevaba el pequeño sello independiente que editaba sus singles (DisPerú) había montado un estudio de grabación en el que consiguió ese maravilloso sonido cenagoso y explosivo de sus discos.

Su existencia fue efímera (1964-1967) y su discografía se compone únicamente de 6 singles. Casi no existen datos concretos del grupo –en Perú, como en Norteamérica o Inglaterra los discos de 45 rpm salían sin portada, venían en sobres de papel con los logos y slogans publicitarios de la discográfica que los publicaba, así la única información acerca de los grupos era la que venía en las etiquetas de los discos- ni se conservan imágenes de sus actuaciones, lo que aumenta aún más el halo oscuro y misterioso de la banda. Lo cierto es que fueron los que marcaron la pauta; los grupos que comenzaban ya no imitaban a los grupos extranjeros, imitaban a Los Saicos!!!

Hace unos años ‘Pico’ Ego Aguirre (Guitarra de Los Shain’s) me comentó que vio las pruebas de lo que iba a ser el primer LP de Los Saicos, aunque este nunca salió a la venta. Probablemente fuera la recopilación de los singles, algo que se estilaba en la época cuando un grupo tenía éxito.

Nadie sabe exactamente lo ocurrido con ellos después de disolver al grupo o la causas de la separación. Curiosamente las personas que les conocieron afirman que no fueron conflictos internos ni nada de eso, simplemente abandonaron todo de golpe. Corre el rumor que uno de ellos es actualmente un destacado ingeniero peruano de la agencia espacial norteamericana –NASA-!!!

Los Saicos practicaron el lujo de su odio visceral sin ningún tipo de mordaza y conectaron con el gran público. Conjugaron rabia, arrogancia, anarquía, con letras que iban directamente al grano y un talento musical primitivo (ninguna de sus canciones dura más de 2:30 minutos) en la más clara actitud punk de la costa oeste sudamericana. Su rollo salvaje no tenía absolutamente nada que ver con lo que se hacía en la misma época por Argentina (Sandro y Los De Fuego, Brasil (Renato e Seus Blue Caps), ó México (Enrique Guzmán y Los Teen Tops) … lo suyo fue una amenaza social.

Esta reedición va mucho más allá de lo anecdótico: Los Saicos se adelantaron a su tiempo y permanecen vigentes. ¿Rock latino? … ¿Qué rock latino, huevones?

Texto: Paul Hurtado de Mendoza (Octubre 1988)

El Viaje 1966 - 1974

2011-07-30T07:28:00.000-07:00

Reseña del sello Munster Records sobre su recopilación de Los Yorks.

Por Munster Records

Nuestra colección, acertadamente titulada El Viaje, reúne sus mejores temas, extraídos de sus cuatro LP y 25 singles, entre 1966 y 1974.

Los York's fueron la banda más famosa y con más éxito en su país (más que Los Shains o Los Saicos), y en esta compilación de lo-mejor-de sin duda descubrirás el porqué.

En su apogeo fueron acusados por abuso de drogas y criticados por lo diabólico de su sonido y letras que elogiaban el ¡amor libre! Oh sí, para compensarlo una de las canciones en su tercer single (1966) se traducía por ¡vete al infierno)!! La muy original interpretación de guitarra feedback de Walter Paz será todo un descubrimiento para los fans del Pete Townshend de los Who e incluso de Sterling Morrison de la Velvet Underground. Por otro lado, el cantante Pablo Luna era una especie de híbrido loco ¡entre Iggy Pop y Reg Presley de los The Troggs! Era todo un personaje, y un animal escénico, que resultaba chocante para un lugar como el Perú de los años sesenta. Años más tarde algún periodista peruano, en un curioso "cómputo de bajas", escribiría que a lo largo de su carrera Pablo había destrozado un total de ¡48 micrófonos! Pero la actitud de Los York's era REAL, y no una pose, a diferencia de en estos tiempos en los que escándalo y barbaridad son una ¡poderosa herramienta de marketing! Los York's eran verdaderas almas rebeldes, imparables y genuinos. Y su comportamiento sobre y fuera del escenario sigue siendo toda una leyenda en Perú. Se hicieron tan famosos que tuvieron incluso su propio programa de TV (El Show de Los York's) que se emitió durante casi un año al mejor estilo de The Monkees' Show.

01.Mira tú; 02.Abrázame; 03.Sólo estoy; 04.No me dejes; 05.Pronto un doctor; 06.Hanky Panky; 07.Egoísmo de la gente; 08.Sin éxito; 09.No puedo amar; 10.Te amo; 11.Amor libre; 12.Justo a mi gusto; 13.Vallery; 14.Caminaremos; 15.Fácil baby; 16.La punta de mi lengua; 17.Sussie Q; 18.La alegría de tu amor; 19.Mi nena; 20.Mi mente en ti; 21.Abrázame baby.

Publicado en la web de Munster Records

"Munster se ganó el cielo hace unos años cuando inició un ciclo de reediciones dedicadas a glosar lo mejor del pop sesentero hecho en Latinoamérica, algo así como un Nuggets apócrifo que todo aficionado al género debería seguir con devoción religiosa. Son muchos los grupos que nos ha descubierto el sello vasco: Los Locos de Ritmo y su rudimentario rock and roll, Los Saicos y ese hit interestelar que es “Demolición”, el pop de aires británicos de Los Mockers… Ahora le toca el turno a Los York’s, peruanos como Los Saicos, y tan o más locos que los autores de “Demolición”. La verdad es que este “El viaje: 1966-1974” deja bien a las claras que Lima era la capital del garage hecho en el Hemisferio Sur en los años sesenta, y que poco tenía que envidiar a los tótems norteamericanos del estilo, bandas coetáneas como The Standells, Count Five o The Remains. Y es que canciones como “Mira tú”, “Pronto un doctor”, “No me dejes”, “Justo a mi gusto” o “No puedo amar”, tienen el punto justo de descaro, de salvajismo y de savoir faire para ser considerados verdaderos clásicos".
(Comentario de Xavi Sánchez Pons de MondoSonoro.com)

Los Yorks... la Enfermedad Sixties

2011-07-27T21:35:00.000-07:00

Por Arturo Vigil

Un domingo cualquiera del año 1966 en Lima, capital del Perú, específicamente en el distrito del Rimac, muy temprano cinco muchachos se aprestan a dirigirse a iniciar sus presentaciones en las recordadas matinales (circuito de conciertos de conjuntos y solistas llevadas a cabo en los principales cines y teatros del país). Lima se eclipsaba de sonidos beat e instrumental. Los Yorks, grupo conformado por Pablo Luna en la voz, Walter Paz en la guitarra líder, Román Palacios en la segunda guitarra, Jesús Vílchez en el bajo y Pacho Aguilar en la batería, alborotaron el mundo roquero de los sesentas. Con atisbos melancólicos, ritmo furioso, desesperado y de contundente dureza, hicieron de Los Yorks una banda garage – psicodélica con el más grande desparpajo que se recuerde y que sin embargo esa rudeza musical con la que expresaba su arte, es hasta hoy apreciada pues estaba impregnada de una belleza y sonido singular, ritmo furibundo y con letras contestatarias impusieron un estilo y una corriente a la cual se le dominó “Ritmo Enfermedad”…

Consolidados como grupo en el distrito del Rimac, Los Yorks ha sido el único conjunto que tuvo un programa de TV, el cual se llamaba “El Show de Los Yorks” vía Canal 11 de propiedad de la familia Belmont.En este espacio televisivo Los Yorks realizaban sketch y hacían música en vivo. Los textos del programa los realizaba el periodista y actor cómico Ramón Alfaro y en la locución en off, el ya desaparecido DJ, José Nashiro.
La voz de Pablo Luna emergía con incandescente desgarro y el sonido de la banda con claras influencias The Kinks, The Yardbirds, The Troggs y asimismo acogían todo el rock americano y lo recreaban en su estilo descarado y eminentemente provocador.
Alguna vez el recordado DJ de radio Miraflores, Germán Calderón dijo lo siguiente:”En la historia del rock y la música popular, nunca más se podrán juntar cinco tipos con la cara de ustedes”. Es decir, Los Yorks desde sus inicios marcaron una malditez y que a la postre los perfiló, tanto en su música, como en sus performances en el escenario, tenían fama de auténticos rebeldes y de desencadenar en determinados momentos una furia desmedida mucho mas allá de los escenarios.

De esta manera se les dio el status de una verdadera banda de rock, en tiempos en que no se hacía marketing, ni se buscaba el escándalo premeditado, ellos fueron así, genuinos, irrefrenables y verdaderos. Los componentes de esta gran banda peruana eran muchachos de extracción popular, llegando muy lejos y al primer lugar de las preferencias del público juvenil, desplazando a muchos conjuntos de esa época. Es por eso que en esos años se les decía que no había matinal sino estaban Los Yorks.

El conjunto rimense nunca interpretó un tema igual dos veces, siempre recreaban la totalidad de sus canciones en vivo y el efecto fuzztone marca Shuller estaba muy presente y marcaba la pauta sonora de este entrañable grupo sesentero.
Se recuerda que Pablo Luna destrozó alrededor de 48 micrófonos, incontables fluorescentes y tachos de luz en distintas y explosivas presentaciones. Pablo, un pelirrojo de rasgos afroperuanos, cantaba con su voz dulce, cálida y acompasada, pero que abruptamente podía pasar a un catarsico y furibundo paroxismo, con dosis de verdadera rabia y violencia.

El encargado de la primera guitarra y segunda voz, Walter Paz, aportó con su ejecución, un color y un sonido particular, quizás por su formación musical y admiración por Ray Charles, The Animals y en general al sonido Motown.A la par que hacia la mayoría de textos, arreglos y transcripciones musicales.

El complemento guitarristico lo ponía Román Palacios con su marcada fuerza instrumental y escénica.”El flaco”.Así lo llamaban a Jesús Vilchez, bajista del grupo, hacía gala de un marcado feeling y creatividad, el cual le dio al grupo una profundidad armónica muy especial, se recuerda sus movimientos andróginos y provocadores que alocaban y desesperaban en irremediables gritos de tiernas adolescentes. Pacho Aguilar, un baterista dotado de un carisma y un humor especial, ponía en la percusión toda su personalidad proyectada en su maravillosa batería Roxy, dándole el sonido a los “Enfermos” Yorks.

La canción símbolo de esta banda sixties, fue el tema “Abrázame” que en una semana de salir al mercado vendió alrededor de 40,000 copias, caso inusual para un sello como MAG, especializado en folclor y música tropical. “La enfermedad”…ritmo contagiante, versión peruana y limeñisima interpretación del garage norteamericano, lo cual Los Yorks supieron exponer en toda su magnitud, dando lugar a la creación de los llamados “Clanes de Los Yorks” en todo el país.

Ancash, Cuzco, Loreto, Tumbes, Piura, Trujillo, recuerdan aún con carácter histórico para el beat de aquella época las actuaciones que tuvieron en dichas localidades. Eran invitados a ferias departamentales y de obligada presencia en la Feria Internacional del Pacífico. Además de realizar sus interminables fiestas psicodélicas en el Club Tennis de La Victoria, Club Okinawense entre otros. Compartieron escenario con Charles Aznavour en el Salón Chavin del Aeropuerto internacional Jorge Chávez, asimismo tocar en el Paraninfo de la Feria del Pacífico al lado de los Marshmelows Soup Group, con Roberta y también con el afamado trío Los Panchos en una (gira por todo el oriente peruano), etc.

Los Yorks a lo largo de sus cinco años de carrera musical fueron premiados con el NAYLAMP 67(Medalla de la Juventud), cinco Trofeos Guido, otorgados por el emblemático periodista de espectáculo, Guido Monteverde, como “Lo mejor de la semana”. Además se les otorgó un un disco de oro de la CACODISPE (Cadena de comentaristas de discos del Perú). Y en los años noventas fueron condecorados por el Municipio de Huaraz (Ancash), entre otros premios y congratulaciones.

Pero el sueño estaba por terminar. Justo en las postrimerías de la década matinales se prohibieron…de facto había asumido la presidencia de la república el general Velasco y su junta militar. Los Yorks no tuvieron concierto de despedida, se fueron sin dejar rastro, más sus canciones hoy siguen sonando en las emisoras de todo el país.

A esta altura del presente escrito, es justo mencionar a “Puro” Fuentes, baterista de notable trayectoria que integro Los Yorks en las postrimerías de la desintegración del grupo y haciéndolo de una manera muy espectacular. Se puede citar la actuación en el Colegio Ciencias del Cuzco, cuando en momentos que realizaban una interminable improvisación(veinte minutos) del tema “Abrázame”, en que el alocado “Puro” se desplazaba por todo el escenario llevando consigo un platillo y tocándolo incesantemente , mientras Pablo Luna por su lado se solazaba con el bajo eléctrico, Jesús Vilchez cantaba aun cuando le sangraba la mano profusamente pues el pedestal del micrófono casi le había cercenado parte de un dedo y en una especie de danza tribal, salpicaba la sangre a la platea y a sus compañeros de grupo.Esto hizo que el público lleno de estupor y desconcierto se motivara a un más y danzaran extasiados. Realmente fue la actuación más impactante que se recuerde de esos años.
Los Yorks grabaron para el sello MAG dos discos larga duración: “Los Yorks 67”,”Los Yorks 68” y para el sello Virrey “Ritmo y Sentimiento”, además de innumerables 45 rpm.

Cabe resaltar que para la firma de un nuevo contrato en el sello El Virrey, Los Yorks recibieron un pago sin precedentes en el mundo roquero de entonces.Y en esta última etapa del conjunto se grabarían algunos singles con el aporte vocal de Beto Casanova y el extraordinario baterista ya desaparecido Rafael “Pocho” Purizaga.
Los únicos Yorks que seguirían en la música fueron Pablo Luna y su primera guitarra Walter Paz, el cual posteriormente formó el grupo Corpus y Korillacta (Nueva Canción),siguió estudios superiores en el Conservatorio Nacional de Música, haciendo arreglos para el Taller de la Canción Popular(dirigido por Celso Garrido Lecca),ha realizado arreglos para destacados músicos entre ellos Martina Portocarrero, Richard Villalón y ha recorrido escenarios de Sudamérica con el virtuoso guitarrista Félix Casaverde.

Pablo Luna se presenta eventualmente en Lima cantando temas de la mítica banda del Rimac y según cuentan piensa volver…quizás por lares europeos, con nuevos brillos y con la fuerza y extravagancia de siempre.

PD: Hoy recordamos que en una de las tantas conversaciones sostenidas con el emblemático Pablo Luna, la cual contrasta con la imagen rebelde, estrambótica e iconoclasta que proyecto con su arte, nos hizo hincapié su agradecimiento y emoción al recordar a la señora Hilda Rodrigues de Paz que apoyo mucho al grupo y que siempre estuvo en todo momento con ellos. Es decir, Pablo nos dio una muestra de su gratitud y sentimiento.

Publicado en el blog Only Sixties

Back to Perú: Los Shain’s (Volumen 3)

2011-07-25T20:29:00.000-07:00

Por Mon Falcón

A finales del 2009 veía la luz el segundo volumen del recopilatorio Back to Peru, del sello Vampisoul .Fue precisamente aquel primer volumen el punto inaugural de un sello que hoy en día es toda una referencia en Europa si de arqueología musical hablamos, recuperando siempre lo más oculto de las escenas menos conocidas. “Back to Peru” nos ponía sobre la pista peruana allá por el 2002, reuniendo una excitante colección de bandas que luego iría editando por separado, siempre via Munster Records (o bajo la etiqueta Vampisoul). Ahora llega el esperadísimo Back to Perú Vol.II, en formato doble, que incluye 34 cortes con un sonido impecable que van desde el garage y el rhythm’n’blues más salvajes, hasta el soul y latin rock más elegantes o el funk de ritmos frenéticos, y todos ellos aderezados de las distintas músicas tradicionales de la región.

Así que amigos, hoy volvemos al Perú de los años 60 para recuperar los sonidos de otra de esas bandas que echan por tierra todos los esquemas geográficos previos. Si sois nuevos en el tema podéis repasar las anteriores entregas de esta misma columna dedicadas a la nueva ola peruana de los 60, con Los York’s y Los Saicos como proganistas, y en el futuro seguro que habrá más, pero hoy nos centramos en Los Shain’s, los más precoces y caóticos de la época.

Los Shain’s se formaron en el barrio de Miraflores, en Lima en 1964, cuando todavía eran unos adolescentres de entre 13 y 14 años, el germen era la familia Pereyra, los hermanos Juan Luis y Raúl y su primo Alexei, y su esencia tiene dos polos: The Beatles y The Shadows, pero esa formación será casi efímera, Alexei deja la banda y será sustituido por Enrique ‘Pico’ Ego Aguirre, un echo fundamental, puesto que los cambios en la formación será una constante de la banda, y la incorporación de Aguirre será fundamental en el futuro sonido del grupo, convirtiéndose en alma mater de Los Shain’s. La familia de Aguirre tenía una profunda tradición musical, su padre era músico de jazz , su tío miembro de Los Morochucos y su tía era soprano, lo que unido a la habilidad del joven Pico, la cantidad de instrumentos que tenía en su casa (y la predisposición familiar) pronto la residencia de los Ego Aguirre se convirtió en local de ensayo de Los Shain’s, y que por los contactos de sus padres era la primera el barrio a la que llegaban los singles estadounidenses de bandas como The Ventures, The Shadows, The Trasmen o Dick Dale, de manera que el rhythm’n’blues instrumental y la música surf se convirtieron en su filón a explotar. Con la incorporación de Quique Rossell a la batería y Nito Muente como vocalista, la banda estaba completa. Solo les hacía falta un nombre, pero sobre el origen de Shain’s hay tantas versiones distintas como respuestas de los protagonistas, así que lo dejaremos al margen.

El caso es que el padre de Pico se interesó desde el primer momento en el grupo de su hijo, y se convirtió en su representante, aprovechando sus contactos consiguió que Los Shain’s comenzasen a salir en televisión al poco tiempo, de una manera continua, por lo que las últimas incorporaciones abandonaron el grupo, siendo sustituidos por Carlos Manuel Barreda en la batería, mientras que la voz sería para Miguel Arista. Ese primer año consiguen un contrato con la discográfica IEMPSA (EMI Perú) (via Los Morochucos) y publican su primer single: Tomahawk/Pretty Girls Everywhere, pero inmediatamente hay nuevas bajas, los hermanos Pereyra, germen de la banda, abandonan por motivos económicos, llevaban casi todo el año tocando en Tv y apenas habían visto el dinero, además de su disconformidad en reducir su repertorio al surf garagero, de modo que ambos forman Los Drag’s, mucho más orientados a los sonidos beat británicos, y posteriormente El Polen de corte mucho más progresivo.

Desde aquel momento, Los Shain’s pasan a convertirse en el grupo de Pico Ego Aguirre, mientras su padre se encarga de convertirlo en una empresa. Debido al continuo cambio de sus miembros, se decidieron por vender al grupo como una especie de super estrellas del rock peruano, entre las que se encontraba en primo Alexei Kotrisky Pereyra (fundador de la banda) y en la que el carismático Gerardo Manuel Rojasó pasó de ser un invitado de lujo a terminar por asentarse como vocalista definitivo de la banda, tras abandonar Los Doltons, y ambos (Rojas y Aguirre) desarrollaron sin ataduras de terceros su pasión por los sonidos más garageros.

Todo esto ha pasado y aún estamos en 1965, año en el que graban su primer Lp “El Ritmo de los Shain’s” (IEMPSA, 1965), que incluía versiones de The Trashmen, The Ventures, Little Willie John (‘Fever’) o Sam The Sham & The Pharoahs (‘Bule Bule’), algunas de ellas traducidas y adaptadas, entre las que destacan El Mounstro (así escrito) que era una adaptación delirante del tema ‘The Crusher’ de The Novas, al que añadían la introducción del ‘Out of Limits’, ¡¡¡y una letra de surrealismo espacial insuperable!!! O las composiciones propias como ‘Hoy’ o ‘Shain’s a Go-gó’. Pero este disco marca un punto de inflexión en el Perú por su sonido rítmico y contundente, pero sobre todo por ser el primero en el que se introducen la distorsión y los efectos de guitarra. Y como curiosidad la descripción de la contraportada en la que a cada tema se asigna un estilo, de manera que el álbum reúne literalmente bule bule, go go, jerk, bird, sloopy, surf, go go show y shake este último curiosamente aplicado a la versión instrumental del She’s Not there de The Zombies. Pero en la contraportada también se presenta a la banda, como os había dicho, unos auténticos All Stars: “Aún no han llegado a los 20 años de edad, y Los Shain’s, verdadero ‘seleccionado nacional’ de la música moderna, ya saben de mil triunfos y aplausos incondicionales de todos, los que por buena suerte, los han visto y escuchado. Y es que Los Shain’s, conocen a fondo su oficio y a pesar de estar actualmente en la cúspide de la fama, con la modestia y dedicación, característica de todo buen artista día a día se esmeran en conseguir su consagración definitiva en esta difícil tarea del arte…“. ¡¡¡Toda una joya por dentro y por fuera!!!

Por aquel momento Los Shain’s estaban en todas partes, programas de Tv casi diarios y giras por todo el país, así que a finales del 66 y con una formación más estable se meten en el estudio para grabar su nuevo álbum “Segundo Voumen” (IEMPSA, 1967) totalmente influenciado por la British Invasion con The Beatles, The Yardbirds o The Kinks como principales referentes, aunque también destacan versiones de bandas de garage norteamericanas como ‘No hay más que dar’ (versión del ‘Pushin’ too hard’ de The Seeds) o el ‘Cara Lin’ de The Strangeloves, pero esta vez con más composiciones propias, como ‘Icaro VIII’, ‘En Lima’, ‘Enfermedades’, o ‘Shain’s a Jazz’ en la que desplegaban todas sus posibilidades rítmicas y como virtuosos, aunque demasiado disperso entre el beat y la psicodelia.

Tras el ‘Segundo Volumen’ su popularidad trasciende las fronteras de Perú, y en 1968 una productora mexicana les contrata para realizar la banda sonora del filme “Las Psicodélicas” y participar en él, mientras grababan su tercer álbum “Docena Tres” (IEMPSA, 1968) que es el más variado y melódico de la banda, aunque contiene elementos fantásticos como la introducción de la cítara en el inicial ‘Tema de los Shain’s’ que sin duda resulta el tema más sorprendente del álbum junto con el final ‘Tres Caras, una casa y otras cosas’. Por medio versiones, el arriesgado ‘Algo divertido y loco’ (que incluye el ‘Kicks’ Paul Revere & The Riders en forma de ‘Pesadillas’) que muestra muchos de sus registros en un solo tema. ‘Keep on Runnin’’ (aquí adaptada a ‘Cuando Vuelves’), o la contundente ‘El Tren’ (‘Train Keep-a-Rollin’ de Johnny Burnette vía The Yardbirds una vez más) o los éxitos de ‘Tirando dedo’ (versión del cómico Melcochit) y sobre todo ‘Un Mundo Nuevo’. Como en el anterior, los recursos son mayores y el dominio de la técnica lo es aún más, pero excepto en contados temas se había perdido la frescura de su primer trabajo, cada vez más pulidos y mucho más pop, pero más encorsetados al mismo tiempo.

Con el disco bajo el brazo y tras la grabación de “Las Psicodélicas” se fueron a México para promocionar el filme, para regresar a Perú y morir de éxito. Por obligación de la discográfica grabaron su cuarto álbum “Instrumental’s Shain’s” (IEMPSA, 1969) en el que Gerardo Rojas tocaba el saxo. Al finalizar la grabación la banda se disolvió de inmediato debido a las graves diferencias de todos los miembros con Ego Aguirre y su padre, al igual que acerca del nombre de la banda, hay tantas versiones sobre la ruptura como protagonistas, pero lo cierto es que de un día para otro la banda más exitosa de Perú por aquel entonces dejó de existir. Aguirre no dejó su empeño y montó Los Nuevos Shain’s que durante dos años grabaron varios 7’’ que luego serían recopilados en “Los Nuevos Shain’s. Singles 1969-1970” (Repsychled Records, 2005), mientras que el resto de sus compañeros se refundaron en The (St. Thomas) Pepper Smelter y luego Gerardo Rojas se uniría a El Humo además de trabajar para discos El Virrey.

Una historia que comprobamos como se repite una y otra vez a lo largo del tiempo y el espacio, el vil metal es quien pone fin a las bandas que nos gustan, la avaricia de las compañías, del algún artista y de terceros en discordia, y también ocurrió con Los Shain’s en el Perú de los años 60, y no solo una vez… Pero por supuesto con el auge reivindicativo de joyas arqueológicas como la colección “Back to Perú” que nos ocupaba al principio, se han reunido en 2005 para darse otro homenaje más que merecido(con la edición de su Antología bajo el brazo), el que como otras muchas bandas de su generación no se pudieron dar por culpa del dictador Velasco Albarado. Lo bueno es que podemos volver al Perú de los 60 cuantas veces queramos para hablar de grandes bandas…

Discografía:

El ritmo de los Shain’s (1965)
Segundo Volumen (1967)
Docena Tres (1968)
Intrumental’s Shain’s (1969)
Anthology (2005)
Los Nuevos Shain’s: Singles 1969-1970 (2005)

Publicado en el sitio Libro de Notas

De Los Saicos, los más locos del Perú (volumen 2)

2011-07-25T20:00:00.000-07:00

Por Mon Falcón

Han pasado 15 entregas y al fin, a la 16ª, continúo una saga anunciada. Y aún así la satisfacción que me produce poder cumplir esa promesa es menor que la de haber visionado un documento único, una joya de la arqueología que viene para hacer justicia más de cuarenta años después. Saicomanía. The World Should Know es un documental de Héctor Chávez que por fin pone a esta banda legendaria en su sitio; aunque mucho hemos visto ya a través de breves reportajes de diversas televisiones peruanas que documentaban el fenómeno rockanrrolero en el Perú de los años 60 (y verles actualmente a mi me pone los pelos de punta), esta pieza viene a dar el valor necesario a la más salvaje e irreverente de todas las bandas sudamericanas de la época y, posiblemente, la más avanzada a su tiempo: Los Saicos.

Si queréis una introducción sobre el movimiento, los antecedentes, las matinales cinematográficas del fin de semana y demás repasad la columna dedicada a Los York’s en esta misma sección, aunque por supuesto siempre hay más cosas que introducir. Del mismo modo que no podemos pasar por alto el que fue primer gran reconocimiento a Los Saicos, es decir, el álbum Los Saicos “Wild Teen Punk from Perú 1965” editado por el sello madrileño Electro Harmonix de la factoría Munster, que sencillamente recopila a modo de álbum los seis singles editados por la banda entre 1964 y 1966, y conmemoró en el año 2000 el 35º aniversario de la banda. Evidentemente fue esa edición la que a muchos nos puso tras la pista peruana, abriéndonos un universo desconocido que nos haría disfrutar de unas bandas muy particulares, así como hacernos replantear la geografía historiográfica del rock’n’roll.

En la contraportada de aquella edición, Paul Hurtado de Mendoza hace una breve pero fantástica crónica de la llegada del rock’n’roll al Perú, ilustrada con una nota de prensa de 1957: “…La fiebre del rock & roll llegó +a Lima. El jueves 31 alrededor de la medianoche … por las 54 butacas destrozadas del teatro Perricholi, émulos de los nuevos Teddy Boys de Londres, los jóvenes limeños involuntariamente vivieron un instante histórico en la sociología del espectáculo. Reaccionaron idénticamente a sus contemporáneos del Bronx … cuando Anakanoa salió a bailar, los jóvenes reaccionaron airados gritando ‘rock and roll’!!! … Nada de mambo, rumba, guaracha, querían r’n’r, y vino el r’n’r con los bailarines Betty Di Roma y Oscar Neyra, pero tampoco les agradó a los chicos, que lo único que deseaban era que los aficionados o espontáneos bailaran. Los organizadores indudablemente decidieron suspender el espectáculo y entonces, la desatención de la multitudinaria solicitud fue sellada con la destrucción… los trogloditas exacerbadamente afectos al rock and roll, sintiéndose insatisfechos, la emprendieron contra el local. El virus del rock and roll ha llegado a Lima, la policía tiene en sus manos la vacuna contra este mal”. El rock finalmente se asentó por todos los barrios limeños, para finalmente ver nacer a Los Saicos, y todo volvió a descontrolarse. En esa crónica de Hurtado, también hace referencia al nombre de la banda, que originalmente se llamaban Los Sádicos, pero ante los problemas que podrían tener con la censura del gobierno decidieron reducirlo a Los Saicos, en otras muchas entrevistas a los miembros, se dice que como homenaje al Psycho de Hitchcock.

Otra de las muchas curiosidades es la explicación de por qué hoy en día apenas tenemos imágenes de la banda, de sus actuaciones, etc… “Su existencia fue efímera (…) casi no existen datos concretos del grupo (…), los discos de 45 rpm salían sin portada, venían en sobres de papel con los logos y slogans publicitarios de la discográfica que los publicaba, así la única información acerca de los grupos era la que venía en las etiquetas de los discos, ni se conservan imágenes de sus actuaciones, lo que aumentó aún más el halo oscuro y misterioso de la banda. Lo cierto es que fueron los que marcaron la pauta; los grupos que comenzaban ya no imitaban a los grupos extranjeros, imitaban a Los Saicos!!!”. Su sonido crudo y oscuro, su irreverencia y lo provocador de sus letras, surrealistas, violentas, sádicas (por supuesto) y por momentos ininteligibles… pero sobre todo por que fue la única banda de todo aquel movimiento que no hacían versiones, ni adaptaciones, ni traducciones, solo temas propios, salpicados por gritos, berridos y alaridos…

Cuando ya entrado el siglo XXI Los Saicos se dieron a conocer realmente a todo el mundo, el término proto-punk cobró una nueva dimensión, abriendo numerosos debates sobre los trogloditas aventajados en la era moderna de la música, pero eso lo trataremos en otra ocasión. Lo realmente importante, para quién no comprenda el contexto, es que mientras el mundo bailaba el A Hard Day’s Night de The Beatles, en el Perú la juventud se retorcía al ritmo de Salvaje y Demolición, y mientras en medio mundo tarareaban la infantil Love me Do, en Lima se gritaba a pulmón abierto tatatatatata yayayayaya echemos abajo la estación de tren. Resulta evidente que hay muchos aspectos de la historiografía (tanto la seria y social, como la que se ocupa de la evolución artístico-musical y sus fenómenos) que hay que volver a escribir.

En 2005, el gobierno de Lince (Lima) dio el nombre de Los Saicos a la calle donde todo había comenzado, ahora, en 2009, Saicomania da un paso más para reivindicar el legado de una de las bandas más avanzadas a su tiempo, por que muy dentro de nosotros, todos tenemos un sádico con ganas de volar estaciones de tren…

Los Saicos:
Rolando “Chino” Carpio (guitarra)
Erwin Flores (voz y guitarra rítmica)
Pancho Guevara (batería)
César “Papi” Castrillón (bajo)

- Singles:

Come On / Ana (1964, Dis Perú)
Demolición / Lonely Star (1965, Dis Perú)
Camisa de fuerza / Cementerio (1965, Dis Perú)
Te Amo / Fugitivo de Alcatraz (1965, Dis Perú)
Salvaje / El Entierro de Los Gatos (1965, Dis Perú)
Besando a Otra / Intensamente (1966, El Virrey)

- Recopilaciones:

Wild Teen Punk from Perú 1965 (2000, Electro Harmonix)
Saicos (2006, Repsychled Records)

Publicado en el sitio Libro de Notas

Los York’s, de aquellos locos del Perú (volumen 1)

2011-07-25T19:30:00.000-07:00

Por Mon Falcón

Una de las muchas alegrías de las que los melómanos podemos disfrutar en los últimos tiempos son las continuas reediciones de álbumes o singles perdidos o la publicación de compilaciones con todas las grabaciones de muchas bandas perdidas, seminales y prácticamente desconocidas fueras de su propio contexto espacio-temporal. Desde hace unos cuantos años se viene reivindicando el papel del rock’n’roll peruano de los 60, especialmente por la disquera madrileña Munster, que sirve de canalizador de toda aquellas locura hacia el mundo. El caso que hoy nos ocupa, el doble lp El Viaje 1966-1974 de Los York’s.

Como muchas veces ocurre, todo aquel movimiento fue casual, espontáneo y efímero, de comienzos poco claros y por motivos que aún nadie puede comprender. Lo ocurrido en Perú desde la segunda mitad de los años 50, al contrario de lo ocurrido en México en la misma época responde a una naturaleza evidentemente similar, pero a través de diferentes canales. México era el otro vértice donde surgió un sub-mundo de rock en castellano, pero allí debido al carácter fronterizo con los USA, era mucho más fácil la importación de vinilos por parte de gente que cruzaba la aduana para trabajar, así como de aquellas élites que podían pagar los estudios de sus hijos en el país vecino. En el caso del Perú, el principal y único canal de influencia de la cultura del rock’n’roll (al igual que lo fue también para México y el resto del mundo) fue el cine, que desde los años cincuenta comenzó a exportar al mundo la imagen de una juventud rebelde, que despreciaba todo lo establecido y escuchaba aquella extraña música que bebía directamente de la música negra. Desde finales de los 50 comenzaron a surgir bandas y conjuntos; Los Millonarios del Swim fueron los primeros y avanzadilla de combos instrumentales, que comenzaron a introducir piezas de rock entre su repertorio, y luego todo se descontroló… Los Doltons y Los Belkings como introductores del clasicismo contenido, y más tarde la sicodelia llegó al país andino mezclando la música tradicional con el rock progresivo, inevitable. Pero antes de eso hubo tres bandas insuperables en actitud, versatilidad en sus adaptaciones y en la creatividad de sus propias composiciones: Los Shain’s, Los Saicos y Los York’s. Los primeros se mantuvieron durante muchos años en la memoria debido a la duradera carrera de sus miembros, mientras que los segundos, Los Saicos han sido recuperados hace años como pioneros desubicados del proto-punk debido a lo pesado de su rítmica y a su denso y oscuro sonido, una auténtica anomalía histórica. Sin embargo fueron Los York’s la banda más popular y exitosa de todo el movimiento rock del Perú.

Los York’s se forman en 1964 con un nombre en el que querían dejar claro que harían música norteamericana (lo que debería entenderse como los neoyorquinos). Como en muchas otras ocasiones, la banda se puso en marcha sin vocalista y con una clara fijación en una banda vecina, Los Saicos; sin embargo con la llegada de Pablo Luna para hacerse cargo de las voces fueron tomando un estilo propio, mucho más beat y psicodélico y mucho más influenciado por el garage de la costa este de los USA. Entonces Pablo Luna se hizo llamar Paul Moon y todo comenzó a funcionar. Sus espectaculares directos, con Luna al frente, hicieron correr la etiqueta de ritmo enfermedad para referirse a su música, para terminar conociéndolos como El Conjunto Enfermedad a modo de apellido de la banda.

Pero volvamos al cine, por que es el hilo conductor de esta historia. Pablo Luna era el vocalista de Los Press, y fue en una actuación de su banda durante una matinal cuando le ficharon. ¿Matinales? Si amigos, todas estas bandas salvajes y trogloditas entraban en acción en las mañanas de los fines de semana. Y así el rock nunca se separó del cine en el Perú, las actuaciones se celebraban sábados y domingos, en largas sesiones matinales, en donde las bandas actuaban antes y después de la proyección cinematográfica. Si el mito de Los Saicos traspasó fronteras después de que sus incondicionales destrozasen la sala de cine al ritmo de Demolición —«me gusta volar estaciones de tren, demoler, demoler, demoler, demoler!!!»—, las actuaciones de Los York’s fueron posteriormente comparadas con las de The Stooges, con Pablo Luna convertido en un espasmódico Iggy Pop, que se retorcía a ritmo frenético durante las canciones y terminaba destrozando los micrófonos, las cajas de sonido y el equipo de luz.

Su debut se produce en 1967, donde tras varios singles lanzaron su primer Lp: Los York’s 67, que incluía temas como Vete al infierno o Abrázame que reflejaban la crudeza y la rítmica de la banda en directo, así como el descaro en sus letras y el apego a lo políticamente incorrecto, pero sin embargo hacía demasiadas concesiones a los intereses comerciales de la discográfica MAG (era obligatorio incluir piezas de música ligera y baladas). A pesar de todo, el éxito fue inmediato, alcanzando el disco de oro en tan solo dos meses y todavía durante ese año protagonizando un programa televisivo, El Show de Los York’s que se prolonga durante casi un año completo. En 1968 lanzan su siguiente álbum, por supuesto titulado Los York’s 68, con menos concesiones comerciales, más rítmico y más duro, y por supuesto de menos éxito que el anterior. Y aquí es donde comienzan los verdaderos problemas. Ante las pretensiones de la compañía, la banda decide abandonar y firma por la disquera El Virrey, pero en MAG no estaba dispuestos a dejar pasar la oportunidad de hacer caja, y con grabaciones descartadas editaron un nuevo álbum de la banda, evidentemente Los York’s 69 del que Pablo Luna y compañía siempre renegaron, puesto que además en varios temas se añade la voz de Pablo Villanueva, un famoso cómico que había colaborado en los coros del primer álbum de la banda, para rellenar las partes incompletas. Todo un despropósito. Y lo que es peor, en esta edición se incluyen El Preso, El Loco y El Sicodélico tres de los mejores temas de Los York’s, que paradójicamente MAG no habían permitido publicar hasta entonces.

En 1970 la auténtica banda publica su nueva álbum Los York’s, Ritmo y Sentimiento, pero la magia se había perdido, Los York’s habían sido estafados, su trabajo manipulado y sus ganas por seguir creando se habían terminado. Es la historia de cientos y miles de bandas a lo largo de la historia, y ¡ojo! a lo ancho del planeta, sino veremos próximamente… Pero en este caso, al estupidismo de las compañías se suma la situación política del país. Toda esta incomprensible escena de rock, protopunk y surf que asoló Perú durante los años 60 pasó a la más absoluta clandestinidad desde el golpe de estado de Juan Velasco Albarado, imponiendo una junta militar especialmente represiva contra todo lo que viniese del enemigo imperialista del norte. Esta situación se prolongó hasta 1980, momento en que estalló el conflicto armado entre gobierno, paramilitares y grupos como Sendero Luminoso y Tupac Amaru. Todo se complicaba demasiado. Hubo más bandas, incluso de éxito como El Polen o Traffic Sound, también Los York’s se permitieron un fugaz retorno en 1974, pero todo fue un espejismo, todo se había terminado, aunque algunos no se enteraban. En otra ocasión volveremos a los Andes, pero al menos ya podéis intuir que la historia terminará exactamente igual que esta.

Discografía
Los York’s 67 (1967, MAG)
Los York’s 68 (1968, MAG)
Los York’s 69 (1969, MAG)
Los York’s, ruido y sentimiento (1970, El Virrey)
El Viaje 1966-1974 (2008, Munster)

Publicado en el sitio Libro de Notas

The Jay Hawks 1961, Los Incas Modernos 1963

2011-07-22T23:32:00.000-07:00

Los Incas Modernos, del Callao, fueron el primer grupo de rock en grabar un long play de rock en nuestro país, con temas casi todos compuestos por ellos. Originalmente se llamaron The Jay Hawks y desde 1961 ya participaban en la naciente movida rockera en nuestro primer puerto, pero en 1963 cambiaron su nombre por el de Los Incas Modernos (exigencia del sello Discosol para grabarles su Long Play).

Sus integrantes fueron: Manuel García Quiroga (primera guitarra y principal compositor), Luis Bermudez Molina (segunda guitarra), Hector Wu Geng (bajo) y Hugo Diaz Da Silva (batería). Según el texto de la contratapa del disco, cuando los integrantes de Los Incas Modernos hicieron este LP aún no habían cumplido los 20 años.

La diferente calidad de sonido entre algunos temas en su disco se debe, según refiere Gerardo Manuel, a que fueron grabados una parte en los estudios de Iempsa y otra parte en un estudio casero. El gran Gerardo Manuel los recuerda así en su blog de El Comercio:

“A comienzos de los sesenta surgieron muchas bandas y solistas que cultivaban la nueva música. Muchos ignoran la existencia de esas bandas por falta de referentes fonográficos. El Callao, por ejemplo, era semillero de grupos de rock y en 1963 ya había una buena cantidad de bandas chalacas como “Cocoloco y sus twisteros” o “Los Delfines”, el primer grupo donde cantó el desaparecido Jean Paul “El Troglodita”.

Pero los primeros en grabar un long play fueron Los Incas Modernos, también del Callao. Ubicamos a Héctor Wu Geng, uno de los ex integrantes de la banda, quien recuerda con nostalgia esos momentos. Él era el bajista de la banda y fabricante de la segunda guitarra y el bajo del grupo. Héctor nos cuenta las peripecias que pasaron para grabar su primer LP, el mismo que tenía canciones en su mayoría compuestas por Manolo “Loco” García (primera guitarra), quien hoy vive en Estados Unidos con su familia y está entregado a la religión. La excepción en las composiciones musicales fue el tema “Carnavalito”, originalmente un tema folclórico fusionado con rock. Además de García y Wu, “Los Incas Modernos” estaba formado por Luis Bermúdez Molina en segunda guitarra y Hugo Díaz Da Silva en batería.

La guitarra de Manolo, la única de fabricación no casera, era nada menos que una Hofner, la misma marca que el bajo original de Paul McCartney. El amplificador para las guitarras era un Farfisa, el de bajo también fue fabricado por Héctor y la batería era una Roxy.

En esas circunstancias fue que conocí a Héctor, recomendado por un amigo, en común para que nos fabricara un bajo para Javier Román, nuestro bajista de Los Doltons (el bajo aún existe y está colgado como trofeo en una pared de la casa de Javier). Una parte del álbum de “Los Incas” fue grabado en los estudios de Iempsa y la otra en unos estudios caseros que estaban ubicados en el barrio de Santa Beatriz, a una cuadra de lo que es hoy el canal 7”. (Gerardo Manuel)

Los famosos discos "MAG" de Manuel Guerrero

2011-07-21T20:39:00.000-07:00

Por José Carlos Serván

El año 1954, fecha de mis inicios como locutor en Radio Victoria, debía realizar una grabación de un comercial publicitario. Generalmente se hacían en los estudios del Ing. Mirenghi en la Av. Wilson y hoy sólo recuerdos. La realidad es que llegamos a la Plaza Unión en donde funcionaba "Discos MAG". Recuerdo como si fuera ayer la locuacidad de Don Manuel. Nos explicaba la historia de su flamante negocio y de cómo había descubierto el éxito, ya que antes se dedicaba a los juguetes y adornos para el hogar.

Su historia de los discos empezó importando los mismos y agregándolos en su negocio inicial. Sucedió un fenómeno que revelaba la preferencia del público por aquellas grabaciones. Esto lo obligó en cierto modo a pensar de una manera diferente y se las jugó por instalar su primera fábrica, aquella con todavía el sistema existente de discos de 78 RPM, los famosos de carbón y que revolucionaron sus ideas. La mayoría de artistas de esos tiempos, grababan para el sello "MAG". Peruanos e internacionales.

Aquella experiencia en discos "MAG" con el Ing. Guerrero, sirvió para conocer el ímpetu que llevaba con él. Hizo imposible que estos recuerdos afloraran, la maravillosa ocasión de charlar con un pianista muy popular, el famoso "pato" Alejandro Villalobos y Aída Valencia, una cancionista criolla con la que ensayaban. Se tuvo que interrumpir para darnos exactamente 10 minutos que duró nuestra intervención. Debido a estos hechos es que siempre tengo presente esas mis primeras experiencias de locutor.

Vendrían después las grabaciones de Xiomara Alfaro cantando "Luna Rossa", una canción clásica italiana y la rumba "Sube Espuma" con el acompañamiento de la Orquesta de Eulogio Molina. Un disco "MAG" que en cierto modo catapultó al éxito a la cancionista cubana. Vendrían los de larga duración y conservo el disco con "Carlos Berscia", gran acordeonista y hermosos temas para los aficionados a este estilo. Lucho Macedo y su Sonora, capitalizó buenos éxitos en su época de apogéo de los discos "MAG".

La soprano coloratura "Suray Surita" y "Los Hermanos Gamarra", son otra muestra de que acertaron en grabar para este sello inolvidable. La gran mayoría de famosos, dejó sus voces y todavía podemos oírlos en las viejas colecciones. Poseemos muchos discos de carbón y de los otros y cada vez que los hacemos girar, evocamos al Ing. Manuel Antonio Guerrero, cuyas siglas se hicieron famosas con el sello "MAG". Por ese entonces nació en nosotros la idea de que, algún día, ingresaríamos a este fascinante mundo.

Por otro lado y viendo entrevistas en un programa de televisión, advertí a Carlos Guerrero, el vocalista de la famosa agrupación "We All Together" y cuyos éxitos hemos anunciado en cientos de oportunidades. Diría de él, otro triunfador para orgullo de su padre. Creo que Don Manuel no lo llegó a apreciar en toda su magnitud de artista. Habrá ocasión de reseñarlo, aunque para ello tendríamos que pedirle su autorización. Aquí sólo cumplimos una meta: sacar del olvido a los talentos peruanos que son nuestro patrimonio. Gracias.

Publicado en el blog Artistas en el Perú

Duraznito y sus Twisters

2011-07-13T22:44:00.000-07:00

Por Cuadernos de Rock en Español

Pioneros del rock en Perú, este conjunto musical se fundó en 1961 por el chileno LUIS DURAND, quién modificó su apellido por DURAZNITO para dar nombre artístico al grupo.
La voz cantante estaba a cargo de JORGE BOTTERI el cual ya llevaba unos años dedicándose a la música. Acompañado por la Orquesta de Lucho Macedo, su debut discográfico fué en 1959 para Discos MAG, con una versión del éxito de Neil Sedaka "Pequeño diablo".
A finales de 1961 comienzan a grabar los 12 cortes que forman este LP pero, por discrepancias económicas, JORGE decide abandonar el proyecto quedando una pista sin incluir la voz. De esta forma la discográfica decide que sea CESAR ALTAMIRANO quien ponga voz al tema "Bailando el twist".

En las grabaciones intervinieron:
- "CHATÓN" ALCÁZAR en el piano;
- GERMAN NECIOSUP en el saxofón;
- JOE DI ROMA en el contrabajo;
- PACO ZAMBRANO en la percusión;
- VICTOR DURAND en la trompeta;
- ROBERTO VALDEZ en la guitarra; y
- PABLO VILLANUEVA "MELCOCHITA" como músico de apoyo.
Los coros estuvieron a cargo del trío 'Los Gorrioncitos'. Por su parte, LUIS DURAND se encargó de escribir los arreglos y las partituras.

El LP fué un éxito de ventas y el single "El twist" / "Twist en U.S.A." consagró a JORGE a la fama, cuya voz parecía nacida especialmente para interpretar el twist, según las notas de contraportada del disco.
Animado por el éxito JORGE decide volver a Discos MAG y lanza más de veinte títulos, todos bajo el nombre de "DURAZNITO, canta JORGE BOTTERI".
A pesar de las buenas ventas tanto en Perú como en otros paises (Venezuela ó Mexico), DURAZNITO duró un par de años más, hasta que JORGE decide retirarse para terminar sus estudios de Ingenieria.
Volvió a la música años después como productor y cantante.

PERU, 1961
Mag LPN-2050
- Twist En U.S.A.
- Twist Mexicano
- El Twist
- Twist Otra Vez
- Pude Bailar Toda La Noche
- Twist Around The Clock
- The Peppermint Twist
- Amorcito (Lovey Dovey)
- Pobre Fannie
- Bailando El Twist
- Multiplicación
- Presumida

Publicado el 21/2/2010 en el blog Cuadernos de Rock en Español

Duraznito (Lima, 1960 - 1963)

2011-07-13T21:03:00.000-07:00

Por Jesus el Rocker

El rock and roll también llegó al Perú a finales de los años 50 y legiones de adolescentes pasaban sus horas libres escuchando los escasos discos que del género ponían en la radio y bailando al son del nuevo ritmo. Uno de ellos, aparte de bien parecido, tenía una buena voz y un gran oido para interpretar aquellos temas norteamericanos. Se llamaba Jorge Botteri y era siempre invitado a cantar por cualquier proyecto de conjunto musical rocanrolero que surgiese en la zona para actuar en fiestas escolares. Tenía tan buena acogida que, cuando terminó el instituto, se presentó en discos MAG para una audición, siendo contratado como solista de la orquesta de Lucho Macedo, en aquel entonces con un puesto vacante. Fue suya la voz del single de esta formación "Pequeño diablo" (1959), una versión tropical de un éxito de Neil Sedaka, pero no era esto lo que quería Botteri y la empresa le presentó al músico chileno Luis Durand (ambos en la foto), con unas inquietudes musicales rockeras más cercanas a las de él. Decidieron formar un grupo de rock and roll con el ridículo nombre de Duraznito, por los arreglos de Durand evidentemente, que cuando empezaron a decantarse por el twist tan de moda pasó a llamarse Duraznito & sus Twisters, contando entre sus miembros con el prometedor multi-instrumentista y cómico Pacocha, el cual ya había tenido un conjunto, Son Cubillas, junto a sus hermanos y que pronto se cambiaría el nombre artístico a Melcochita. Empezaron a grabar una serie de temas para editar primeramente un álbum, pero antes de acabar Botteri ya se había enfadado por discrepancias económicas y abandonó el proyecto (en este LP aparecerían grandes temas como "Presumida" o "Peppermint twist"). Para completarlo se recurrió a su antiguo colega de colegio César Altamirano, pero fue la magnífica voz de Botteri en el single "El twist" la que les catapultó a la fama. Este inesperado éxito animó a Botteri a regresar a MAG y comenzó a grabar una serie de singles, acreditado ahora el grupo como Duraznito canta Jorge Botteri, que se vendieron muy bien, no solo en el Perú sino también en Méjico y Venezuela. A pesar de lo bien que les fue durante un par de años, Botteri, un tipo serio, prefirió dejar la carrera musical para terminar los estudios de ingeniería que ya había comenzado, sin que ofertas millonarias de empresarios mejicanos para que siguiera pudieran convencerle. El grupo no pudo sobrevivir a su marcha y se disolvieron poco despúes. Botteri volvería a la música en los años 70 al formar el dúo de rock tropical Los Blancagüays (junto a Kroffer Jiménez V, que había tenido la banda Popy & sus Pirañas), que cosechó un tremendo éxito con el tonto tema "La palmadita". Luego se pasó a la producción, fundando su propio sello que apoyó a muchos grupos horrendos aunque de geniales nombres, como Los Engreidos del Mantaró, que con su tema "Rompeponchos" fueron los que más dinero le dieron, aunque también siguió apoyando el rock & roll de la mano de nuevas bandas como Laos Cuatro Gatos o Los Dakotas. Fue Botteri también un innovador del diseño discográfico mundial gracias a sus conocimientos de ingeniería indsutrial, siendo el primero en editar vinilos de caña de azucar y coloreados en diversos tonos, invento que con la llegada de la psicodelia no le fue dificil exportar con éxito. Apoyando la música en todos sus frentes siguió este gran hombre hasta practicamente el día de su fallecimiento en el año 2009. Por su parte Durand siguió como arreglista de diversas agrupaciones musicales, principalmente de cumbia, bandas en las que muchas veces también estaba su hermano Víctor y otros integrantes de Duraznito. el contrabajista Joe di Roma se dedicó a la composición unos años hasta que decidió pasarse a la música clásica en su faceta comercial de los años 80, primero formando Joe di Roma y sus Violines de Ensueño y más tarde un dúo de valses con Aida Valencia. El batería se pasó a la cumbia sin muchos escrúpulos y lideró Paco Zambrano & sus Ratones, agrupación que también contó entre sus filas con el saxo de Duraznito Germán Neciosup, músico que también tuvo su propia orquesta de salsa y que luego formaría la olvidable banda Los Tiples Peruanos. Melcochita, por su parte, se dedicó al humor televisivo con gran éxito convirtiéndose en uno de los personajes más populares de Perú. Grabó varios discos más en solitario o con agrupaciones con nombres tales como Karamanduka with Mag Peruvian All Stars, Las Estrellas del Son (con Johnny Pacheco) o Los Hermanos de la Salsa (con Lita Branda), ninguno de los cuales la guerra me ha hecho tan cruel como para recomendaros.
Músicos: Jorge Botteri y César Altamirano (voz), Roberto Váldez (guitarra), Joe di Roma (contrabajo), Chatón Alcazar (piano), Paco Zambrano (batería), Germán Neciosup (saxo), Víctor Durand (trompeta), Pablo "Melcochita" Villanueva (guitarra y piano) y Los Gorrioncitos (coros).

Publicado el 31/3/2011 en el blog Diccionario Rockabilly

Pancho Guevara: El sonido de Los Saicos se creó por nuestra ignorancia

2011-07-13T11:56:00.000-07:00

Pancho Guevara, baterista de Los Saicos (Foto: Low Fi Woman)

Entrevista por Gonzalo Pajares Cruzado

“Ofertas para volver sobraban. Cuando apareció lo de España vimos que era tiempo de regresar”, nos dice el gran ‘Pancho’ Guevara, el baterista de Los Saicos, banda que mañana, después de 44 años, alégrese, reaparece en un escenario. Apénese, lo hará en España y no en Lima.

"En mi casa se escuchaba mucha ópera, mucha zarzuela, mucho tango; pero en la calle, mucha guaracha. Yo era pésimo bailando. Cuando aparece Elvis, en el 56, yo trataba de imitar sus pasos, pero no me salía”. Así empieza nuestra charla musical con Francisco ‘Pancho’ Guevara, el baterista de la más legendaria y entrañable banda que ha producido el rock peruano. Tan grande y universal es su leyenda –y su legado– que mañana, después de 44 años, sus integrantes vuelven a reunirse para ofrecer un concierto de verdad (no como las tocaditas puro feeling que dieron en 2006 en Mochileros y hace unos meses en el Británico) en el Funtastic Dracula Fest (Valencia, España). Vendería mi alma al diablo por estar allí.

¿Ver a Elvis también significó el inicio de su etapa como músico?

Siempre he sido melómano. Empecé en la percusión imitando a los vendedores de humitas, quienes las ofrecían tocando una tumba. Los escuchaba y salía disparado a verlos.

Dicen que los percusionistas son los menos músicos de una banda…

(Ríe). Al contrario. Yo tengo buen oído. Eso sí, yo me he vuelto sordo de tanto tocar, el volumen que usan estos compadres (y señala a sus músicos) es impresionante (ríe).

¿Cuál era su estilo en la batería?

No tenía (risas). Intentaba tocarla como el bongó, como la tumba, pero la agarraba a palazos (risas). Traté de ingresar al Conservatorio y me botaron (risas). Yo agarré la batería y me dediqué a darle, nada más.

¿Cómo conoció a Rolando Carpio (guitarrista), a ‘Papi’ Castrillón (bajista) y Erwin Flores (cantante)?

Todos vivíamos en Lince. Tuve la desgracia de ser vecino de Erwin en Breña. Felizmente no lo conocí (ríe). Ellos eran unas bestias, unos salvajes, yo era el sano, el tranquilo al lado de esos animales (ríe). Eran inquietos, movidos, avezados, muy intrépidos: caminaban por los precipicios, arriesgaban la vida por cualquier motivo. Y mire que no tomaban (ríe).

Sin alcohol, ¿cómo se salvajeaban?

La salvajada estaba en nuestros genes (ríe). Admirábamos a James Dean. Nosotros éramos unos rebeldes sin causa, pero tratábamos de encontrar una para justificar nuestra rebeldía (ríe).

¿Cogió alguna vez una guitarra?

Siempre hice percusión. Castrillón tenía un rondín y cantaba. Erwin era un cero, un negado, no tocaba ni cantaba. Pero en Brasil aprendió a tocar guitarra. A su regreso, según ‘Papi’, Erwin y yo nos acercamos a él y le dijimos: “Papi, estamos haciendo una banda. ¿Quieres tocar?”. “Ya”. “¿Quieres cantar?”. “Ya”. “¿Quieres tocar el bajo?”. “Ya”. No lo recuerdo, pero si ‘Papi’ lo dice debe ser cierto.

Así armaron la banda…

No sé cómo la armamos. ‘Papi’ y yo parábamos juntos. Erwin era un nerd (ríe), no jugaba fútbol, cometa, bolitas; no paraba trompo; todo el día leía. Más que inteligente era chancón (ríe). Pero si ha llegado a la Nasa y a ser físico, algún talento debe tener. Que haya chocado un satélite en Saturno no es su culpa (ríe).

¿Cómo nació el sonido ‘Saicos’?

Por ignorancia. La música bacán, la música linda no nos salía. Lo que nos salió fue ruido, fuerza... algo que es muy bacán. El papá de Erwin tenía un negocio de transmisores. En su taller había un par de amplificadores botados, de perifoneo; los tomamos, les dimos un poco de potencia y listo. Es más, la primera guitarra de Rolando, siendo ingeniero mecánico, solito se la fabricó. Debió estar mal hecha porque nuestra música tiene notas raras, que inventó Rolando. Años después, cuando el Chino (Rolando) veía tocar a su hijo ‘Rolo’, le decía: “¿Qué nota estás haciendo?”. Rolando se había olvidado de tocar (risas).

¿Y eran una banda ‘disciplinada’?

Durante un año ensayamos todos los días. Aprendimos a tocar ensayando. Así fueron apareciendo nuestras canciones; en ellas metíamos lo vivido: el Chino metía un par de notas y Erwin le ponía alguna vivencia. Demolición nace de su bronca por la estación del tren de Matucana. Yo me había mudado por allí y siempre les hablaba de lo bacán que era el tren. Al ‘Loco’ (Erwin) le jodían estas historias y puso la letra. En Camisa de fuerza hay locura y romance, es un zafarrancho, nuestro lado salvaje.

¿Los Saicos es una deformación de Los Sádicos?

Esa es una leyenda que se le ocurrió a un periodista. ¿Rolando dijo que el nombre venía de ‘sádicos’? Yo no la tengo clara. Yo creo que viene más de ‘Psycho’. Erwin y Castrillón están equivocados cuando hablan del nombre de la banda. Todos tenemos una versión rara, propia (ríe).

¿Alguna vez le dijeron a Erwin “canta bien”?

No, más bien le dijimos “no cantes” (risas). El cantante era Castrillón, quien tenía una voz melodiosa, pero cuando agarró el bajo se cruzó: no podía cantar y tocar. Y como Erwin era el inútil, ya, pues, cantó. Al inicio le dijimos: “Mientras aprendemos a tocar, tú gritas” (risas). No teníamos idea de lo que hacíamos. Nuestra inutilidad y nuestro talento nos llevaron a hacer lo que hacíamos. Grabamos 12 canciones, pero nuestro repertorio era de 25. Hemos rescatados tres –Mercenario, Poquito de pena y Viejo y enfermo– para tocarlas en España.

Guido Monteverde los eligió el Mejor Grupo de Nueva Ola…

¿Qué es eso? Oiga, eso es un insulto (ríe), se siente extraño.

¿Por qué se separaron?

Es que los otros tres eran insoportables (risas). Durante varios años vivimos casi juntos y era muy complicado soportarnos. Nuestro ego creció mucho. Llegamos a ganar unos siete mil soles por día, que hoy serían unos 20 mil soles. ¿Qué hacíamos con la plata? Ni idea. Además, siempre supimos que la música era nuestro hobby.

Publicado el 9/10/2010 en Perú 21

Reencuentro de Los Spiders de Jauja

2011-07-12T22:57:00.000-07:00

El grupo Los Spiders se formó en 1968 o 1969 y estuvo integrado por Victor Máximo Minaya Rivera, Carlos Antonio Gamarra Meza, Efrain Moises Bernedo Chavez y Oscar Armando Rodriguez León. El blog regional Jauja, Primera Capital del Perú da cuenta del reencuentro del grupo Los Spiders. Cuarenta años después, este grupo de fines de los años sesenta se presentó en el local jaujino llamado "La Tinya Cantos Bar". De ese evento hemos obtenido el audio que ahora podemos escuchar. No sé si dejaron discos, pero cuentan los que comentan este reencuentro que Los Spiders llegaron a alternar con grupos tan populares como Los Datsuns de Huancayo y que en esa época habían otros grupos jaujinos como Los Spark's, Los Lasser's y Los Primos.
Transcribo dos de estas reseñas sobre Los Spiders:

Darío Núñez S. escribió:
Soy apenas un poco mayor que los integrantes de esta afamada agrupación jaujina que dejó honda huella en el sentimiento de la juventud de las dos últimas décadas del siglo pasado. Todavía recuerdo cuando debutaron en la desaparecida Radio Jauja que funcionaba en la Cda 5 del Jr. Bolognesi. Entonces algunas personas de mucha identicación con la música como el Prof. Luis Rivera Lizárraga quién prestaba su guitarra eléctrica y Neri Orihuela quién facilitaba otra guitarra y su amplificador fueron puntos capitales para el despegue de esta novísima (entonces) institución.Eran tan jóvenes, casi púberes, que el finado Luis Ramírez Chamorro los llamaba Los Pichis.Interpretaban magistralmente los temas de Santana, Los Beatles, Los Iracundos, Los Galos, entre otros. Del rock de aquel tiempo pasaron a interpretar música variada como la balada y la tropical, ganando tal popularidad que pronto empezaron a tener innumerables contratos. Su manager, hoy desaparecido, don Francisco Gamarra Silva le dio gran impulso. Cuando la fama les sonreía, un buen (o mal) día cuando se dirigían a cumplir con un contrato en el asiento minero de Yauricocha a bordo del carro de "gotitas" Chuquín Zavala, el vehículo se desbarrancó cayendo en las frígidas aguas del rio Cunas en la hoy provincia de Chupaca, con el resultado de la pérdidad de la totalidad de los instrumentos pero, felizmente, sin ningún costo humano. Ese fatal día significó el fin de los Spider's.
Además de los integrantes que aparecen en la foto ví a otros de renombrado arte como Edgar "mono" Miranda, Raúl "viejo" Herrero y como cantante "cóngoro" Aliaga Salazar. Entonces era alentador ver como los Spider's representaban a Jauja en eventos donde por Huancayo alternaban "Los Gatos Negros" y "Los Datsun's". Lo saltante es que a raíz de este éxito efímero en nuestra Jauja empezaron a aparecer conjuntos similares como "Los Spark's" y luego "Los Lasser's" y "Los primos", entre otros. ¡Ah!, aquellos tiempos.

Darío A. escribió:
Acabo de tener una conversación con Carlos "Checho" Gamarra, quién además de confirmar mis apreciaciones anteriores me menciona algunas más. El accidente al que hice referencia y que fue el final de esta agrupación jaujina fue el segundo y último. Anteriormente tuvieron uno más fatídico cuando se dirigían a cumplir con una presentación en Huarón-Pasco, en aquella oportunidad sólo se perdió el contrato. La nota dramática es el final de los miembros de esta agrupación. Si bien algunos como Carlos Gamarra quién radica en España, otros como Oscar Rodríguez tienen un final desconocido, pues aunque parezca increíble desapareció por completo. Ni sus familiares saben donde está. Efraín Bernedo trabaja en Huancayo y a Víctor "Macchi" Minaya lo pueden ubicar en La Tinya en Jauja. Es bueno decir, igual, que su primer vocalista fue Carlos Hurtado Castro y que la batería, inicialmente, la tocaba el tío de Víctor a quién llamaban cariñosamente "montañita" por el moño llamativo que usaba en la cabellera.

Sudamérica

2011-06-27T12:14:00.000-07:00

Por Columna Beat

El 5 de febrero de 1975 una huelga policial trajo consigo saqueos, quema de edificios, ley marcial y el inicio de una época de inestabilidad política que puso las cosas difíciles para los rockeros del último lustro de los 70.

Ese mismo día salió a la venta el único disco de 45 R.P.M. del grupo Sudamérica, formado por Saul y Manuel Cornejo (guitarra y batería, respectivamente), Ernesto Samamé (bajo) y Félix Varvarande (teclados).

De esta manera, su lado A, “Yo no sé, Señor”, compuesto a base de haikus para épocas de convulsión social, no alcanzó a ser difundido adecuadamente y no logró su propósito de poner a reflexionar a todo un continente sobre el tema ecológico.

Recordando esa fecha, les dejamos con el testimonio de Saul y Manuel Cornejo* acerca de Sudamérica. Luego pueden escuchar la canción antecedida de un saludo de Saul para los lectores de este blog.

SUDAMÉRICA

–Hablemos del grupo Sudamérica.

Saúl: Cuando We All Together terminó teníamos la idea de hacer rock en español. Teníamos varios temas que estábamos tratando de producir y fuimos a IEMPSA e hicimos un convenio con ellos.

– ¿Quiénes tocan en Sudamérica?

Saúl: Nosotros dos con Ernesto Samamé y Félix Varvarande.

–Ahí empiezan a utilizar el moog, ¿no?

Saúl: Sí, usamos el Hammond también allí.

–¿Slide guitar?

Saúl: También, bueno, bottleneck.

–¿Hay un truco de ritmo en el tema Yo no sé, Señor?

Saúl: Invertimos la rítmica.

Manuel: Siete cuartos son un compás de cuatro y otro de tres.

Saúl: Cuatro y tres… Si sumas cuatro y tres se invierte la fase nomás pero regresa al mismo compás. Al hacer un compás de cuatro que es normal y uno de tres, cambias el tiempo fuerte y después lo vuelves a cuatro y lo vuelves al tres y ya se acomoda. El final de Speed fever*** tiene cinco cuartos, uno de tres y uno de dos.

–Y el otro tema, Contaremos las estrellas.

Saúl: Es de Ernesto con Félix, los coros los hacemos Félix y yo. Con Sudamérica solo hicimos ese disco de 45 r.p.m.

–¿Tenían más temas?

Saúl: Claro, pero no los llegamos a grabar. Este era el 45 de presentación.

–¿De qué año es?

Saúl: En verdad era del 74 pero salió en febrero de 1975.

–¿El 5 de febrero de 1975?

Saúl: Justo el disco salió en medio del saqueo del 5 de febrero, vinieron los toques de queda, las radios se pusieron muy difíciles para todos, todos los diarios estaban confiscados...

Publicado en el blog Columna Beat

We Are Not Together

2011-06-27T09:34:00.000-07:00

Smog, Fe59, Illicit, Sudamérica, Cerro Verde, Monik

Por Heduardo

“We are not together” es el título del disco que lanzó hace un tiempo el sello Repsychled, reuniendo algunos experimentos paralelos de los integrantes de We All Together y Laghonia. Para estas “aventuras” (al margen de sus grupos oficiales) ensayaron diversas formaciones (incluyendo músicos amigos, en ocasiones), crearon grupos de cortísima vida y, sobre todo, dejaron algunos muy buenos temas.

Debo confesar que por un buen tiempo lograron confundirme, pues de pronto veía cómo en la antología Back To Perú Vol 1 y 2, por ejemplo, aparecían seleccionados grupos como “Fe59”, “Smog”, “Illicit”, “Sudamérica”, “Cerro Verde” y “Monik”. Por eso hago un post con las reseñas que puse en youtube cuando subí los temas de estos grupos. Ojalá sirvan para orientarnos un poco en este laberinto creativo de los hermanos Cornejo y su manchita:

Smog
Cuando salió el disco "Back to Peru: The Most Complete Compilation of Peruvian Underground 64-74" (editado fuera de nuestro país, naturalmente), me encontré con una buena selección en la que junto a grupos conocidos aparecía uno que no conocía, el grupo Smog. Pero la sorpresa mayor vino cuando los escuché: ¿cómo es posible que este ruido que suena tan bien no se haya difundido en el Perú? y si lo difundieron ¿en qué planeta estaba yo? ¿tienen más discos? etc. fueron las preguntas inevitables. Recién tengo la respuesta: el grupo Smog (1971) no fue realmente un grupo, aunque suene mejor que muchos grupos. Su duración fue brevísima y sólo lograron sacar un disco de 45 RPM con dos muy buenos temas compuestos por ellos: "Time for the blues" en el lado A y "Wiched man" en el lado B. Sus integrantes fueron Manuel Guerrero, Ernesto Samamé, Félix Varvarande y Eduardo Vásquez. Sí, parte de la gentita que andaba metida en esa magnífica trilogía que fue New Juggler Sound - Laghonía - We all Together. Es decir que Smog fue una pichanguita que nunca escuchamos, hasta que la descubrieron los compiladores de "Back to Perú".

Fe59
59 en números romanos se escribe LIX, entonces cuando lees FE 59 debes leer Fé-lix, el nombre de Félix Varvarande. A fines de 1972, Félix Varvarande (primera voz, piano y organo), Ernesto Samamé (bajo y guitarras), Manuel Cornejo (batería) y Carlos Guerrero (segunda voz), grabaron un único 45 rpm con los temas "Nunca seas triste" y "Estoy Brillando". Como sabemos, todos los músicos aquí mencionados formaban parte en ese momento del conocido grupo We All Together. Es decir, otra pichanguita de estos reconocidos músicos, que anteriormente hicieron algo parecido bajo el nombre de grupo Smog. Es decir, cuando se cansaban de tocar como We All Together, tocaban con otro nombre. Es decir, descansaban de hacer música haciendo música. Pues bien, cada uno descansa como quiere y en este caso solo nos queda agradecerles por estas notables pichanguitas.

Illicit
El grupo Illicit estuvo integrado por Félix Varvarande, Mario Rivas y Dante Piaggio. El tema "Realize", compuesto en 1974 por Varvarande y Piaggio, fue considerado en la antología Back To Perú Vol 1, editada por el sello Vampisoul de España. El otro tema de Illicit es “We wish to be listened”, compuesto por Aldo Pinasco y Varvarande.

Sudamérica
"Dentro del amplio y caótico legado discográfico de la época inmediatamente posterior a We All Together destaca un 45 sacado a la venta bajo el nombre Sudamérica, en el que los hermanos Cornejo, Ernesto Samamé y Félix Varvarande hacen rock en castellano. Editaron sólo un 45, que contenía las canciones Yo no sé señor y Contaremos las estrellas. El sencillo salió a la venta en febrero de 1975 cuando la huelga de la policía y los saqueos en Lima pusieron en jaque a la dictadura revolucionaria de Juan Velasco Alvarado". (Texto de Carlos Torres Rotondo)

Cerro Verde
En el disco "We Are Not Together", lanzado hace algún tiempo por el sello Repsychled, aparecen cuatro temas del grupo Cerro Verde; tres de ellos compuestos por Francesco Savorgnan y el cuarto compuesto por Savorgnan y David Levene. Uno de estos temas, "I Lost A Game", fue seleccionado por el sello español Vampisoul para su antología "Back To Perú Vol 2". Cerro Verde estuvo integrado por Francesco Savorgnan (vocalista), Ernesto Samamé (bajo), Manuel Cornejo (batería) y creo que David Levene en la primera guitarra. Estos temas fueron hechos en 1974, años de gobierno militar, años difíciles para el rock peruano pues, en el mejor de los casos, el rock era considerado "alienante" y, en el peor de los casos, "contrarevolucionario".

Monik
No tengo información sobre Monik, la cantante peruana que aparece en la estupenda antología Back to Perú vol 2 con el tema "Maybe I Know". Parece que Monik formaba parte del círculo de amigos de We all Together. En el disco "We are not together" editado por el sello Repsychled, que contiene grabaciones raras de músicos de We All Together y amigos de ellos realizadas entre 1968 y 1974, hay varias canciones interpretadas por Monik. En el elenco de músicos de apoyo aparece Mónica Guerrero en el rubro Voces y Coros. Sospecho que Monik es Mónica Guerrero, y por el apellido no sería raro que tenga algún vínculo familiar con Carlos Guerrero de WAT. Buscando alguna ilustración relacionada con Monik encontré en la red la foto del 45 rpm "Maybe I Know". Un dato curioso: el disco también es azul, como el 45 rpm de Smog, que grabaron Samamé y Varvarande. Otro dato curioso: ellos dos componen el tema que aparece en el lado B del disco de Monik. Bien, basta ya de chismes y mejor sigamos escuchando este tema que la estadounidense Lesley Gore popularizó en los años sesenta.

PS: En la medida en que vaya encontrando mas datos los iré incluyendo aquí

Los Saicos: una leyenda de ruido y furia

2011-06-27T00:01:00.000-07:00

Simplemente se borraron del mapa. Desde su abrupta separación a mediados de 1966 hasta la primera entrevista concedida por un saico en el 2002 nadie supo absolutamente nada de ellos. Hoy son unánimemente reconocidos como precursores del punk, y eso lo dice hasta Wikipedia en inglés, es decir, el inconsciente colectivo global. A estas alturas los Saicos son tan universalmente peruanos como el pisco, Machu Picchu y la papa. Y sin embargo, seguimos sin conocer su historia.

Por: Carlos Torres Rotondo

En el extranjero recién los escucharon en 1999, cuando el sello español Electro-Harmonix sacó a la venta el pirata Wild Teen Punk from Peru, que compilaba sus seis 45s. A los pocos meses la escenas punk de todo el mundo se habían pasado la voz de que en 1965 había existido una banda fundacional y agresiva de garage que no había salido de Estados Unidos o Inglaterra, sino del Perú y más precisamente del distrito de Lince. En el 2002 los responsables del fanzine Sótano Beat se enteraron de que un saico seguía viviendo en el mismo barrio de donde provenía la banda. Con esa sabiduría en la estrategia que suelen tener los fanáticos, montaron una operación comando y capturaron a Rolando Carpio, primera guitarra, sometiéndolo a un interrogatorio que les provocó aún más dudas. Creyeron disiparlas cuando poco después reapareció Erwin Flores –la demencial voz de Demolición- y luego César Castrillón (bajo y voz) y Pancho Guevara (batería). Pero el misterio continúa. El tiempo ha causado estragos en la memoria de los tres saicos sobrevivientes –Carpio falleció el 2006-, cada uno de los cuales tiene una versión diferente de su historia. Con la ilusa misión de encontrar la verdad, he leído todas las entrevistas a sus integrantes y he cotejado tanto las coincidencias como los puntos controvertidos. Su presentación el 19 de febrero en el Teatro Julieta fue la ocasión esperada para solucionar todas mis dudas. Los seguí como Franco Navarro a Maradona en la eliminatoria Perú-Argentina del Mundial de 1986; es decir, no me despegué de ellos en ningún momento. Pregunté sin cesar, grabé y exprimí los recuerdos de los tres. Nada más puede saberse sobre ellos. Ya no habrá más exclusivas. He comprobado que su historia es imposible de contar. Mientras tanto, he aquí la leyenda.

Una ficción colectiva
Comencemos deslindando las mentiras. Si bien Los Saicos respetaron su silencio durante más de tres décadas, todos los entendidos en rock nacional hablaban de ellos sin excepción. Los músicos de su generación siempre los mencionaban como el mejor grupo de su tiempo. Los subterráneos, parricidas con toda la música peruana de los sesenta, los respetaron como a sus padres. El tráfico clandestino de casetes generó un culto cada vez más intenso. Un pequeño grupo de fanáticos siempre los tuvo presente y todos ellos formaron bandas que emulaban su sonido salvaje. Hambrientos de más música, algunos hablaban de un primer disco que nunca llegó a salir. Otros afirmaban con seguridad que habían grabado un instrumental y que éste se encontraba inédito. Pura ficción, como las que siempre rodearon el grupo.

Los fans de los ochenta y noventa que grababan ansiosamente sus piratas en las calles del centro de Lima comentaban, por ejemplo, que uno de ellos había muerto en el Titicaca. Otros decían que un pata los había filmado en provincias y que había que viajar, no se sabía dónde, para conseguir el rollo. Nadie alucinaba cómo en 1965 un grupo peruano podía sonar tan agresivo, desafiante y desaliñado. Había gente a la que no le cabía en la cabeza que su sonido fuera producto nacional y explicaba su vanguardismo aduciendo que uno de ellos se había ido a Inglaterra y había traído discos caletas de The Downliners Sect y The Sonics, bandas contemporáneas que les habrían inspirado su bestialidad particular. Nada era cierto, por supuesto. Quien se había ahogado en el Titicaca era uno de los hermanos Larrañaga, de Los Golden Boys. No existe y es virtualmente imposible que se descubra alguna vez una filmación de Los Saicos en 1965, su año de gloria. Y por último, el sonido de Los Saicos fue creación propia y accidental, sin ninguna influencia externa.

La reaparición de la banda desarmó estas ficciones colectivas pero sembró una leyenda aún más alucinante. Centrémonos en sus propias declaraciones e intentemos contar su historia.

Salvajes sin nombre
Es misión imposible, claro. Cada miembro hasta el momento no se pone de acuerdo en cuál de sus versiones es la que más se acerca a lo que realmente pasó. El caso más flagrante es del nombre. Según Rolando Carpio se les ocurrió por la marca Seiko y el adjetivo sádicos, al que le habrían volado la “D”. El bajista César Castrillón dice que el nombre se le ocurrió a él y que es una palabra fuerte y sin significado que utilizaban para que la gente gritara en sus conciertos. Erwin Flores, por su parte, dice que se pusieron Saicos jugando tanto con sádicos como con la palabra inglesa psycho.

El grupo nació en algún momento de la segunda mitad de 1964 -nadie puede asegurar exactamente en qué mes- cuando César Castrillón y Pancho Guevara comenzaron a reunirse en la habitación de Erwin para ver qué sonidos le sacaban a sus recién adquiridos instrumentos, todos ellos comprados por la madre del anfitrión. Por esos tiempos ni siquiera tocaban canciones de otros, solo hacían ruido. No se conformaron y buscaron a alguien que supiera un poco más de música. En algún momento César Castrillón habló con Rolando Carpio -a quien veía tocar valses criollos en los portales de Lince- y lo integró al grupo. Erwin dice que el guitarrista aceptó por que tenían amplificadores, mientras Pancho Guevara afirma que Carpio se integró por amistad. Pero tuvieron química y en eso todos estaban de acuerdo. Rolando Carpio llegó con su propio instrumento, una guitarra que él mismo se había construido y con la que tocó en todas las grabaciones.

En aquella prehistoria todavía no sabían quién sería el vocalista. Supuestamente debía ser Castrillón, pero éste era tan taba que no podía cantar y tocar bajo a la vez. Hicieron entonces algunas audiciones. Estuvieron jameando durante una semana con Jean Paul el Troglodita, estrambótico cantante que salía al escenario disfrazado con un traje de leopardo. No hubo química pese a tanta hermandad cavernaria. Mientras tanto, a Erwin se le iban ocurriendo ideas que todos internalizaban y reciclaban hasta convertirlas en algo absolutamente original. Poco a poco aprendieron a tocar, así sea rudimentariamente. Las primeras canciones fueron Come On y Ana, luego incluidas en su debut discográfico. Ya estaban maduros para presentarse en público. Hay una pequeña divergencia al respecto. Pancho dice que habrían hecho un pre-debut en enero o febrero de 1965 en Radio El Sol, en el programa El Show de Diana, pero Castrillón no recuerda ese episodio.

Lo que sí es seguro es que el debut oficial fue un golpe de suerte contundente. Harry Flores, el hermano de Erwin, les hizo un contacto con el conocido DJ Guido Monteverde, quien los puso en el programa del festival de CACODISPE (Cadena de Comentaristas de Discos del Perú), donde la industria entera (radio, TV, discos) se reunía para premiar a los mejores artistas, productores, etc. del año. Solo podían cantar una canción y arremetieron con Come On. Al finalizar, el público permaneció en un silencio absoluto. Ya iban a desenchufar sus instrumentos cuando un aplauso estruendoso colmó el cine Tauro. Les pidieron un bis, tocaron Ana y se retiraron a falta de mayor repertorio. Esa noche conocieron a Rebeca Llave, responsable del sello Dis Perú, que les ofreció un contrato discográfico que los obligaba a grabar inmediatamente aquellas dos canciones. Guido Monteverde, por su parte, les entregó un trofeo y les abrió las puertas de la TV. Una semana después hicieron su primera aparición televisiva en el programa La Escalera del Triunfo. Todos los miembros de la banda concuerdan al describir este episodio trascendental, que sin embargo contradice por completo otra leyenda urbana: que los Saicos eran un grupo underground.

Nos gusta volar estaciones de tren
En realidad tuvieron éxito desde el principio. En marzo de 1965 sacaron a la venta su primer 45 y a partir de ahí volaron sin parar. Ensayaban ocho horas diarias en el cuarto de Erwin. Los vecinos se quejaban y llamaban a la policía pero ya nadie era capaz de interrumpir su bulla. Intervenían varias veces a la semana en los programas El Hit de la Una y Cancionísima, ambos de Canal 5. Los domingos, sin embargo, eran sus días de mayor trabajo. Comenzaban bien temprano haciendo el circuito de las matinales, que eran espectáculos musicales organizados por los colegios y que se realizaban en los cines. La llegada de Los Saicos desataba inmediatamente la euforia colectiva. El público veía el bombo con el nombre de la banda y se ponía a gritar. Su set consistía únicamente en tres canciones, luego de las cuales enrumbaban a otro cine, intentando cubrir la mayor cantidad posible. A las dos de la tarde paraban, se iban a almorzar, se repartían el dinero y cada quien se iba a su casa a descansar. Al atardecer se reunían en la Grotta Azzurra, un local ubicado en La Colmena en el que se celebraban ciertos “Tés de La Nueva Ola”, donde alternaban con rockeros como Jean Paul el Troglodita, Los Golden Boys, Los Steivos, o nuevaoleros como Rulli Rendo y Los Doltons -lo cual demuestra que no marcaron distancias con sus pares más edulcorados, algo que sí subrayaría con vehemencia la ideología punk una década después. Acabada la función se quedaban tocando y chupando hasta la madrugada. Los lunes en la mañana los cuatro amigos solían regresar a su barrio de Lince y robar las botellas que el lechero acababa de dejar en las casas.

Hasta que llegó el estallido. Y se llamó Demolición, tema lanzado en mayo de 1965 y que actualmente se ha convertido en el gran himno del rock nacional -y no hay disputa al respecto. Hasta tal punto llegó su poder de convocatoria que, en una época en la que los grupos firmaban contratos de exclusividad con los canales de televisión, ellos se dieron el lujo de poder ir a todos. Participaban tanto en el Cinco como en el Cuatro. En el programa La llamada de la Fortuna, en Canal 9, llegaron a tener su propio segmento de media hora dos veces por semana: el show de Los Saicos, donde según la versión de Erwin se dedicaban a hacer lo que querían, es decir, a huevear.

Porque simplemente eran los esquineros más locos de Lince, unos chicos de barrio que eran el epicentro de un terremoto rockero que no ha cesado hasta hoy. Sus vecinos, al verlos en el escenario cantando sus propios temas con un sonido irrepetible, comenzaron a formar sus propios grupos: a pocas cuadras a la redonda del cuartel general Saico, Los Belkings, Los Steivos, Los Mads, Los Zanys, Los Termits ensayaban inspirados en sus ilustres vecinos.

¿Cuán salvaje era la vida cotidiana de este grupo de caníbales? Los Saicos aceptan que, como muchos niños bien que se portaban mal en los sesenta, ellos también manejaron contra el tráfico a toda velocidad en algunas avenidas principales de Lima. Era una imprudencia imposible de recrear en estos días de tráfico sobre poblado. El tema de las drogas también ha sido tema de rumores y cuchicheos. En ese sentido, los tres saicos coinciden al decir que no las tomaron solo porque en ese entonces la marihuana y el ácido no estaban muy difundidos y todavía no los conocían; en cuanto a la cocaína, es de sobra conocido que en los sesenta era considerada una droga de viejos. Sus infames creaturas sonoras en forma de canciones, entonces, fueron pensadas, no alucinadas, como muchos creyeron en su momento. Es cierto, en cambio, que llevaron una vida bohemia muy activa, tal como dan cuenta incontables borracheras feroces, al final de las cuales todos borraban caset, contribuyendo de ese modo a la oscuridad de esta historia.

1965 fue su año. Hicieron giras a Piura, Chimbote, Trujillo, Tacna, entre otras ciudades. Además, lanzaban un disco sencillo cada dos meses. A Demolición/ Lonely Star siguió una sucesión de obras maestras una más cruda que la anterior. Las canciones parecían grabadas en una cueva; y como siempre, hay otro mito al respecto. Durante treintaiséis años en los que Los Saicos permanecieron en la oscuridad, muchos juraron que habían registrado sus discos en un cine abandonado en La Victoria, que algunos identificaban como el Tauro. Nada más falso. Dis Perú no tenía sala de grabación propia, así que los mandó a los estudios de MAG –los mejores del medio-, donde grabaron Camisa de fuerza/Cementerio, su tercer disco sencillo. Su propuesta está aquí más afianzada que nunca. Mientras el lado A es un grito dadaísta proferido por un loco, el lado B cuenta una historia de miedo y prefigura toda la vertiente del horror punk que Glenn Danzig y los Misfits inventarían quince años después.

Te amo/Fugitivo de alcatraz y Salvaje/el entierro de los gatos fueron grabadas en los estudios de Sono Radio, en el Cine Coloso. Los equipos, según Erwin Flores, no eran como los de MAG y quizás eso haya influido en el sonido extremo que los Saicos desarrollaron al finalizar 1965. De estas sesiones sale el tema que más lejos lleva la propuesta experimental del grupo: El entierro de los gatos. Su utilización del ruido y la creación de un clima de pesadilla son solo comparables a lo que Suicide y la No Wave harían en Nueva York una década después. Y ojo, los Saicos jamás utilizaron fuzztones, distorsionadores o cualquier otro efecto de guitarra. Su ruido era absolutamente natural. Créanme. Palabra de fan.

El entierro de Los Saicos
No hay milagro eterno. A comienzos de 1966 empezaron a tomar decisiones erradas. En enero de ese año su carrera parecía imparable. A todos les importaba su carrera, excepto a ellos mismos. Sobre el ocaso de la gran banda fundacional del rock peruano existen infinidad de versiones. Intentaré contarlas todas. Según Erwin cometieron un error mortal al abandonar Dis-Perú, donde los trataban como unas estrellas. Tenían un trato de palabra con IEMPSA, que los había anunciado como artistas exclusivos, pero ante una mejor oferta acabaron en El Virrey, donde eran un grupo más en un catálogo anónimo.

Empezaron a perder oportunidades. Les acababan de presentar un contrato para una gira de seis meses a Chile, Argentina y México. Pero Pancho Guevara adujo que no quería ir porque ya era una celebridad en su barrio y no quería asumir demasiadas responsabilidades. Al fin y al cabo acababan de cumplir veinte años. Su rutina frenética había terminado por cansarlos. Se habían visto las caras todos los días, todo el día, durante todo un año. Carpio, desanimado, acababa de graduarse como ingeniero electrónico y quería dedicarse a su carrera, por lo que comenzó a faltar a los ensayos. Castrillón declara que al advertir el rumbo que tomaba el grupo optó simplemente por colgar el bajo y dejar de ir a los ensayos. Prácticamente nunca practicaron juntos Besando a otra e Intensamente, sus últimas canciones, y tanto el guitarrista como el bajista se negaron a tocarlas en vivo porque no se las habían aprendido. Pancho Guevara, por su parte, dice que para terminar Intensamente los llamaron de la disquera porque faltaba grabar las voces; así que un día recogió a Erwin en su camioneta y se fueron ellos solos a finiquitar la que sería la última grabación de Los Saicos. Carpio concluye: “Ninguno se fue a otro grupo, nada. Se cerró y chao. Tampoco hubo conciertos de despedida, se desarmó el grupo y punto. Chao.”

Ese largo adiós duró treintaiséis años, supuestamente. Lo que casi nadie sabe es que hubo un intento de relanzamiento. En 1969 Castrillón y Erwin se unieron a un guitarrista apodado el Diablo (no recuerdan su apellido) y un baterista que, a juzgar por una foto que ha visto el autor de esta nota, sería Walo Carrillo, integrante de Los Holys, Telegraph Avenue y Tarkus. Sin embargo, aunque les suena un tal Walter, ninguna de las partes puede asegurar quién era realmente el encargado de los tambores. Hubo poquísimos ensayos. No se registró ninguna canción de esta abortada segunda etapa de Los Saicos.

Paralelamente Erwin había compuesto el tema más destroyer de su carrera, El Mercenario. Su letra habla por sí misma: “...pelié en Kampala, maté a los negros, saquié sus ciudades, violé a sus mujeres, pero perdí un brazo...”. Siempre entusiasta, el vocalista le pidió ayuda a Castrillón para que lo ayudara con el bajo. Su amigo no se presentó a la sesión, por lo que tuvo que ser reemplazado a último minuto por Mario Pastor, de Los Steivos.

Entonces la vida los separó. No se volvieron a ver y no le dijeron a nadie que eran saicos. Pasaron a la clandestinidad.

Pero el ruido persistió y comenzó la leyenda.

Publicado en Dedo Medio

El Álamo y los malos pensamientos de su buena música

2011-06-26T15:04:00.000-07:00

Por Arturo Vigil

Es el verano de 1971 en el distrito de Magdalena y surge un conjunto fundamental en la escena roquera limeña, que evidenció en su sonido una progresión musical muy de avanzada, que transitaba por los caminos de la psicodelia, el blues y el hard rock.Este grupo se llamaba El Álamo,el cual estaba conformado por Tino Pow Sang en la primerra guitarra, Luis Iturri en voz y segunda guitarra, Arturo Montenegro en el bajo, Jaime Salinas en el órgano y Ricardo Allison en la batería. Su primer y único trabajo discográfico, fue su larga duración titulado “Malos Pensamientos”, que fue editado por el sello Decibel en Diciembre de 1971 y que en el interior de la funda de dicho disco, había una mención especial que decía “Es nacional y necesita tu apoyo”, por cierto , el arte de la tapa de este larga duración fue realizado por Estanislao Ruiz (director de la revista Rock,publicación pionera de la música joven del Perú) y los datos adjuntos de los integrantes del Álamo pertenecían a la redacción de Walter Paz (primera guitarra de Los Yorks y quien también en esa época había formado el grupo Corpus).

Podemos decir, que en este disco destacan sobremanera temas como “Listen me”,”Can you see me”,”I cry”, “Pusher Men”, entre otros y el tema “Borgoña” fue muy difundido en su momento en el programa de la ya desaparecida Sra. Nelly Mendivil vía Radio Miraflores, ya que sus programas eran muy escuchados y ciertamente fue un espacio fundamental, donde muchos conjuntos de fines de los sesenta y comienzos de los setenta, llevaban sus trabajos discográficos ya sean en discos 45 rpm, larga duración o en demos, ya que la mayoría de bandas a partir de ese momento, ya se mantenían en circuitos netamente underground o subwave como se les decía en esa época.

Es por eso que El Álamo, sería sólo conocido por las audiencias roqueras que siempre se congregaban en El Embassy o en La Fontana. Donde el público se sumergía en embriagadores sonidos, que se matizaban en coloridos ambientes en que la música de El Álamo se hacia presente. En esos años nuestro rock se redujo a estos espacios, ya que al no tener una adecuada promoción por parte de las disqueras, los mismos grupos organizaban sus conciertos y festivales. El Álamo seguiría en el ambiente roquero hasta 1974 aproximadamente, pero lamentablemente su música nunca pudo llegar a ser masiva, teniendo motivos más que suficientes como para destacar entre las muchas propuestas musicales de ese momento.Sin dudas, la prolijidad de sus arreglos, como sus buenas interpretaciones y destacadas voces, hacen de esta banda un clásico dentro del rock nacional. Asimismo sabemos que desde hace un buen tiempo han sido reditados en EE.UU., haciéndoles un merecido reconocimiento a su trabajo musical, como para la envidia de muchos…

Publicado el 26/2/2009 en Only Sixties

Los Zanys

2011-06-24T12:04:00.000-07:00

por Alberto Gargurevich

El grupo Los Zanys dejó lindas baladas y temas a GO GO, uno de sus grandes éxitos fue “La muchacha de la minifalda”. Los Zanys se inician cuando un muchacho de San Juan de Miraflores (Julio Berrocal) conoce a Dagoberto Sánchez, del barrio de Pamplona baja, que tenia una batería Roxy nuevecita y le da la inquietud de formar un grupo. Julio había estudiado en el colegio Aplicación San Marcos de Lince, por el Parque Matamula (Hoy de los Próceres); junto a Roger Flores buscaron a Dagoberto, conversaron y quedaron en probar y ensayar juntos. En ese mismo tiempo Roger Flores enseñaba guitarra a Alberto Gargurevich Monteverde. Roger quería ser primera guitarra y preparaba a Alberto para segunda guitarra. Así, como jugando, ya eran cuatro los integrantes. Fernando Quiroz apareció después y como era una buena primera guitarra se quedó con nosotros.

En resumen el grupo original era el siguiente:

Julio Berrocal Jiménez (Cantante) de San Juan de Miraflores.

Dagoberto Sánchez (baterista) de San Juan de Miraflores

Fernando Quiroz Vargas (primera guitarra y arreglista de los temas), de Lince.

Roger Flores Camargo (segunda guitarra y coros). de Lince.

Alberto Gargurevich Monteverde (bajista, compositor y coros) de Lincee cerca al cine Ollanta o cuadra 18 de la avenida Arenales.

El nombre Zany’s nació después de presentar propuestas, tengo entendido que significa BUFONES, Los Beatles eran escarabajos nosotros BUFONES.

Teníamos equipos propios, un Vox Ingles para bajo y un Vox Inglés y caja de efectos, la batería era Roxy. Yo tenia un bajo Kawai que le compre a Willy Sandoval de Los Belking’s, Fernando una Teisco de 4 pastillas y Roger una EKO de caja acústica y una de 12 cuerdas…Ensayábamos en la casa de Roger en la calle Guisse en Lince, Fernando y yo (Alberto), eramos vecinos en Lince

Nuestra primera actuación en los matinales fue en Junio de 1967 en el cine Excelsior (el administrador que nos abrió la puerta fue Ángel Buccicardi) como anécdota nos apadrinaron Los Belking’s quienes nos facilitaron sus equipos fue un debut grandioso. De ahí para adelante fue una vorágine de presentaciones, Pisamos Canal 5 en el programa del “Tío Jhonny A GoGo” reemplazando a “Los Steivos” y fuimos engreídos de Sergio Vergara en un programa que tenia en canal 9 llamado “LOCURAS DE JUVENTUD”. Recibimos nuestro primer año nuevo, esto es del 67 al 68, en un gran estrado instalado en el Paseo de le Republica, a un frente el Palacio de Justicia y en el otro frente el hotel Sheraton, fue fabuloso primer año sin la familia y todos éramos muchachos de casa y estábamos al lado de la Orquesta Casino, creo de Mario Cavagnaro.

En Enero de 1968 grabamos nuestro primer sencillo. “LA CHICA DE LA MINIFALDA” (Lado A) y “QUIERO SABER” (lado B), casi enseguida gramos el segundo con los temas “QUIERO FUGARME CONTIGO”(lado A) y “UN LUGAR IDEAL” (lado B).

El 26 de Marzo de 1968, después de una despedida con lagrimas y todo, quien te escribe (Alberto Gargurevich Monteverde) partió a Santiago de Chile y regreso el 30 de Diciembre de 1970 para vivir la segunda fase de Los Zanys.

Los segundos Zanys lo Conformaron:

Guillermo Araujo (primera guitar) de Lince.

Roger Flores (segunda guitarra) de Lince,

Carlos Merino (bajo) de Lince y

Jaime Cabrera (batería) de Lince,

Ellos grabaron un sencillo con otro estilo y eran copias los temas:

“SELLADO CON UN BESO” (lado A instrumental) y

“NO VOY A CAER” (lado B).

Honestamente vivieron y se mantuvieron gracias al éxito de los primeros Zanys. Yo integré como bajista del 72 al 75 y hacíamos música mayormente en ingles, en esa época me volví fanático del Grupo de Santana, sin olvidar mi origen Beatlemaniaco.

Tengo una grabación con el apoyo de Víctor Cáceres Fuentes con los Zanys como marco musical, los temas fueron “CASTIGO” y “MARIA JESUS”,inclusive la primera guitarra fue Fernando Quiroz (el tocaba y era exitoso con Los Destellos) y la voz iba a ser Julio Berrocal, al final se arrepintió y puso su voz por primera vez en un disco DORIS CABALLERO. Esto fue en Abril 78.

Después de años dedicado a vivir ya de la música (he hecho salsa, cumbia, bolero, vals, etc.), he retomado de nuevo el estandarte de mi grupo amado y he vuelto a la lucha con jóvenes a los que yo mismo he enseñado y enseño a tocar temas que los primeros Zanys no llegamos a grabar.

Publicado el 27/7/2009 en Fanzine Sótano Beat

El sonido "Niebla" de los Texao de Arequipa

2011-06-23T00:20:00.000-07:00

Por La Secta Violeta

En la historia de las distintas bandas nacionales que emergieron inconteniblemente en nuestro país en los años 1967 y 1968 en plena efervescencia del ritmo enfermedad y la psicodelia, nunca se dejará de mencionar a la primera gran banda del sur peruano, me estoy refiriendo sin lugar a dudas a Los Texao de la ciudad de Arequipa, que tomaron el nombre de una tradicional flor que crece en dicha localidad.

La primigenia formación estuvo constituida por: Feño Humbser en la guitarra, Víctor Dibán en el bajo, Edgar Manrique en la batería y Juan Núñez en la voz. Su primer 45 rpm fue “Nada de Nada” y “Pobre Gato”, los dos temas muy bien tocados y enmarcados en el tradicional pop rock sesentero. El sonido Texao de 1968 sorprendería a propios y extraños con un contundente estilo interpretativo que ellos denominarían “Niebla”, que los hizo ser entonces un grupo de vanguardia, y ahora ser considerados una banda de culto, y es que la edición de su segundo 45 rpm, llamado “Stone”, y al reverso la excelente “Algún Día” , los hace merecedores de los mejores comentarios discográficos del momento y llegar al treceavo puesto del Billboard americano en 1970, aunque se enteraron de este acontecimiento por amigos que vivían allá, y le restaron importancia en ese momento, ya que no contaban con un representante o alguien que les aconsejara mejor para no desperdiciar dicha oportunidad: como el mismo Edgar Manrique diría tiempo después, “otra hubiera sido la historia".

Con estos antecedentes tocarían en Lima con Los Shains, en una recordada actuación en el Hipódromo de Monterrico que fue para un especial de televisión, además de ser invitados para tocar en el Hotel Crillón, participar festivales en todo el Perú y ser escuchados la mayoría de sus temas en el norte chileno. Después grabarían “La Pelea del Gobernador” y “Nunca Cambias”.En 1973 se disolvieron para formar otros proyectos musicales y dejar impregnada de recuerdos imborrables a un grueso de la juventud arequipeña que siempre se identificó con su música y su poesía. Se comenta que piensan volver pronto a los escenarios, y si es así podremos disfrutar de esta trascendental banda de la psicodelia nacional.

Amigos de LA SECTA VIOLETA, les presento una entrevista reciente con Edgar Manrique, baterista de LOS TEXAO:

¿Cómo se vivían en esos tiempos la música rock en la ciudad de Arequipa?
Nosotros vimos la música como un hobbie nada más y solo tocábamos en fiestas muy escogidas y sin salir de Arequipa. Y si hubiéramos visto esto como negocio, hubiéramos aceptado la oferta de ser artistas exclusivos de Panamericana TV y otra cosa hubiera sido todo…

Las fiestas de promoción de los colegios fueron buenos espacios para el desarrollo de muchos conjuntos. ¿Qué nos puedes decir de esa experiencia?
Tocamos en fiestas de amigos del colegio La Salle, San José y San Francisco. Yo vivía en Contadores, Feño Humbser por el centro, Víctor Dibán en Umacoyo, siempre nos encontrábamos muy temprano para los ensayos. Nosotros tocábamos en fiestas muy escogidas y poco a poco nos hicimos un grupo exclusivo, y eso hace que tu música sea mas exquisita, en esa época no teníamos conocimientos de marketing y por lo que veo, lo hicimos muy bien…

¿Qué agrupaciones de esa primigenia escena arequipeña alternaban con ustedes?
Nuestra competencia era Los Incógnitos, Beat Boys y también estaban buenas bandas como Madera Fresca y Crimson.

¿La disciplina de sus ensayos posibilitó el buen desempeño y sonido de la banda. ¿Cómo se fue gestando el grupo en un principio?
Nos disciplinamos bastante, todos teníamos movilidad y ya salíamos del colegio para entrar a la universidad. Ensayábamos como cuatro o cinco horas diarias, tratábamos de hacer nuestra propia onda y es así como sale el nombre de Texao, hay mucha gente que piensa que viene de Texas, pero no, nosotros sacamos el nombre de una planta tradicional de Arequipa.

Háblanos un poco del famoso sonido Niebla…
Tratábamos de sacar sonidos raros, quizás algo envolventes, por eso realmente lo denominamos Niebla y toda la música la trabajábamos en conjunto.

Algunas presentaciones, anécdotas, amistades. ¿Podrías citarnos algunas en especial?
En Arequipa hicimos una presentación en Radio Continental, después un recital con Los Shains en el Hipódromo de Monterrico que fue grabado y se perdió en el tiempo. Y a veces cuando estoy en Lima hago algunos jams con Willy Thorne, quien fuera tecladista de Traffic Sound y con Chávez Cabello, un gran amigo, y que fue parte de Los Shains, con quienes siempre me encuentro y les mando un saludo.

Los Texao y Traffic Sound en Arequipa ¿Qué recuerdas de esa presentación?
Se realizo en el cine Arequipa y fue una excelente presentación y a su vez competencia. Nosotros teníamos equipos Dynacord, que en su momento eran los mejores. Lo que recuerdo de esa vez, es que le pusimos un feeling especial tocando conjuntamente como cuatro horas. Ese día yo rompí como seis baquetas, había una energía especial entre el músico y su instrumento, sobre todo la respuesta y cariño del público, en fin todo se complementaba y vivíamos un feedback total…

Por lo escuchado, tu desempeño en la batería es hablar de cosas mayores. ¿Cómo fueron tus inicios?
Yo siempre rompía los parches del bombo en las fiestas y en una oportunidad conocí a Cacho Valdez de Los Iracundos y me vio tocar y quisieron llevarme a la Argentina, para supuestamente tocar en La Joven Guardia, pero no paso nada, incluso fueron hablar con mi papá, pero yo era menor edad y tenia tan solo 15 años…

Esas primeras giras con Los Texao. ¿Qué nos puedes contar al respecto?
Nosotros tocábamos en Moquegua, Tacna, Cuzco, y también en Arica donde muchas veces llegaban muy buenos grupos chilenos tanto de Iquique, Santiago o Valparaíso, pero a quienes muchísimas veces superábamos con nuestra música. En una oportunidad uno de estos grupos chilenos querían que les vendiera uno de mis platillos, pero no quise y al final me lo robaron…
Recuerdo también algunos festivales realizados en 1969 en Tacna, en esos años venían grupos de Puno e Ilo, sinceramente fueron buenos momentos.En Lima tocaríamos en el teatro Municipal.

¿Algunos datos que quisieras precisar acerca de algunos 45 rpm de la banda?
Por ejemplo, cuando grabamos “La pelea del gobernador” la incluimos de relleno, pero a la que si le pusimos todo el punche fue a “Nunca cambias” y que fueron uno de nuestros mejores temas que compusimos en esos años. Pero el tema “Stone”, simboliza toda una época, entre todos nosotros y el público arequipeño. En una de nuestras tantas presentaciones, creo que hay algo grabado de Los Texao en Radio Arequipa.

¿Cómo fue el contacto con Panamericana Televisión en los primeros años setenta?
Ellos nos ofrecieron grabar un long play, en esa oportunidad estábamos en uno de nuestros mejores momentos.De repente si hubiéramos vivido en Lima y no esporádicamente como siempre veníamos, hubiéramos aprovechado mejor el momento y lo que pasa es que teníamos compromisos que cumplir en Arequipa y no podíamos fallar. Nosotros tocábamos todos los fines de semana, y a veces había lugares en donde no queríamos tocar y les triplicábamos el precio para que ellos digan no, pero ellos aceptaban no mas…

Los Texao en el Hotel Crillón. ¿Cuán gratificante resulto esa actuación, podrías contarnos algo de esa curiosa presentación?
Bueno, fuimos por dos fechas y ese primer día hacíamos pruebas de sonido y nos escucho el administrador del Crillón y recuerdo que les decía a los encargados del auditorio donde debíamos de tocar, de esta manera: “A estos muchachos que han venido de Arequipa, los hacen tocar hoy día y mañana los votas”.Pero esa vez nos preparamos mejor que nunca, recuerdo que en esa oportunidad estaba toda la delegación del Boca Juniors y creo que había venido a jugar por La Copa Libertadores. Esa noche tocamos, y la gente nos aplaudió parados y lo mas resaltante es que todos eran gente mayor, tan bien nos fue, que nos hicieron tocar media hora mas y no me acuerdo si estamos hablando de 1971 o 1972.Fuimos de teloneros y terminamos de estelares y nuestras presentaciones se prolongaron por 15 días…

¿Qué significo la inclusión de un tema de ustedes en el Billboard norteamericano en 1970?
Nos enteramos por un amigo que vivía en EE.UU. y que era cantante melódico, también arequipeño, nos contó que apareció el tema “Stone” en el décimo tercer puesto del Billboard de ese año. Pero les restamos importancia, ya que esta noticia no tuvo mayor trascendencia en nuestro medio y la gente ni se entero y lo cierto es que definitivamente nos falto un manager, ahora comprendo lo importante que es tener a alguien quien te dirija y asesore.

¿Cuál es específicamente tu trabajo en la actualidad, se que sigues de alguna manera en el negocio del espectáculo acá en Arequipa, qué me puedes decir?
Mira yo con el tiempo he podido entender lo que es verdaderamente este negocio de la música, ya que siempre estoy trabajando en la producción de algunos eventos muy conocidos como “El Jardín de la Cerveza” y en el “Festival de la Cerveza Cuzqueña” y siempre estoy viajando para traer a artistas tanto nacionales como internacionales y ese es mi trabajo y gracias por la entrevista…creo que ya pasamos a la posteridad.

Tomado del caché de la web de La Secta Violeta, pues dicho sitio ya no existe.

Arequipa en rock 1969-1974

2011-06-22T23:45:00.000-07:00

Por: Víctor Miranda Ormachea

Los sonidos de la prehistoria

En el plano musical, ser un coleccionista puede convertirse en una obsesa búsqueda de inhallables fetiches que procuran cierta tranquilidad espiritual cuando se consiguen. Esas piezas raras de los primeros días del rock arequipeño son las que han sido halladas y puestas en un disco que conmoverá a tres generaciones. La prehistoria de un sonido que nunca pasará de moda.

Rock en Arequipa 69-74" es el rótulo de la más reciente incursión de la disquera Repsychled y consiste precisamente en la culminación epifánica de dos amantes del rock en cualquiera de sus encarnaciones. Cocó Herrera y Rafael Cruz urdieron la idea de rescatar los poquísimos discos 45 rpm que se hubiesen editado por bandas de rock arequipeñas en los años sesentas y setentas, complicada tarea toda vez que estos vinilos de 7 pulgadas se hallan extraviados en el limbo del desuso y la amnesia.

El rastreo de estas grabaciones y de la información contextual correspondiente se remonta a varios años, pero el fin de la primera década del siglo XXI y el respaldo de una creyente institución como el Centro Cultural Peruano Norteamericano han conspirado para entregar los resultados materiales. Evidentemente estas ediciones correspondían a las bandas más populares de la ciudad que, de modo peculiar, hasta con clubes de fans tenían. Es el caso de "Los Texao" y "Los Incógnitos", bandas rivales musical y doctrinariamente, la primera comprometida con lo hard y la psicodelia (la vanguardia del momento) y la segunda apenas desligada del sonido de la chiclosa nueva ola.

En el disco, "Los Texao" son el preámbulo a esta regresión localista, con el single editado en 1971, "Nunca cambias" y su celebrado "La Pelea del Gobernador" (rankeado en alguna prensa internacional incluso) disponen el clima necesario para la retrospección. Aquí, "Los Texao" se hallan en pleno viaje, contagiados por la lisergia, la fiebre hippie y las construcciones de rock latino tropical que divulgaba Santana. Prosiguen sus temas "Algún Día" y "Stone" las dos caras del segundo 45 rpm de la banda, piezas igualmente pasadas de vueltas aunque algo más psicodélicas e incluso progresivas, forzando a los primeros fuzztones de provincia a retumbar volcánicamente en amplificadores con rotor. Pistas adelante hallamos, notoriamente más candorosos y bienintencionados, "Pobre Gato" y "Nada de Nada" pistas de su debut en acetato y sendas versiones de los chilenos "Los Beat 4".

"Free Love System" suena un poco más consistente, con grabaciones ciertamente mejor logradas. A medio camino entre el rock argentino de la época, la nueva ola, la psicodelia y hasta lo progresivo, entregan "Un Paseo por el Recuerdo" y "Correteando Añoranzas" incluidas en su primer 45. Además, por primera vez en 35 años, aparecen las dos piezas de su segundo e inédito sencillo, visiblemente más evolucionadas que sus primeros trabajos, "En la Ruta del Silencio" y "Déjenme Seguir", (versión de los argentinos Ave Rock) que permiten vislumbrar una afortunada evolución.

"Los Incógnitos", llamados antes "Los Gatos Corbata", aportan el elemento descongestionante al compilatorio. Desarrapados, neófitos y profanos, tan simples como honestos, cuentan con el honor de ser la primera banda arequipeña que graba un single: "Ya Será Tarde" y "Te Amé a Primera Vista" conformaron su debut y "Siempre te Recordare" y "¡Oh Delita!" su segunda y última incursión en vinilo, cuatro artificios de factura memorable.

Además de estos catorce fragmentos de omitida historia, "Rock en Arequipa 1969-1974" pretende acopiar algo más como necesaria referencia, para ello exhuma siete muestras, como bonus tracks de aquello que sucedió hace más de treinta años. "Los Texao" acometen con tres grabaciones demo que los presentan al natural, versionando a The Guess Who, Brenton Wood, Steppenwolf o The Cream, resaltando como diestros músicos e inteligentes intérpretes. Aparecen también dos temas de Madera Fresca, citados por los entendidos y contemporáneos como la banda más arriesgada de aquel periodo.

Una de las grabaciones, que fue recogida de una fiesta por uno de los invitados ("Any Time"), los perfila como ácidos jammers que extendían sus composiciones en plan progresivo; la otra ("La Lenta que Apura") es un muestreo acústico de lo que fue un tema infaltable en conciertos, fiestas y tertulias sónicas, según las referencias una melodía lenta que discurría hacia la velocidad en su final. Finalmente y como homenaje a Alfredo "Mono" Villavicencio, cierra el disco la única grabación profesional de su indeleble presencia, esta vez en Opus, banda que encabezó en los ochentas y que se aproximaba al rock progresivo en la más pura herencia de Yes, Genesis, Jethro Tull o Invisible, "Va y Bien" es un track correcto y deudor de sus influencias donde se avizora al "Mono" con cualidades de frontman.

"Rock en Arequipa 1969-1974" será presentado en el marco de la Feria Internacional del Libro el 23 de setiembre, en el parque Libertad de Expresión en Umacollo; oportunidad única de ser testigos de la recuperación de una parte casi inadvertida del pasado musical de Arequipa. Una recompensa a la utopía de muchos ausentes, a la candorosidad de algunos presentes, a la fantasía de otros, un premio a la obstinación, la gratificación final a aquellos cincuentones que todavía palpitan en esos vinilos. Aquellos predecesores nuestros que creyeron en algún momento que una canción puede cambiar al mundo. (Víctor Miranda Ormachea)

Publicado en la sección Artes y Letras de elbuho.com.pe

Laghonia

2011-06-21T13:47:00.000-07:00

Por Wikipedia

Laghonia fue una banda de rock psicodelico formado en 1965 en Lima. Grabaron dos albumes , el primero con una clara influencia del rock britanico de esa epoca (The Beatles) y para su segundo album sería la experimentación del rock psicodélico con el rock progresivo (Pink Floyd), luego de lanzar su segunda producción en 1971 la banda se disolvió.

Historia

En 1965 nace la idea de la banda con Saúl Cornejo en la guitarra y 1ra. voz, Manuel Cornejo en la batería y Eddy Zarauz en el bajo. Luego decidieron buscar a un integrante más y encontraron a Alberto Miller, un guitarrista creativo que tenia similares referentes musicales. Finalmente se acoplo Alex Abad en la percusión. The New Jougler Sound así llamaron a la banda elaborando un estilo basado en la llamada invasión británica. Compusieron mas de 100 canciones en tres años. Durante ese tiempo el grupo se presentó en shows de TV, conciertos en colegios y teatros, así como participaciones en Happennings y galerías de arte. En 1968 grabaron un 45 RPM para RCA Victor : Baby Baby / I must go , y ese mismo año dos temas en castellano: Sonrisa de cristal / Mil millas de amor . A fines de 1968 Alberto Miller deja el grupo. Tras la inminente separación de The Beatles la banda empiesa a tener cambios y es así como deciden cambiar de nombre.

Y es así como deciden cambiar de nombre a Laghonia. Los horizontes musicales se ampliaban y ahora buscaban un nuevo guitarrista que se acople a la nueva idea del grupo. Eddy lo encontró y lo trajo a un ensayo. David Levene era el típico 1era. guitarra entre el blues y la psicodelia. Algo así como Jimmy Hendrix Experience, Cream, Vanilla Fudge, Spirit o Blues Image, que eran justamente los grupos favoritos del norteamericano Levene. El resultado fue explosivo. Inmediatamente grabaron Glue , una composición que hizo Saúl al leer un recorte del Times , sobre la última moda tóxica en EEUU: "Inhalar goma". La letra trata de la presión que ejerce la sociedad sobre el individuo. El lado B era Billy Morsa . Saúl y Manuel hicieron un latin-cha con acordes a lo Lennon. Trataba de un personaje ficticio asesinado en la cárcel. Faltaba quién toque el piano y sobre todo el órgano Hammond-B2 y fue ahí que apareció Carlos Salom gran aficionado al Jazz y a la música brasilera. Con Salom grabaron BAHIA , una idea de Saúl al observar un almanaque donde estaban retratadas chicas de ese lugar en Brasil. Manuel le añadió un ritmo latino y el tema se convirtió en su primer hit . En el lado B ubicaron Sand man una idea de David Levene y Carlos Salom en el piano. Se hicieron arreglos para que la guitarra de David se asemejase a la de Clapton en While my guitar gentle wheeps de Harrison. Era el único grupo que usaba el Hammond-B2 en el Perú y Sudamérica tanto en grabaciones como en vivo. Miembros de otras bandas como Telegraph Avenue, Traffic Sound o El Polen, iban a escucharlos frecuentemente atraídos por rarísimas canciones como Mary Ann o Speed Fever con experimentos polirrítmicos a lo Dave Brubeck. Canciones como Lonely People , por su inusual armonía y el final de raga hindú, hacían que la gente, que había tomado o fumado algo, se atreviese a meter la cabeza en los parlantes de pre amplificación. Los de seguridad tenían que actuar rápidamente. Las grabaciones de Glue y Etcétera se hicieron casi todas en directo en 8 tracks . Así el grupo debía estar muy ensamblado en el estudio. Canciones como Trouble Child (de clara influencia Yarbirds) o And a saw her walking (un tema inspirado en los conjuntos de la Motown), se grabaron en 7 o 9 tomas seguidas. Durante una conversació en el barrio de David sobre la vida después de la muerte se les ocurrió Someday. Durante una noche de lluvia Saúl y Manuel compusieron Everybody on Monday. Un tema que no se incluyó en Etcétera fue Bengal Tiger : un homenaje a ese formidable felino. No Solution , que aparece como bonus track es otra canción inédita. Al empezar la grabación de Etcétera Eddy y Alex dejaron al grupo. Manuel, Saúl, Carlos Salom y Levene terminaron el disco. Luego el grupo se disolvió.

Discografía

Glue (1968)
Etcétera (1971)

The New Juggler Sound

2011-06-21T08:04:00.000-07:00

Por Munster Records

New Juggler Sound, Laghonia, Smog, y el primer We All Together (luego algunos miembros volverían a reunirse en los años 80) conforman la única saga del rock en Latinoamérica, con 40 años de permanencia en los que si bien han tenido altibajos, siempre mantuvieron una sólida coherencia musical orientada a lo que hoy se define como power pop. Lo mejor de su magia se revela en esta recopilación en todo su secreto esplendor.

New Juggler Sound marca el principio de esta productiva y secreta saga del rock en Latinoamérica durante los esenciales 1965-1973. En sus momentos fundacionales (y tuvieron muchos porque su historia está llena de reinvenciones) eran la versión nacional de los Beatles; sin embargo, cuando alcanzaban la libertad creativa y dejaban atrás las influencias directas, eran simplemente una gran banda de rock and roll con un estilo inimitable.

Comenzaron en 1965 ensayando y reuniéndose en Maranga, Peru. En un principio el grupo estaba conformado por Saúl Cornejo y Alberto Miller en guitarra y voz, Eddy Zarauz en el bajo, Carlos Salom en el órgano Hammond, Manuel Cornejo en la batería y Alex Abad en la percusión. Muy influidos desde el inicio por el mersey beat imperante en la época y guiados por las exquisitas armonías vocales de los Byrds, lanzan dos 45s con el sello RCA Víctor. El grupo asciende aún más alto en la estratosfera psicodélica y progresa hacia un estilo más ácido, posiblemente tras escuchar los primeros experimentos con wah wah que Eric Clapton ejecutaba en los Yardbirds y desarrolló en Cream. Alberto Miller sale de la banda y es reemplazado por Davey Levene, un virtuoso de la guitarra con quien graban tres 45s. Aquí New Juggler Sound alcanza su plenitud creativa. La sensibilidad melódica de Saúl Cornejo logra química inmediata con el talento ácido de Davey Levene, y se plasma en improvisaciones llenas de colores pop y otros más cercanos a los de la música negra. Estos tres 45s son algunas de las joyas más hermosas que jamás hayan surgido no solo en la psicodelia peruana, sino en la psicodelia a secas.
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1968: New Juggler Sound cambia su nombre por Laghonia e inicia una nueva etapa con Glue, un primer LP que en realidad es una recopilación de New Juggler Sound, con la excepción de los temas Neighbor y My love, que anuncian la nueva orientación del grupo con un mayor predominio de los teclados y la creación de atmósferas, probablemente influenciada por el abanico melódico abierto por Todd Rundgren con sus Nazz. El nuevo estilo de Laghonia se apreciará en su plenitud en su segundo LP, Etcétera, y en el single World full of Nuts b/w We all.
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En 1970 Saúl Cornejo acepta una propuesta de Carlos Guerrero para integrarse en un proyecto que busca recrear el sonido de bandas como The Iveys/Badfinger y Wings, lo que se manifiesta claramente en su primer LP. El grupo, bautizado We All Together, gana a nivel vocal, recuperando el tiempo de sus inicios en el que primaban las armonías vocales.En 1971 Ernesto Samamé funda Smog, un grupo paralelo en compañía de Manuel Guerrero en guitarra y voz y Eduardo Vásquez en la batería. Graban un 45 brillante y se disuelven. Mientras tanto, We All Together graban su segundo LP y en 1973 se separan. Durante la segunda mitad de los 70, en esa época oscura en la que el rock en el Perú literalmente murió, se publica su última reencarnación bajo el nombre de You.

Publicado en la web de Munster Records

Los Hang Ten's

2011-06-19T22:10:00.000-07:00

"Los Hang Ten's" was a Peruvian rock group formed in 1964, originally from the San Isidro District in the country's capital Lima, from which the band Traffic Sound, the first so-called rock "supergroup" in that country's music history, drew two of its original members and, through them, the main idea regarding its creation.

Beginnings
In the early months of 1964, a number of the more rock music-inclined members of the Christian Brothers´ "Santa María School" student body, specifically a few of those amongst them attending the 9th grade, decided to create a rock band in order to entertain their friends and schoolmates, primarily at school functions and parties. The name of the band, "Los Hang Ten´s" - a direct derivative of a complex surfing position, but keeping the article "Los", in Spanish, ( as opposed to the English "The")-, was chosen by consensus by the original group members, most of whom were surf, as well as music aficionados in their remaining free time.

Initially, the group had the brothers José (b. Lima, 1950), and Freddy (b. Lima, 1952) Rizo-Patrón Buckley playing lead and rhythm guitar, respectively, whose mother was a US national from Boston. The -then future Justice Minister and Secretary of State of Perú- currently President of the Inter-American Court of Human Rights, Diego Garcìa-Sayán Larrabure (born New York, 1950), on drums. The line-up was completed with schoolmates Ramón de Orbegoso Elejalde (b. Lima, 1950), who played bass, and Felipe Larrabure Aramburú (b. Lima, 1950), who was García Sayán's first cousin, on lead vocals.

A few weeks after, another schoolmate, future music impressiario Arturo Rodrigo Santistevan (b. Lima, 1949), joined the group by playing the tambourine, as well as, on the occasion, did another school friend, the future "Traffic Sound" lead singer, DJ and businessman, Manuel Sanguinetti (b. Lima, 1950), who sang several songs with Larrabure, each providing back-up vocals to each other, in alternance.

Influences
The group was influenced by the arrival of the so-called "British Invasion", which had taken over the United States by storm, the latter a country most of their members had visited on either school-sponsored, family, or personal vacation trips, the two previous summers.

Most notably, it was the sound of the UK group The Kinks, led by the Davies brothers, Dave and Ray, that impressed them the most, which led them into performing covers of almost their entire set of hits, ranging from rockers like "You really got me". "Till the end of the day" and "All day and all the night", to the blues infested "Com'on now", or power ballads like "Baby, where have all the good times gone" and "Tired of waiting for you".

In the next two years, classics from the Beach Boys, The Young Rascals, Donovan and the Rolling Stones became a part of repertoire, including the latter group's first big US and UK hits, "Get off my cloud" and, starting in the summer of 1965, "Satisfaction". The Beatles, by then the world's most successful artists, were also influential, although it was mostly covers they had done themselves of early US rockers, like Chuck Berry's "Rock and Roll Music", which ended up becoming part of "Los Hang Ten's" play list.

In their manner of dress, at least in its early formative stage, the group wore what was then, and still remains, a quite unique attire consisting of a turtleneck, usually in light blue and white horizontal stripes, under dark suits.

Recording
After developing a fan base consisting of the families and friends of their schoolmates, and of teens who did not attend "Santa Maria" School but who had become their followers and, soon after playing live in several important festivals, executives at "Odeon", then one of the major Peruvian record labels, suggested that they record a single, which soon materialized with their recording of "Till the end of the day", their favorite Kinks composition, as the "A" side, and a blistering, unusual version of Nancy Sinatra' s then massive worldwide hit, "These boots were made for walking", on the flip side.

Both sides of the single ( the 45 RPM, Odeon 45-9671, was released in November 1966), drew fair airplay, mostly in AM stations, as was the custom in Peru's radio broadcasting, particularly insofar as Rock-oriented music in the mid-sixties is concerned. Conversely, because "Odeon" released only a relatively small print, consisting of 500 copies, the single has become with the passing of time, a coveted music memorabilia item for both Peruvian and Latin American early rock aficionados alike. The musicians who played on that recording were the original 5 members, plus Rodrigo, who played the tambourine and left the group, soon after.

Changes
In the spring of 1967, José Rizo-Patrón left "Los Hang Ten´s" to create another band, but not before re-recruiting Sanguinetti to sing lead, as well as signing in some of the best guitar, drum, and jazz-oriented musicians then available within their school and social and circles, namely Willy Barclay, on lead guitar, Willy Thorne on bass, Lucho Nevares on drums and, most importantly, Jean Paul Magnet on saxophone, thus launching Traffic Sound.

In the meantime, the "Los Hang Ten's" line-up was immediately re-arranged, as original bass player Orbegoso switched to lead guitar, leaving the bass to another schoolmate, Jaime Sabal Saba (b. Lima, 1951). Still another former child schoolmate, - who by then was attending another high school -, Juan de Aliaga Fernandini (b. Lima, 1951), was then recruited to play the rhythm guitar position left vacant by Freddy Rizo-Patrón who, eventually, also left "Los Hang Ten's" to join his brother José in the early stages of the formation of "Traffic Sound". Ironically, unlike Freddy who remained with "Traffic Sound" until the end, it was Jose, in spite of his being the original mastermind behind the creation of "Traffic Sound", who chose not to continue on, opting instead to dedicate his time fully to his university studies.

Finally, in early 1967, drummer García-Sayán recruited a close friend, the then future United Nations Official and Nicaraguan Ambassador to Brazil and Perú, Guillermo Pérez-Argüello (b. Lima, 1950), himself the son of a Peruvian Ambassador and a New Orleans-born, Nicaraguan diplomat's daughter, to join the band and sing additional songs, mostly R&B and early Rock and Roll classics from the SUN Records era, as a second lead singer.

Disbandment
Until February 1968, "Los Hang Ten's" continued playing, mostly at week-end festivals and ad-hoc venues but, with their college and university education just around the corner, they all parted along different ways, some taking up higher studies first at home, then abroad, as was the case for García-Sayán and Guillermo Pérez-Argüello who obtained post graduate degrees in the US, and in Britain, respectively - , the others remaining in Peruvian universities, some simultaneously joining other bands - as did Aliaga and Orbegoso, who played with a few rock bands in the next two years -.

To this date, several of them remain very close as friends and, on the ocsasion, still jam together.

Tomado de Wikipedia

Raquel Gates Álvarez

2011-06-18T12:17:00.000-07:00

Más conocida como Kela Gates.

Por la Rocola de Papá

Raquel Gates Álvarez, más conocida como Kela Gates, nació en el distrito del Rímac (Lima) el 8 de octubre de 1946 y desde sus primeros años de vida mostró su afición por el canto. En 1955, cuando apenas tenía 8 años de edad, hizo sus pininos en el inolvidable programa "Radio Club Infantil", creado y conducido por Maruja Venegas Salinas, que se transmitía a través de las ondas sonoras de Radio Mundial. Su afición por esos días, se inclinaba por la música ranchera principalmente.

En 1959, con la aparición de la televisión en el Perú, hizo su debut frente a las cámaras de Radio América TV Canal 4 en el programa "El Club de los Niños" que dirigía Juan Sedó, más conocido como EL Tío Juan (el primer tío de la televisión peruana). Sus inicios nuevaoleros los hizo a través del programa "Nuevaolandia" conducido por el periodista Guido Monteverde Morzán en el Canal 9 en los años 1964 y 1965. El disc-jockey Gustavo Galliani la vió y la llevó a la disquera El Virrey. El músico argentino Peter Delis la escuchó e inmediatamente recomendó a la Dirección Artística del sello discográfico su contratación.

En 1965, graba su primer sencillo que incluía las canciones "Sigue buscando" (Keep searching) y "Muñeca de cera" el cual fue un suceso. En 1966, participa en el "Primer Festival Internacional de la Canción de Trujillo" organizado por el Club de Leones de esa ciudad, con el tema "Tan cerca del cielo" de autoría del cantante y compositor Carlos Fabbri quedando como uno de los ganadores del evento. Otros éxitos discográficos fueron: "Salvemos este amor", también de la inspiración del cantante y compositor Claudio Fabbri, "Romeo y Julieta" y "Al llegar el amanecer" del joven cantante Rulli Rendo.

Pedrín Chispa productor de "Ritmo en el 4", programa nuevaolero, la contrató y su voz e imagen se elevaron a los más altos niveles de popularidad. Posteriormente trabajó en "El Show de Elena" conducido por Elena Cortez, transmitido también por el América Televisión Canal 4.

A inicios del 1968, Gustavo Galliani del sello Virrey, representante tanto de Kela Gates como de Los Belking's, tenía en mente grabar un cover de una canción que era un éxito en USA, se trataba de "Summer Wine" de Nancy Sinatra. Cuando la llamaron a Kela al estudio de grabación le comunicaron la urgencia del proyecto y al no saber que hacer, habló con Raúl Herrera (Integrante de Los Belking's). Le comentó el deseo que tenía la disquera para ellos, así que decidieron ir a la cita y en el auto en pleno trayecto y papel en mano, Kela comenzó a escribir la canción terminando justo a tiempo antes de llegar y es así como nace "Néctar de Verano". Éste tema, con inspiración de Kela en la letra, vendió más copias que el original en Latinoamérica. En el lado B del simple se colocó el tema "Te alcanzaré", cover de The Box Top con letra de Andrés Roque.

En ese mismo año, graba su segundo 45 rpm con Los Belking's: "Al maestro con cariño", un cover de Lulú titulado "To sir, with love". El lado B del simple contenía el tema "Loca por un loco".

Para nadie era un secreto que tanto Kela Gates como Los Belking's eran un binomio musical de gran rentabilidad para la disquera. Estando ambas carreras en la plenitud se preparó doce temas para un LP. Esta producción se estudió y desarrolló como nunca antes con cantante alguna, sin limitaciones en el presupuesto musical. La letra de los temas correspondió a Andrés Roque en su versión en español y su adaptación del original a nuestro idioma. Debido a esa actitud innovadora, por primera vez trabajaron conjuntamente con el pianista - arreglista Víctor Cuadros quien asumió la responsabilidad del apoyo orquestal que los temas requerían, pues consideraba que un estilo orquestal diferente sería necesario. Así que en 1969 se realiza la grabación.

En ese mismo año, muy enamorada de su esposo, viaja a los Estados Unidos y abandona su carrera artística. Se dice que logró hacer fortuna vendiendo copias de CD's y participando en la bolsa. Regresa al Perú por muy corto tiempo en 1991 realizando una serie de presentaciones. Grabó un cassete, medio fonográfico de moda por esos días, con arreglos de Claudio Fabbri.

Al retornar a Teeneese (EEUU) se le detecta un cáncer que, tras degenerar en una fatal metástasis, la llevó a la muerte en octubre del 1999, a la edad de 52 años. Dejó un hijo, producto de su segundo matrimonio, ya que su primogénita había fallecido víctima de una bala perdida el 24 de diciembre de 1987 en la ciudad de Lima (Perú).

Publicado en el blog La rocola de papá

La Matinales

2011-06-18T10:41:00.000-07:00

Los Shains y Zulu en una matinal.

Por La Rocola de Papá (blog)

Las Matinales realizadas los días domingos en diversos cines-teatros en los años 60's, se convirtieron muchas veces en semilleros de muchos jóvenes artistas y era punto de encuentro de muchos artistas famosos de la época.

Se les decía matinales porque se realizaban a media mañana, para ser más específico a las 11, antes de las matinés la cual se refería a la función cinematográfica programada.

Los DJ's de la época que animaban dichas matinales: Enrique LLamosa, Sergio Vergara, Eddy Gonzales, Guillermo Heredia Godoy entre otros.

Los cines-teatros de la época ubicados en los distritos de Lima son: Tauro , Excelsior, Tacna, Perricholi y Lido en Lima, Junín en San Martín de Porres, Ambassador y Country en Lince, Porvenir, Grau y Coloso en La Victoria, Barranco en Barranco, Miraflores, Marsano y Leuro en Miraflores, Primavera en Surquillo, Diamante en Jesús María, entre otros.

Habían muchos muchachos y muchachas que seguian a los grupos y cantantes a sus presentaciones que hacian en los diversos cines-teatros.

En esta época, los pioneros del rock peruano empezaron a crear excelentes temas musicales con influencias psicodélicas, el sonido Surf y el estilo del Go Go. También continuaron interpretando conocidos temas de rock con un estilo muy propio, que a veces eran mejores que las interpretaciones originales.

La movida nacional empezó a tener prestigio internacional y en algunas radios locales empezaron a transmitir con más frecuencia la música de rock & roll, inclusive aparecieron programas radiales de música moderna.

La influencia del sonido Surf, del estilo del Go Go, y del sonido Mersey se hacen notar en los programas radiales y en la nueva generación de rockeros peruanos. Uno de los grupos más agresivos de esta época fueron Los Saicos. Quienes grabaron discos de 45 rpm con mucho éxito, con el tema "Demolición" Los Saicos se convierten en los pioneros de Latinoamérica, en grabar con el estilo de la música psicodélica. En general este grupo tenia un estilo que era una mezcla del sonido Surf, con influencias psicodélicas.

Aquellos tiempos... Esta tarjeta de invitación y entrada -original, amarillenta por el tiempo- para una de las matinales que me tocó organizar, anunciar en radio y presentar en el Cine-Teatro Tauro, muestra el desarrollo de la misma y el seudónimo que usaba la Pre-Promoción de un Colegio para reunir fondos para la Fiesta de Promoción con las ganancias de la taquilla vendida de las entradas.

Las primeras matinales comenzaron los sábados en 1963 pero la euforia total se dió en los años siguientes. Una película importada de corte juvenil y la presentación de bandas rockeras nacionales - entonces se les llamaban conjuntos nuevaoleros, les guste o no - y de cantantes solistas acompañados por play-backs o pistas musicales. La animación estaba a cargo de algún Disc-Jockey favorito, que a veces organizaba este evento. Se solicitaba previos permisos a la Municipalidad, aún la APDAYC no pedía aportaciones, firmar contrato con el cine, pagos por alquiler de película, equipos de sonido, honorarios para las estrellas musicales y para el organizador y Disc-Jockey.

El Cine Tauro, actualmente vigente, muestra la misma estructura de aquellos días de la música beat. nueva ola y a-go-go!!

Guillermo Llerena Godoy

Los Termits

2011-06-17T20:15:00.000-07:00

A fines de la década de los sesenta, se realizó en la Plaza de Acho el primer concurso de grupos de rock, evento al que asistieron muchas de las mejores bandas del país. Este concurso fue auspiciado por el diario Correo y la transmisión en vivo estuvo a cargo del canal 5. La fase final se llevó a cabo en un escenario especial en el Campo de Marte y los ganadores fueron Los Termits, un grupo básicamente instrumental del distrito de Jesus María. En el camino se fueron quedando bandas tan destacadas como Los Dacios, Los Golden Brass, etc.

Como es obvio, este triunfo les sirvió como trampolín para llegar a la televisión y debutar con mucho éxito en el programa de Pedrín Chispa en el canal 4, para luego convertirse en artistas exclusivos de uno de los programas musicales más populares: El Show de Elena Cortéz, donde interpretaban sus temas y acompañaban a cuanto artista importante desfilaba por el set.

Además de las tradicionales matinales, giras a provincias y fiestas particulares, Los Termits se dieron tiempo para grabar seis 45 rpm para los sellos Dinsa y Suceso (el primer disco traía los temas "Juarez" y "Más que nada") y un 45 rpm para el sello RCA Victor. Según testimonio de uno de sus integrantes, que he recogido del blog Baúl de los recuerdos, ellos tenían inclinación por la música clásica, razón por la que llevaron al vinilo Flight of the Bumblebee (el vuelo del moscardon) de Rimsky Korsakov.

Transcribo la versión de uno de sus integrantes sobre el nombre del grupo: "El sujestivo nombre de los Termits nació cuando arrasábamos la higuera en la casa de un amigo común, en Jesús María; el padre de nuestro amigo nos recriminó diciéndonos: ¡Parecen termitas!... y asi nos quedamos, incluso antes de que el conjunto naciera como tal, lo pusimos en inglés para el conjunto y listo".

Integrantes de Los Termits: Coco Salazar (primera guitarra), Humberto Silva (segunda guitarra), Roberto Valdez (bajo) y Luis Valdez (batería).

Los Flyers

2011-06-17T13:59:00.000-07:00

Los Flyers de Magdalena del Mar

Por Arturo Vigil

Si alguna vez escuchaste o te sorprendiste, o simplemente no sabías que el popular y querido Miguelito Barraza, él extraordinario humorista nacional, tuvo en una época un grupo de rock. Te podemos decir que SI, ES VERDAD.

Transcurría el año 1965 en las calles del distrito de Magdalena del Mar y cinco muchachos que aún estaban en la secundaria, darían forma a una agrupación denominada Los Flyer’s y que varios de sus integrantes eran de ascendencia judía. El conjunto se constituía de la siguiente manera, con Miguelito Barraza (primera voz), Ricardo Zucarini (1era guitarra) ya fallecido, Freddy Jabbui (2da guitarra), Enrique Mitman (bajo) y Duddi Zimmerman (batería).

Estos chicos practicaban los ritmos muy de moda en esos años, como el Surf, Monkey, Go-Go, además interpretaban muy bien temas de los ingleses The Searcher’s en el club Hebraica (local de la comunidad judía en Lima) donde habitualmente ellos tocaban. Además alternarían muchas veces con las mejores bandas de ese momento, que eran Los Sunset, Los Zodiac’s y los inolvidables Shain’s en el Cine Tauro, en interminables audiciones de conjuntos locales y alocadas performances de la beatmanía nacional.

En 1966 llegarían a firmar para el sello Odeón y dejarían constancia de su único 45 rpm con los temas “Quiero un poco amor” y “María” que llegaría al primer lugar en Radio 1160 en un programa de ránking sabatino, conducido por el conocido y aún vigente Enrique Llamosas.

En esos tiempos Los Flyer’s, conocerían la popularidad, que se vería reflejado cuando ensayaban en la Av. Prescott frente al Colegio Sophianum y donde siempre las esperaban sus ocasionales fans, en ése entonces chiquillas que reclamaban aunque sea…un autógrafo.

Poco tiempo duraría esta fantasía adolescente, el colegio terminaba y todos los componentes de la banda viajarían a EE.UU. Miguelito Barraza y sus muchachos dejarían constancia de una canción como “Quiero un poco de Amor” que era la muestra más palpable, de esa locura musical que germinaba en todo Lima, para contagiarnos de sencillas melodías y del encanto e inocencia de esas primeras agrupaciones del Beat Cavernícola del Perú.

Publicado el 8/11/2008 por Arturo Vigil

The Mads: la mejor banda de rock peruano que no conoces

2011-06-17T09:06:00.000-07:00

Esta es la historia del secreto mejor guardado de la escena musical local. El relato del auge y caída de la banda peruana que llegó más lejos que ninguna en el firmamento rockero universal. Los Rolling Stones los descubrieron y luego los llevaron como teloneros a Inglaterra. Dennis Hopper hizo de presentador en uno de sus conciertos, y eran amigos de Elton John. Solo la mala suerte les impidió tocar en el mismo escenario, de igual a igual, con Chicago, Miles Davis, Emerson, Lake & Palmer, The Doors, The Who, Jethro Tull, y Jimi Hendrix. Y hasta el baterista de Procol Harum estuvo dispuesto a renunciar a su banda para unirse a ellos. Y no, no los conoces todavía.

Por Carlos Torres Rotondo

The Mad’s fue, sin duda alguna, el mayor grupo de culto de la primera escena del rock en el Perú. Y “de culto” quiere decir de argolla, de capilla, de cenáculo, caleta: no llegaron a sacar ningún disco, no tocaron en matinales, y su exclusivo público eran únicamente las chicas lindas y los chicos malos de familia bien de la Lima prevelasquista. Estaban poseídos por el ritmo vertiginoso de los sesenta y su telepatía como músicos alcanzaba en vivo niveles alucinantes. Su psicodelia era a la vez la más ácida, la más fuerte y la más fina; tanto así que estaban destinados a ser el primer grupo peruano en internacionalizarse. En 1970 viajaron a Inglaterra invitados por los Rolling Stones, que los habían visto en vivo el año anterior durante su viaje al Perú. Estuvieron programados en el festival de la Isla de Wight, uno de los más importantes de la historia del rock. Grabaron en los estudios de Stargroves, el castillo de Mick Jagger, de donde los Stones acababan de salir con el Sticky Fingers bajo el brazo. Pero de pronto, luego de una temporada tocando en los mejores clubes de Londres, los Mad’s optaron por disolverse misteriosamente, dando lugar a un reguero de leyendas, rumores y versiones parcializadas. Por eso esta crónica es una reparación de la memoria y un intento de aproximación a la verdad. He aquí su historia, tal como me fue referida por Alex “Tito” Ventura (manager, segunda guitarra y coros) y Billy Morgan (bajo y primera voz).

DE LINCE A LAS ESTRELLAS
Comenzó en 1965, cuando Lince era el epicentro del rock en el Perú. Los hermanos Manolo y Alex Ventura vivían en la calle Miguel Iglesias y a cuatro cuadras a la redonda ensayaban Los Saicos, Los Belton’s, Los Belkings y Los Steivos. Algo se respiraba en el ambiente. Sus amigos viajaban y traían discos de The Beatles, The Rolling Stones, The Turtles, The Troggs y The Kinks que acababan de ser lanzados en Estados Unidos e Inglaterra. Manolo tocaba la guitarra desde pequeño y fue natural que al promediar los quince años decidiera formar una banda. Fue así que comenzó a ensayar con Fernando “Loco” Gadea y Toño Zarzar. Se bautizaron Los Mad’s, es decir, los locos. El apóstrofe, que de alguna manera cambia el sentido de la palabra, era de uso común entre los grupos peruanos de la época.

Pero algo faltaba, quizás lo más importante. Su mayor influencia eran los grupos ingleses y necesitaban un cantante bilingüe. La incierta recomendación de un amigo acabó siendo providencial. Cierta mañana Manolo buscó a Billy Morgan, a quien no conocía hasta aquel instante, en el Lima Cricket Club y le ofreció el puesto de cantante y primera voz. Billy era un chico del Roosevelt de familia norteamericana que había vivido casi toda su vida en el Perú. Era un buen músico y tenía actitud. Paralelamente, Alex, el hermano mayor de Manolo, comenzó a trabajar como manager buscándoles contratos.

Siguió el que, paradójicamente, es el instante de mayor presencia mediática de su carrera. Aparecieron en Lo mejor de la semana, El Clan del 4, Ritmo en el 4, el Show de Guido Monteverde y otros programas de televisión. Como en el set solo hacían fonomímica, horas antes grababan sus pistas en el estudio de Pedrín Chispa -la práctica totalidad de aquellas cintas, tanto de ellos como de otros grupos, ha desaparecido de manera definitiva. Además, registraron algunos demos de manera artesanal. Poco después, dos de aquellas canciones, The last time y I got that feeling, salieron en un disco compilatorio llamado Ritmo a gogó, editado por El Virrey, sin que la banda llegara a enterarse. Sin embargo, ambos temas acabaron siendo durante varias décadas la única grabación de Los Mad’s a la que podía acceder un coleccionista. Y claro, era un Mad’s primigenio que aún estaba buscando su propio sonido, un sonido que no encontró en el estudio sino en sus presentaciones en vivo.

Manolo avanzaba en esa nueva dirección. A fines de 1966 el grupo sufrió una dramática reorganización. Salieron algunos integrantes, entraron otros y su música evolucionó hacia un nivel tan propio como definitivo. Alex, además de manager de Los Mad’s, tocaba primera guitarra en Los Steivos, la banda dirigida por Frank Privette, con quienes llegó a grabar dos discos sencillos: Por tu amor/Dame un besito y GTO/Soy tu hombre. Como Alex ya se sabía las canciones del grupo, Manolo lo llamó para que tocara la segunda guitarra, viéndose así obligado a abandonar Los Steivos y contribuyendo con una base rítmica esencial para la expansión las canciones. En abril de 1967 ingresó al grupo Richard “Bimbo” Macedo quien, al saber tocar polirritmos, aportó un sabor latino especial. Tenía, además, un natural talento de showman: hacía solos y daba vueltas alrededor de la batería.

Ya con esta formación pasaron de llamarse Los Mad’s a The Mad’s y dejaron de ir a la televisión y a las matinales, aunque en realidad solo fueron a una. Ocurrió la mañana en la que estrenaban su uniforme negro con botas blancas (poco después las cambiarían por unas negras) y camisas con bobos. Se ubicaron en el escenario tal como siempre lo harían en adelante: Manolo al lado derecho; el baterista y Billy Morgan en el centro, y Alex en el extremo izquierdo. Habían arrancado los primeros acordes de You really got me, de The Kinks, cuando un chico que no se tomó a bien los uniformes se levantó de la platea y llamó a Manolo marica. El guitarrista tiró su instrumento, saltó encima del muchacho y comenzó a golpearlo sin cesar hasta que llegaron sus amigos y lo sacaron a rastras. A partir de ese incidente decidieron no tocar para cualquiera y jamás pisar otra matinal. Solo los escucharían los entendidos, los que pertenecían a su círculo, los que estaban conectados con ellos. Y no tenían miedo a quedarse sin público.

Ya eran un grupo de culto. Su música había cambiado radicalmente. Todas sus versiones tenían arreglos propios. La química inmediata les otorgó una comunicación mental indistinguible de la telepatía. Su conexión se volvió absoluta. Hacían lo que querían. Incluso tenían una canción con una sola nota a la que le cambiaban los acordes. A veces se reunían a tocar, Manolo hacía un jam, Billy le improvisaba una letra y al siguiente ensayo ya tenían una canción. Alex cambiaba el ritmo cuando quería y la canción sonaba diferente dependiendo de la ocasión. Hacían música sin limitaciones y el placer era tan grande que no estaban pendientes de cualquier equivocación. Cada instrumento por separado parecía estar tocando una canción distinta, pero todos ensamblados alcanzaban una nueva dimensión. Con una cohesión tan sólida, solo ensayaban cuando iban a sacar un nuevo tema. Normalmente lo hacían en las casas de las chicas que eran sus fans. Ya habían llegado a las estrellas. Tenían todas las herramientas para sonar bien. Usaban, por ejemplo, un sistema Guyatone, de Japón, y amplificadores de 100 watts estereofónicos con dos cajas de cuatro o doce pulgadas celestion speakers, que compraron con los ahorros de sus bolos.

LAS CHICAS MÁS LINDAS Y LOS CHICOS MÁS MALOS
Principia aquí su temporada como el grupo de rock más exclusivo de Lima. Todos se pasaban la voz pero solo los conocidos podían entrar a sus fiestas. Los demás, por su parte, solían colgarse de las paredes, y esto está comprobado. No paraban con ninguna otra banda pero los rodeaba un núcleo fijo de amigos que eventualmente los ayudaban como plomos. Tocaban en las fiestas de los colegios pitucos, en las reuniones de la aristocracia, en el Lima Cricket Club, en Los Cóndores de Chaclacayo e incluso en embajadas. Su público femenino eran chicas del San Silvestre, Roosevelt, Villa María, Santa Úrsula y otros centros de estudio similares. En cuanto a los hombres, eran normalmente chicos maleados de familias con poder. La pandilla de los Gatopardos, por ejemplo, eran fijos, y a veces se armaban peleas enormes. Pero ellos, desde el escenario, se enrollaban con la música y se alimentaban de todo lo que flotaba en el ambiente. Una vez, por ejemplo, estaban tocando en el colegio Villa María con toda la multitud en pleno gritando los coros de una canción que ya se había prolongado varios minutos. Cuando se detuvieron, la gente la seguía cantando. Al no poder empezar otro tema, volvieron una y otra vez sobre el mismo coro, expandiendo la música como si fuera un mantra. Parecía que nunca iban a terminar. Y de hecho, continuaron hasta que se impuso el cansancio físico.

Solían tocar durante cinco horas con breaks de quince minutos. Tenían un repertorio de ochenta y dos canciones, todas memorizadas, hasta el punto de que jamás utilizaron track lists. Manolo o Billy decían: “esta va”, y un segundo después sonaban los primeros acordes. Tocaban las canciones siempre de modo distinto y de acuerdo al ambiente, cambiando indistintamente la música o la letra. El virtuosismo de Manolo era cada vez mayor y sorprendía a todo el mundo. A veces, en medio de un solo, cinco muchachos se paraban enfrente con la boca abierta, casi como diciendo: y qué pasó aquí.

A principios de 1968 comenzó a funcionar el club Galaxy, luego llamado Tiffany, que inmediatamente se convirtió en el templo de la psicodelia nacional. Sólo dos bandas llegaron a tocar en este escenario: Los Mad’s y Traffic Sound, que se intercalaban viernes y sábados. El Galaxy fue el altar donde el público rockero más exigente los canonizó. Influenciados por su propuesta ácida y refinada, muchos decidieron emularlos cantando composiciones propias en inglés. Sin embargo, un acontecimiento capital iba a cambiar el destino de Los Mad’s impulsándolos aún más allá.

A VECES UN GRAN IMPULSO
El 15 de enero de 1969 Mick Jagger y Keith Richards, acompañados por sus respectivas parejas, Marianne Faithfull y Anita Pallenberg, arribaron al aeropuerto Jorge Chávez con la intención de realizar una breve visita turística. La finalidad del viaje era aliviar las fuertes tensiones que estaba experimentando el grupo por sus problemas con la ley y la inminente expulsión de Brian Jones. Sin embargo, la recepción que encontrarían en Lima tampoco sería muy amable. Su atuendo desaliñado, según los cánones de la época, provocó su inmediata expulsión del hotel Crillón. Tuvieron que refugiarse en el Bolívar, donde Mirko Lauer les hizo una entrevista para Caretas. La prensa de la ciudad, en general, dio una amplia cobertura que brilló por su moralina, provincianismo y falta de objetividad.

Una noche, mientras se encontraban tocando en un concierto al aire libre en Ancón, los Mad’s escucharon desde el escenario que Jagger y Richards estaban en el público. No pudieron conocerlos. Se armaron seis broncas sucesivas en la audiencia, por lo que decidieron no moverse y seguir con su presentación, acostumbrados a los disturbios que normalmente causaban sus actuaciones.

Una semana después calentaban en el Galaxy esperando que su inspiración fuera creciendo poco a poco. Cuando el local se hallaba repleto de bote a bote y ellos habían alcanzado el punto más iluminado de su recital, alguien les anunció que los Stones estaban entre el público y los señaló apoyados en una esquina. Al terminar el set, Jagger y Richards se aproximaron y hablaron con Manolo. Les había gustado su música. Los querían en Inglaterra. Se ponían a su disposición. Imposible negarse.

Iban a comenzar una carrera en las ligas mayores. Se dedicaron a preparar no tanto un viaje como una mudanza. Sus familias apoyaron su decisión basados en la incertidumbre que les provocaba las reformas de Velasco. Organizaron su despedida en el auditorio del colegio Santa Úrsula. La actuación se realizó el jueves 18 de diciembre de 1969. Las cámaras de televisión, después de algunos años, volvieron a estar presentes. Contra la costumbre, el grupo decidió grabar la presentación. Subieron con sus uniformes negros con camisas blancas con bobos y ejecutaron una presentación impecable. En el intermedio regresaron a los camerinos y se pusieron ropa de calle para hacer de la despedida un evento más informal. De pronto, alguien tocó la puerta. Entraron sus amigos, acompañados por un norteamericano al que, hurgando en la memoria, reconocieron como uno de los actores de Rebelde Sin Causa y Easy Rider. Era Dennis Hopper, quien se encontraba en el Perú trabajando en la producción de The Last Movie, filme maldito que determinó una larga pausa en su carrera como director. El actor los saludó y los felicitó. Le había gustado su música. Lo invitaron a que dijera algunas palabras al público, que lo reconoció enseguida. Hopper habló por el micro y presentó la segunda parte del espectáculo. El sábado 20 de diciembre tocaron en el Tiffany. Sería su último concierto en Lima. A las pocas semanas Manolo y Macedo estaban en Londres esperando luz verde para que se les unieran los demás miembros de la banda.

A principios de 1970 Alex se encontraba en la casa de su amiga Cece de la Fuente, que le daba lecciones de inglés, cuando Manolo lo llamó por teléfono desde la oficina de Marshall Chess, encargado del management de los Rolling Stones para Estados Unidos, para decirles que querían que fuesen inmediatamente. La verdad, no imaginaban que los llamarían tan pronto. Billy y Alex partieron sin dudarlo, llegaron a Londres en el mismo avión y fueron recibidos en el aeropuerto por Manolo y el baterista. Ya reunidos, los cuatro amigos se dirigieron al estudio de los Rolling Stones en Bermondsey Street, cerca de la estación de Metro de Waterloo, donde hicieron una audición frente a unos impresionados Marshall Chess y Trevor Churchill, quienes emocionados con su sonido les dijeron que iban a invertir en ellos miles de libras. Se la tenían que tomar en serio. Comenzaron a ensayar todos los días mañana y tarde en una sala donde tenían todas las herramientas a disposición. Encontraron en un rincón el órgano de los Procol Harum y un armonium, instrumento que trabajaba con cintas y que era usado para hacer efectos psicodélicos. El nuevo ambiente los hizo evolucionar una vez más. Manolo se volvió un compositor prolífico y sus canciones cambiaron el sonido del grupo que, por contigüidad semántica sugerida por Marshall Chess y Trevor Churchill, pasó de llamarse Mad’s a Molesto.

Estaban en el centro de la movida de aquel Swinging London crepuscular. Los cuatro músicos se mudaron a un apartamento en un tercer piso ubicado a tres cuadras de Picadilly Circus, en Shaftesbury avenue, la calle donde estaban las mayores tiendas de instrumentos musicales de Londres. Se insertaron rápidamente en la escena. Tocaban en el Lyceum y en el Roundhouse teloneando a los Rolling Stones. Sus maestros, The Kinks, se presentaban en un club a la espalda de su casa. Solían visitar a Elton John. Paraban con los ex Cream Jack Bruce y Ginger Baker, a quien Alex encontró un día inyectándose cocaína en su bañera. Mitch Mitchell y su esposa eran fijos en sus reuniones. Los jams estaban a la orden del día. Manolo solía tocar con Steve Winwood y Brian “Blinky” Davison, el baterista de The Nice; Billy Morgan lo hizo con Jeff Beck y Carmine Appice. También recibieron la visita de una docena de fans peruanos que los había seguido para continuar la aventura. El más destacado, Wayo Salas, ex gatopardo y futuro campeón de karate, vivió un tiempo con ellos.

Entonces se presentó la gran oportunidad. Marshall Chess les consiguió un contrato para tocar en el Isle of Wight Festival, compartiendo escenario con, entre otros, Taste, Lighthouse, Chicago, Family, Procol Harum, Cactus, John Sebastian, Joni Mitchell, Miles Davis, Ten Years After, Emerson, Lake & Palmer, The Doors, The Who, Sly and The Family Stone, Free, Jethro Tull, Donovan y Jimi Hendrix, quien había sido una de sus mayores influencias y daría en esa oportunidad su último concierto antes de morir.

El festival se desarrolló durante cinco días, del 26 al 31 de agosto de 1970, ante una audiencia aproximada de seiscientas mil personas. Los llevaron por todo lo alto en un carro de la Segunda Guerra Mundial que se había usado para transportar cadáveres de soldados y que para la ocasión había sido tapizado con alfombras. Se ubicaron en el backstage, en una amplia zona cercada donde dormían con los demás músicos. Tenían todo preparado, desde las canciones hasta la ropa. Debían tocar el tercer día en el mismo grupo que Ossibisa, una banda de afrobeat con más de quince miembros. Poco antes de que les tocara subir, los encargados de la organización les anunciaron que había overbooking. Como Ossibisa tenía más tiempo y en comparación ellos eran nuevos en la escena inglesa, no pudieron subir al escenario.

HACIA EL GRAN SILENCIO
Les esperaban peores noticias. No habían tocado en Wight pero el grupo estaba sonando mejor que nunca. Su repertorio estaba constituido por material propio. Lou Reizner, el productor de los primeros discos de Rod Stewart y manager de Mamma Cass, los llamaba insistentemente para trabajar con ellos. Pero algo pasó. Uno de los integrantes se metió en dos problemas seguidos con su visa, que ya había caducado, y tuvo que regresar al Perú. Se habían quedado sin un miembro. Y para un grupo con su nivel de química eso era una tragedia. Pese al contratiempo, no se desanimaron y buscaron soluciones. El baterista de Procol Harum, que tocaba en la misma sala de ensayos y los escuchaba continuamente, les propuso integrarse, no como reemplazo, sino de forma permanente. Con esta novedad, fueron donde Marshall Chess y Trevor Churchill para anunciarles que el impase había sido solucionado. Chess replicó exigiendo un baterista peruano, ya que de lo contrario estarían rompiendo la imagen del grupo. Siguieron intentando. Hicieron multitud de llamadas por teléfono pero no pudieron encontrar a ningún baterista peruano en Inglaterra. En medio de ese trance, Manolo viajó a Amsterdam y, por pura casualidad, entró a un club de jazz donde estaba tocando Manongo Mujica, joven percusionista que se encontraba estudiando en Europa. El guitarrista le habló, le vendió el proyecto y lo convenció para que lo acompañara a Londres.

De nuevo se pusieron a ensayar desde la mañana hasta la noche y ahí comenzó a notarse el desbalance. Manongo entró al grupo con un oído de jazz y una técnica increíble. Ya con el nuevo baterista, el manager les encargó algunos demos para mandar a diferentes clubes y facilitar las contrataciones. Les prestaron la Rolling Stones Mobile -que fue el primer estudio móvil completo acondicionado en un autobús y que se usó para grabaciones en vivo de varios grupos, entre los que destacaban Led Zeppelin, Deep Purple y Bob Marley. También les cedieron Stargroves, el castillo de Mick Jagger, donde hallaron una sala de grabación muy completa y atestada de instrumentos. Registraron cuatro canciones, de las cuales desecharon una. A su regreso a Londres hicieron algunas presentaciones en el Roundhouse, en el Speakeasy y en el Marquee.

A fines de 1971, cuando apenas tenían veinte o veintiún años, decidieron colgar las guitarras. Con la nueva formación las vibraciones habían cambiado. Las diferencias musicales eran demasiadas. Pese a que los managers estaban a la expectativa, ya no era lo mismo. La cabeza les decía una cosa y el corazón otra. Tocaban muy bien pero no se sentían satisfechos. La separación fue una decisión colectiva tomada en base a la incertidumbre. Todos se pusieron a trabajar o estudiar. Alex y Manolo se quedaron en Inglaterra para hacer su vida. El primero fue el único que no siguió tocando; Manolo, en cambio, nunca salió de la música. Billy Morgan, por su parte, viajó a Estados Unidos y se dedicó al negocio inmobiliario, aunque nunca dejó de lado la música. En 1973 regresó a Perú y ayudó a Zulu –quizás el mejor cantautor de la época– en su primer y único disco. Y luego, se los tragó el olvido. Nadie volvió a escuchar nada de ellos durante cuatro décadas. Pero este año las cosas prometen cambiar.

El sello Repsychled Records está trabajando en la edición de un CD con la música inédita de Los Mad’s, tanto aquella grabada en el Perú como en Inglaterra. Es casi seguro que se incluirá algún tema en concierto de su despedida en el Santa Úrsula o en el Galaxy. Los peruanos podremos confirmar, entonces, el nivel musical avanzadísimo de la mayor banda de culto salida de las canteras del rock nacional. Tengan cuidado, los locos han regresado y están más molestos que nunca.

Publicado en junio del 2011 en la revista Dedo Medio

Los Dacios

2011-06-14T15:24:00.000-07:00

Los Dacios del Callao

Por Baúl de los recuerdos

Grupo Chalaco fue conformado por Juan Urbina (primera guitarra), Dani Gutierrez (guitarra ritmica), Pochi Agostini (bajo electrónico), Cali Alcantara (batería), Dino Dell (cantante).

El conjunto los Dacios se formó en el Colegio América del Callao (Callao High School), a principios de 1967. Sus integrantes originales son amigos de toda la vida, ingresaron juntos al colegio a los 6 años y estudiaron allí hasta terminar la secundaria. Unos vivían en La Punta y otros en San José.

El conjunto se inició con Juan Urbina, primera guitarra, Dani Gutiérrez, guitarra rítmica, Pochy Agostini, bajo eléctrico y Cali Alcántara, batería. Se iniciaron tocando instrumentales con el nombre de los Tarks, en el año 1966. Dani y Pochy tocaban también piano. A principios de 1967, Dani lleva un amigo al grupo: Dino Dell. Dino era cantante y con su integración el conjunto cambió de nombre a Los Dacios.

El grupo participó en el concurso de la nueva ola que se llevó a cabo a mediados de 1967, en la plaza de Acho y finalmente en la Piscina Olímpica de Campo de Marte. En ese entonces todos cursaban el 5to. año de secundaria y tenían 17 años. Como anécdota, recordemos que las hermanas de los Dacios formaron el primer conjunto nuevaolero femenino: Las Demis, integrado por Isi Gutiérrez, primera guitarra, Cana Agostini, batería, Pochi Alcántara, guitarra rítmica y JJ Urbina, bajo electrónico. Las Demis también participaron en el concurso mencionado.

Los Dacios fueron uno de los ganadores del concurso e inmediatamente después grabaron su primer 45 para el sello APOLO: Corazón de Papel y No la toques más, canciones que tuvieron mucho éxito. El segundo 45 fue Ritmo de la Lluvia y Amigos y Novios y el tercero: Sé que jamás volverá y España a go-go (instrumental).

El grupo tocaba en las matinales todos los domingos y en todas las funciones del colegio. Trabajaron en el Canal 4, América Televisión, y posteriormente en el Canal 5, Panamericana Televisión.

Las matinales fueron una experiencia inolvidable. Los Dacios aún recuerdan las largas colas que tenían que formar los conjuntos para tocar. Los grupos en ese entonces tocaban en varias matinales durante un domingo. El tiempo de espera era compensado con la oportunidad de conocer otros grupos y hacer amistades que aún hasta hoy perduran. La juventud que participaba en las matinales era alegre, transmitían energía y se divertía sanamente.

Posteriormente son contratados por la disquera MAG donde graban el long play: Momentos, que tiene 12 temas. Algunos de estos temas son composición de miembros del grupo, como Me gusta esa muchacha y Qué piensas del amor, este último tema con música de Dani Gutiérrez y letra de Dino Dell.

Al terminar el año 1967, la promoción se gradúa y las cosas cambian radicalmente para el grupo y sus integrantes. Cali Alcántara viaja a estudiar Administración de Empresas a Estados Unidos a principios del año 1968. Este cambio afectó mucho al grupo, era el primer miembro original que partía. Fue reemplazado por Kike Trujillo. Un año después, en 1969, se retira Dani Gutiérrez por motivo de estudios. El estaba cursando en ese entonces el segundo año de medicina en la Facultad de San Fernando. Los estudios no le permitían atender las cada vez más demandantes actividades musicales del grupo. Dani fue reemplazado por Henry Curay. En 1971, Dino se casa con Camucha Negrete y se retira del grupo para iniciar su carrera como solista. Aunque el grupo siguió tocando algún tiempo más, con la salida de Dino el conjunto los Dacios prácticamente llegó a su fin.

Fueron 5 años fascinantes de una época linda que vivió el Perú: la nueva ola. Lindos recuerdos que permanecerán en todos los integrantes de los Dacios y en la juventud de aquella época.

A pesar que la mayoría de los Dacios originales viven fuera del Perú, se reúnen frecuentemente y están comunicados en forma permanente, recordemos que son amigos desde niños. La promoción 1967 del Colegio América, a la que ellos pertenecen, también contribuye a esta unión. En forma oficial, la promoción 67 se reúne cada 5 años para conmemorar su graduación. En la promoción están sus más grandes admiradoras y sus amigos y amigas más queridos.

¿Qué fue de sus vidas? Dino es empresario y propietario de Cantares, local musical ubicado en Miraflores, donde canta los fines de semana en compañía de su esposa. Cali es empresario, vive en Las Vegas, USA, y tiene también una empresa en el Perú, por este motivo visita el país frecuentemente. Dani es médico, actualmente vive en Washington DC, Estados Unidos, donde trabaja en la Organización Mundial y Panamericana de la Salud. Juan es ingeniero pesquero y trabaja en el Perú. Pochy es empresario y trabaja en Canadá.

Los Dacios envían un saludo cariñoso a toda la juventud de los 60s del Perú, a esa juventud que se divertía sanamente los domingos en las matinales y salió adelante a pesar de los tiempos difíciles que vivimos. Asimismo, agradecen a Baúl de los Recuerdos por la brillante idea de hacer una página para recordar esta época dorada de la música nacional y felicitan a Luis Miguel Calderón, su creador.

¡Hasta siempre!

Dino, Juan, Dani, Pochy y Cali

Publicado en el blog Baúl de los recuerdos

Beat a Go Go... Cusco Freak

2011-06-11T10:51:00.000-07:00

Los Espectros del Cusco

Por Arturo Vigil

Desde el Cusco, salidos de las ruinas milenarias de Machu Picchu, los fantasmagóricos Espectros llegaron a Lima para alborotar en las matinales. Los Espectros se dieron a conocer en el año 1967.Lo integraban Julio Garay, Freddy Montesinos y Leoni Pantigoso, quien formó después Los Diabólicos, Mano Roja y El Trébol. Se desconocen los nombres de los demás integrantes y que rumbos tomaron después de la disolución del grupo.

Los Espectros tocaban en los patios de los colegios, como el colegio Ciencias del Cusco, así como en el Estadio Garcilazo de la Vega y, entrando ya a los setenta, en el Kusicancha, cuando recién se inauguraba. “Los conciertos tenían una mística distinta a la de ahora, no se contaba con la tecnología y en realidad se tocaba muy artesanalmente: batería simple, guitarras, bajo, pequeños amplificadores, con escasos efectos”, declara Leoni Pantigoso, quien recuerda que en el Cusco se realizaron conciertos acústicos, cuyo sonido era mucho más dulce y agradable que los electroacústicos. En esos eventos los grupos tocaban en pampas peladas luego de cercar el escenario, se empleaban instrumentos de percusión como las congas y baterías pequeñas, y en vez de usar micrófonos, se cantaban con bocinas.

El tema más conocido de Los Espectros en Lima fue el single “Dolor se paga con dolor”; hicieron versiones instrumentales de conocidas canciones del folclor nacional, como “Cuando el indio llora” y “Ollantay”, que fueron incluidas en el único LP que se conoce de este buen conjunto.

Publicado en el fanzine Sótano Beat número 1 (2001)

El final de Los Incógnitos (Parte2)

2011-01-24T07:58:00.000-08:00

Primero fueron Los Gatos Corbata, luego fueron Los Incógnitos.

Por La Rockola

Las giras
El grupo de moda de finales de los ’60 y primeros años ’70 para los jóvenes en Arequipa eran “LOS INCÓGNITOS” que originalmente se llamaron “LOS GATOS CORBATA”, pero cambian su nombre a sugerencia de un productor del sello Odeón, donde graban su primer disco.

La efervescencia juvenil que generaban LOS INCÓGNITOS hizo que fueran contratados para varias presentaciones en el sur en lugares como Puno, Cusco, Moquegua, Ilo y Mollendo, además de ser teloneros en las presentaciones masivas que dieron en nuestra ciudad Los Iracundos, así como Los Blue Splendor y Los Átomos de Chile.

El duelo trunco
Para mediados del ’69 un sintonizado programa de radio Arequipa llamado “Los Amigos de la Música” que conducía el adolescente Rubén Darío Revilla decide hacer un duelo entre los dos grupos de moda de la ciudad y con el auspicio del diario ECO optan por solicitar cartas de los oyentes para decidir al ganador.

Un titular del 23 de julio de ese año del referido periódico señalaba “Los Incógnitos cuentan con 840 votos. Los Texao 520”. Las cartas siguieron llegando y al generar tanto alboroto en la radio, optan por poner otro buzón en el diario que se ubicaba en la calle Moral 108. Pero al final el grupo de los hermanos Duran denunció fraude y no se presentaron en el concierto que se había programado para el domingo 27 de julio. “Unos amigos me contaron que vieron a los propios integrantes de Los Texao, llevando una bolsa llena de cartas. No me pareció justo y por eso no actuamos”, recuerda molesto Augusto Duran, compositor y primera voz incógnita.

El último disco
Para 1970 y con grandes perspectivas deciden grabar un segundo disco de 45 con las canciones “Oh Delita”, una balada con una marcada presencia del teclado y “Siempre te recordaré” una mezcla de incipiente rock and roll por la guitarra y ritmo a go-go con coros femeninos.

Sin embargo, al poco tiempo el suceso de LOS INCOGNITOS fue apagándose. Primero debido quizás a los efectos del gobierno militar del general Juan Velasco Alvarado, que influyó para que toda expresión cultural sea nacionalista, dejando de lado lo que se consideraba alienante. Así poco a poco los programas de radio empezaron a variar su programación y optan abiertamente por la nueva ola y la música criolla.

Pero el factor determinante fue el hecho que el líder y compositor decide viajar a los Estados Unidos para estudiar inglés en 1973, dejando prácticamente sin el elemento principal al grupo. Sin proponérselo, la partida de Augusto Duran significó la partida de defunción para LOS INCÓGNITOS.

El final
De los integrantes se sabe que “Quique” Astete, luego formaría otro grupo local de antología: Los Free Love y ya en tiempos más actuales animaría varias fiestas con su orquesta PALO SANTO. En la actualidad radica en los Estados Unidos y ocasionalmente regresa a la ciudad. Hegel Álvarez se convirtió en empresario gastronómico y desde hace un buen tiempo su sede es Cusco. Carlos del Carpio, con el tiempo se dedicó a la educación e inclusive llegó a ser director de un colegio del cual esta jubilado.

Los hermanos Duran aún permanecen juntos y en su eterno local de Tristán 207 continúan viviendo del arte. Gilber, quien estudió en la Escuela Regional de Música (hoy Luis Dunker La Valle) enseña guitarra y órgano, mientras que Augusto se ha convertido en profesor de idiomas, pero se resiste de abandonar la música y constantemente en su cerebro se entremezclan la realidad y la fantasía por volver a tocar y gozar de la fama del pasado. Años de esplendor en los que él y sus amigos nunca fueron unos incógnitos.

Publicado en el blog La Rockola

Los Incógnitos y su ritmo a Go Go (Parte1)

2011-01-24T07:28:00.000-08:00

Primero fueron Los Gatos Corbata, luego fueron Los Incógnitos

Por La Rockola

El inicio de Los Gatos
Se dice que los sesenta musicalmente hablando fue la década prodigiosa. Arequipa no fue la excepción y vivió como toda ciudad importante un movimiento cultural de tan buen nivel, que aún en la actualidad no se puede superar.

Corría el año 1968 y varios adolescentes entusiastas decidieron formar grupos musicales en respuesta a los ritmos clásicos y de salón de sus padres. Una de esas primeras formaciones fueron sin duda LOS GATOS CORBATA, con un éxito inmediato gracias al apoyo de los programas de radio, televisión y prensa escrita de la época que les desplegaban amplia cobertura.

El grupo originalmente era un cuarteto integrado por los hermanos Augusto Duran Álvarez (1ª voz, segunda guitarra y compositor), y Gilbert Duran Álvarez (1ª guitarra y coros), un primo de ellos de nombre Hegel Álvarez Gamero (batería) y Carlos del Carpio Rodríguez (bajo), quienes le deben su nombre a la corbatita que usaban siempre los músicos en sus actuaciones. Así llegaron hacerse de una legión de admiradores mayormente conformada por chicas que alborotadas los seguían por todas partes.

La "Incognitomanía"
En esos años los conciertos se realizaban en los cines de la ciudad aprovechando los intermedios de las películas. Avisos de los periódicos de la época dan cuenta de ello, siendo los desaparecidos cines Fénix, Danubio y Benique, los preferidos. “No pagaban mucho en realidad, pero esos conciertos nos permitían estar en contacto con nuestros fans y ser cada día más conocidos”, recuerda el fundador Augusto Duran.

La fama de LOS GATOS CORBATA era tal que prácticamente se convirtieron en los engreídos de las páginas de espectáculos de periódicos como El Pueblo, la sección “Candilejas” de Correo y “Mundo Juvenil” del olvidado diario Eco, lo que fue ratificado con varias presentaciones en el sintonizado programa de variedades de Televisión Continental llamado “Ritmo en el 6”, y por ello al poco tiempo deciden ir a Lima para grabar su primer disco.

El Gato se vuelve Incógnito
Para mediados de marzo de 1969 una vez en la capital buscan varias disqueras y al final son contactados por el sello Odeón, y con ellos graban su primer 45, pero por una cuestión de marketing la disquera los rebautiza como LOS INCOGNITOS y con ese nombre regresan triunfales a la ciudad.

En el lado A graban el éxito “Ya será tarde” una sentida balaba que rompía corazones y en el reverso “Te amé a primera vista” de ritmo a go-go. El disco llegó a Arequipa tres meses después y fue todo un suceso al punto que prácticamente se agotó de las tiendas. Una muestra de ello es la reseña del diario Eco en su edición del 16 de junio de ese año que indicaba “Hace apenas pocos días que este acetato se encuentra a la venta en las discotiendas de nuestra ciudad, sin embargo, la venta es extraordinaria”.

Un nuevo Incógnito
LOS INCÓGNITOS participarían luego de un gran festival nuevaolero donde se llevaron el aplauso de un auditorio que colmó las instalaciones del Teatro Municipal, que fue cedido gentilmente por el alcalde de ese entonces don Alfredo Corso Masías, que a la par con los nuevos ritmos promovía este tipo de presentaciones desde la municipalidad. A partir de ese momento y para las futuras presentaciones el grupo se volvió quinteto al llamar a “Quique” Astete, quien se ocuparía de los teclados y de dar ese aire psicodélico a la banda.

Con el nuevo integrante se amplía el abanico de opciones musicales de la banda y por ello un concierto de “LOS INCÓGNITOS” incluía verdaderos hits de la época con temas clásicos de grupos argentinos del ‘68 como “El extraño de pelo largo” de “La Joven Guardia” (y que muchos años después reactualizarían Los Enanitos Verdes), “Viento dile a la lluvia” de “Los Gatos”, “Trotamundos” del italiano Nicola di Bari, “Cuéntame” de los españoles “La Fórmula V” y varios temas de uruguayos “Los Iracundos”, para cerrar con broche de oro con sus temas propios.

Publicado en el blog La Rockola

Los Golden Brass

2011-01-15T07:59:00.000-08:00

Por Victor II Flores (Integrante de Los Golden Brass)

El grupo "Los Golden Brass" se formó a mediados del año 1967. La idea nació de su director y primera trompeta Carlos Tapia. Los integrantes fueron reclutados por Carlos Tapia, quien ya era fogeado en el ambiente de la música; su pasión por la música nació desde muy temprano por que asistió al Conservatorio de Música desde muy joven.

Se reforzaron sus talentos con la influencia de la era de los "Beatles" y otros grupos y solistas extranjeros de esos tiempos. Carlos convenció al resto del grupo de que había un vacío en nuestra música nuevaolera y ese espacio lo podíamos llenar nosotros con originalidad. El comienzo fue dificultoso ya que no teníamos los medios para comprar los instrumentos. El entusiasmo rebalsaba y el sueño era muy grande para dejarlo morir temprano.

Carlos Tapia y yo (Victor II) eramos grandes amigos y solíamos pasar la noches haciendo música, en forma rudimentaria, tocando un tamborcito indio que compramos en "la feria del Porvenir" y una guitarra de madera con cuerdas de palos comprado en la Parada de la Victoria por la hermana de Victor II. La imaginación y los sueños eran mas poderosos que nuestros instrumentos. Mas tarde se unieron Walter Fuentes y Carlos Wong y ya el grupo comenzaba a sonar mas solido, pero todo esto con guitarras acusticas baratas y prestadas. Las practicas eran mas constantes y se llevaban a cabo en un bus abandonado en una calle de la Victoria.

Los sueños seguían creciendo y el deseo de tener los instrumentos musicales ideales tambien crecía pero no había dinero para adquirirlos, Carlos Tapia era el único que tenía un trabajo formal tocando en orquestas y gracias a su aporte fue posible comprar un bajo y una guitarra. Esto no era suficiente para salir al aire y necesitábamos de una oportunidad para lanzarnos. La gran oportunidad apareció cuando se organizó el primer "Campeonato a Go Go" en la Plaza de Acho. Seguíamos careciendo de instrumentos musicales y equipo de amplificacion; la generosidad del hermano de Hugo Oliva nos dió la oportunidad de presentarnos en este campeonato. Entonces con instrumentos prestados y uniformes prestados nos lanzamos a jugarnos la suerte.

Esta fue una oportunidad que no desperdiciamos, ese mismo día ya teniamos contratos para actuar en otros lugares: esto nos permitió comprar un amplificador y batería.
Nunca llegamos a tener un equipo de sonido completo, a tal extremo de que unas de nuestras primeras grabaciones "El Arpa" y "Si me recuerdas" se hicieron en forma directa y sin amplificación, con excepción de la primera guitarra.

Nombres de los miembros en 1967:
Carlos Tapia - Director y primera trompeta
Hugo Oliva - Segunda trompeta
Carlos Wong - Primera guitarra
Walter Fuentes - Bajo
Victor II Flores - Segunda guitarra y vocalista
Ernesto Rios - Bateria

Premios Ganados:
El Trofeo Triunfo de Guido Monteverde
El Microfono de Oro
Otros premios que no vienen a mi memoria

Presentaciones:
Canal 4, Canal 9, Canal 5.
Matinees los domingos, no muy frecuente.
Club Neptuno (Debajo del autocine en Lima-tambo) todas las noches.
Country Club el Bosque, Fiestas sociales y familiares.
Teatros en otras partes del Peru. Giras por el sur, centro y norte.
Comerciales de Pepsi cola, Te sabú etc.
Acompañamiento a cantantes internacionales, como "Manzanero"

Periodicos,entrevistas:
Ultima Hora, Ojo, Revista Ecran,
Otras emisoras de Radio y TV

Miembros en 1968:
Carlos Tapia
Roger Cielo
Carlos Wong
Walter Fuentes
Victor II Flores
Luis Allyson

Miembros en 1969:
Antonio Alzamora
Pedro Izaguirre
Carlos Wong
Walter Fuentes
Victor II Flores
Ernesto Rios

Miembros en Noviembre-Diciembre de 1969 antes de su desintegracion:
Carlos Tapia
Alejandro Rodriguez
Victor II Flores
Walter Fuentes
Ernesto Rios

Este grupo grabo el unico Long play titulado "El Exitante Sonido de Los Golden Brass" que fue lanzado antes de la Navidad del 1969.

45s rpm grabados para el sello Corona(en Sono Radio)
Lado A - La Mosca-Carlos Tapia
Lado B - San Francisco
El 45 que era mas solicitado y que identifico al grupo fue:
Lado A - El Arpa-Victor II Flores
Lado B - Si me Recuerdas-Victor II Flores
Lado A - El Rey Brass-Victor II Flores
Lado B - Sere Feliz-Victor II Flores
Lado A - Peluca Brass-Carlos Tapia
Lado B - Sonando Contigo-Walter Fuentes
Lado A - Mundo Maldito-Raul Vasquez
Lado B - Un tema de Walter Fuentes

Estas canciones fueron grabadas pero nunca salieron al aire. También grabamos con otros solistas del sello "Corona". Todos los integrantes, con excepcion de Victor, siguieron el camino de la música y triunfaron nacionalmente y también en forma internacional. Todos están en completo acuerdo de que la experiencia de "los Golden Brass" fue el trampolin que los lanzó a triunfar en el ambiente musical, incluyendo a Victor, que se envolvió en el mundo de los plásticos y siguio creando pero esta vez nuevos productos con aplicacion en el mercado de USA.

Todos los integrantes radican en Perú, con excepción de Victor II Flores. Cada uno de nosotros teníamos talentos originales y diferentes:
Carlos Tapia, el fundador, le dió confidencia, amalgamiento, afiatación y originalidad al grupo. Victor II Flores era creativo, soñador y balanceaba los temperamentos del grupo; Carlos Wong, el chico malo de la primera guitarra, era un chino ambicioso y oportunista; Walter Fuentes era un moreno agradable y de gran temperamento, un monstruo en el bajo. Ernesto Rios, el don Juan de la bateria, era un joven calmado e imponia su experiencia. Luis Allyson, uno de los mejores bateristas de nuestro país, era energético y llenaba de alegría y furor cualquier ambiente; Alejandro Rodríguez, calmado, profesional, enfocado, le daba magia a la música

Mensaje:

En primer lugar, damos Gracias a Dios por habernos dado el privilegio de unirnos y que con todos nuestros talentos y defectos hayamos podido amalgamar nuestros sueños y convertirlos en realidad. Damos gracias a todos aquellos que creyeron en nosotros y que con sus aplausos, comentarios, besos, abrazos y sonrisas nos alentaron para continuar cumpliendo con nuestro destino musical. Tuvimos el honor de ser parte de una era de turbulencia emocional que nos formó sólidos y honestos para continuar nuestras vidas en forma separada y dejar de que nuestras individualidades no hayan sido comprometidas y nos hagan hombres maduros en muchos aspectos de nuestras vidas. Era una época donde teníamos la cabeza llena de espuma y estábamos enamorados de la originalidad y viviamos emocionalmente embriagados.

Gracias por las dulces memorias y nada mejor que ahora, ponernos en el "Baul de Recuerdos". Mil gracias a ti Miguel, son pocos los que tienen la pasión por lo que estás haciendo. Pero recuerda, tú también estás entrando a ese "Baul de Recuerdos"

Amor y Paz para todo el mundo

Victor II Flores, Captain Qorimaqta

Publicado en Baúl de los Recuerdos

Los Golden Boys

2011-01-15T07:36:00.000-08:00

Por Richard Osores (Integrante de Los Golden Boys)

El grupo los Golden Boy’s fue formado por los hermanos Larrañaga Gustavo y Carlos ellos ya tocaban con Luis (Chacal)Alison, y Mario un exelente guitarrista que era la 1ra guitarra.Cuando sale este muchacho (Mario) Carlos Larrañaga me busca para integrar el grupo aparte que con Carlos estudiabamos en el mismo Colegio y esto ayudo mucho, ademas yo tocaba con un conjunto llamado Los Dakotas al mismo tiempo que existian los golden boys, dejo a los Dakotas gracias a la invitacion de Carlos y me paso a Los Golden Boys, Los Golden Boys lo conformamos de esta manera:Larrañaga Gustavo 1ea voz y segunda guitarraLarrañaga Carlos Bajo electronicoRicardo (Richard) Osores 1ra guitarraLuis (Chacal) Allison bateria(hermano del destacado músico de temas tropicales y salsero Mario Allison) Nuestro representante era el ya famoso actor Fernando Larrañaga, hermano de Gustavo y Carlos.nosotros aparte de tocar las canciones nada extraordinario seguramente era la simpatia que teniamos, emanabamos un sentimiento de conexion entre lo que haciamos y lo que recibia la gente, esto era parte de nuestros exitos, estudiabamos la forma de ser mas carismaticos posible, esto nos enseñaba Fernado el Manager, algunos pasos, un poco de movimiento, sonrisas , que debiamos hablar , como comportarnos, ensayos pesantes y rigurosos, fueron tres años de constantes ensayos y presentaciones, eramos un grupo muy popular , tambien ayudaba de que Fernando y sus hermanos Gustavo y Carlos eran ya bastante famosos como actores , esto en una forma ayudo a despegar al grupo muy rapidamente.La grabacion que efectuamos en 1964 con Los Golden Boy's que solo fueron 2 temas para Dis-Peru distribuidos por VIRREY y fueron los temas "No resisto Mas" y "Tema de Los Golden Boy's" en ese tiempo se registraba en un teatro despues de la ultima pelicula vale decir despues de las 12:00 de la noche en el cine Coloso del porvenir detras del telon ahora ese teatro ya no existe esa misma noche juntos con nosotros, grabaron Los Saicos su famosa cancion "Demoler" que tanto exito tuvieron.
DE GIRA AL EXTRANJEROCon Los Golden Boy's en 1965 fuimos contratados para viajar a Guayaquil. Debo contarles, que lo del viaje al Ecuador-Guayaquil, nos conecto un empresario Argentino, el señor Santiago Bo, que nos llevo a nosotros he incluso a nuestra gran cantante Ediht Bar de musica criolla.Era muy famoso en esa epoca al contratar grandes artistas, el nos vio en un programa de television TV 5 donde por suerte tambien esa noche lo presentaban a Mario Moreno “Cantiflas”, como tocabamos la musica de Los Beatles, quedo impresionado y esa noche fue nuestro padrino del grupo, en la Colmena en Lima en un Bar muy famoso en ese tiempo por la asistencia diaria de muchos artistas a dicho lugar, el Restaurant se llamaba "Mario", con nuestro representante que era ya famoso como actor Fernando Larranaga, hizo el contrato para irnos a Guayaquil.fuimos a un Balneario que se llama Las salinas en Guayaquil a un Hotel muy famoso en la epoca "El Miramar" en este Hotel, tambien se presentaba Enrique Guzman con Los Ten Top's y Cesar Costa,grandes artistas Mexicanos del momento y con muchos discos vendidos que todos conocemos, para nosotros fue muy enocionante poder alternar con ellos el escenario, esos tiempos aparte del repertorio que tocabamos eramos una copia de la musica de Los Beatles, creo que fuimos uno de los primeros grupos Peruanos si no me equivoco que salimos al extranjero para llevar nuestra musica de rock Peruano, luego las presentaciones fueron varias, en Teatro, al aire Libre y en el Canal 4 de Guayaquil, debo decir que obtuvimos bastante exito, y son exitos y aplausos que lo lLevo dentro de mi corazon, En algunas fotos que se muestran, esta el frente del Hotel Miramar en las Salinas , otras ensayando en el Dormitorio para la presentacion de la noche, afinando voces y ajustando acordes, nuestro debut fue apoteosico debo decir la gente quedo impresionada, nosotros tocabamos despues de Enrique Guzman, te imaginas? en realidad fuimos solo por una semana de actuacion pero nos quedamos casi un mes, yo tenia examenes en la universidad Federico Villarreal que me tenia que presentar para el programa de Derecho, por este motivo tuvimos que regresar.. Luego del regreso triunfal de Guayaquil, a los pocos meses el grupo se disolvio, Gustavo Larranaga viajo donde unos parientes a Bolivia, Cochabamba creo y luego tuvimos la mala noticia de su Muerte, lo trajeron a Lima y lo velaron en Miraflores en la calle Enrique Palacios que era la casa de Fernando, era la casa donde ensayabamos todas las noches a partir de las 6.00 mas o menos y terminabamos a las 2:00 de la mañana casi diario.

(Informacion proporcionado por RICHARD OSORES, Integrante de LOS GOLDEN BOY'S, LOS GOLDEN STAR'S Y ECUACIÓN)

Publicado en El Rincón Musical

Los Golden Stars

2011-01-14T21:06:00.000-08:00

Richard Osores...su paso por los Golden Boys y su consagración con los Golden Stars.

Por Arturo Vigil

Richard Osores, radicado mucho tiempo en Francia y después en Génova (Italia), estuvo hace muy poco en Lima y algunos no saben que desde 1964 formó parte de los Golden Boy’s, donde tuvo entre compañeros al destacado baterista Luis “Chacal” Allison como también a los hermanos Larrañaga, con quienes grabarían su único single con los temas "No resisto más" y "El tema de Los Golden Boy’s.
Sabido es por algunos amantes del beat nacional que ellos grabaron en el cine Coloso de La Victoria, en horas de la madrugada, momentos después que lo hicieran los disparatados Saicos; es decir, en esos días que se daba forma a canciones tan maravillosas como Lonely Star, Demolición, etc.
Los Golden Boy’s son convocados para participar tiempo después en un musical de la película peruana-mexicana llamada La Venus Maldita, en esa misma época realizarían una pequeña gira a Quito (Ecuador). Osores recuerda con nostalgia esos años fantásticos que le tocó vivir y se expresó textualmente de los sesentas como una “Década hermosa y revolucionaria con la música de los Beatles”. Pero lamentablemente, tuvo que dejar repentinamente a los Golden Boy’s; porque ya se hacía insoportable la convivencia con los demás integrantes de la banda, ya se anunciaba la separación y el fin de la agrupación.
Corrían los primeros meses de 1966 y nacerían los Golden Star’s siempre con Richard Osores en primera guitarra y en esta nueva aventura lo acompañarَían Jorge Ponce, Carlos Risco y Gilberto Guzmán, quienes dieron un espectacular sonido al grupo, empleando el órgano electrónico que les dió la distinción característica a la música de este conjunto. La revista Ecran en su sección Carrousel a Go Go decía: “Jorge Ponce, organista de los Golden Star’s es considerado entre la juventud peruana como el mejor organista nuevaolero. Su éxito se debe al continuo estudio y ensayo de las piezas que ejecuta”.
La banda logra registrar en el sello FTA clásicos como "Pasto Verde" (tema original de Trini López), "Ángel "(canción empleada para una publicidad televisiva), "Por qué "(de los Dave Clark Five), "No quiero enamorarme", el meloso "Alto en nombre del amor "(de las Supremes), "Nunca", algunos singles más y un 33 RPM.
Las presentaciones en las matinales se daban todos los fines de semana y son invitados al Festival de Trujillo, donde fueron presentados espectacularmente por el ya fallecido David Odría. Pero no todo sería felicidad ya que el grupo vivió momentos difíciles y así la revista Ecran titulaba y describía la situación:
“Los Golden Star’s vivieron 30 segundos de terror…venían del Country Club El Bosque, donde habían tenido una hermosa presentación. Todos estaban en un microbús. A cien metros del puente Los Angeles el vehículo se detuvo. Tenía un desperfecto. Richard Osores, Gilberto Guzmán, Jorge Ponce y Carlos Risco se entretuvieron conversando. Algunos prendieron un cigarrillo, otros comenzaron a entonar una canción. Todos esperaban que la marcha se reanudaría, porque tenían un compromiso pendiente con la boite Embassy” y después “si, el microbús estaba destrozado, la batería de Risco se había hecho pedazos. Un amplificador y la guitarra de Osores estaban totalmente destruidos. Cien mil soles de pérdida, sin contar golpes y hematomas. O sea, un susto de padre y señor mío”.Momentos díficiles y duros...
La televisión, en esos años, fue el principal medio para la promoción de los grupos y en el antiguo Canal 4 destacaron en un conocido programa juvenil, además que ellos mismos interpretaban la cortina musical de dicho programa.
Dentro de los innumerables méritos de este conjunto está la premiación que recibieron de la Cacodispe (Cadena de Comentaristas de Discos del Perú) además del Naylamp, Radio El Sol, entre otros. Una época se iba y ya entrábamos definitivamente a los setenta. Osores formaría Ecuación Púrpura con Tito Rojas (ex vocalista de Los Silverston’s), la música de Carlos Santana los influenció, con la preponderancia del ritmo y percusión de sonido latino.
Y es de esta manera que hemos querido rendir un homenaje a uno de los músicos peruanos de rock muy poco conocidos, pero por el contrario súpervalorados por nuestro Sótano Beat de siempre.

Publicado en Fanzine Sótano Beat

Agosto en la memoria

2011-01-14T15:57:00.000-08:00

Por Gerardo Manuel

Un repaso a la historia de cómo hace 40 años apareció el mítico álbum "Apocallypsis" de Gerardo Manuel y El Humo.

Antes de comenzar quiero mandarles un gran saludo por las pasadas Fiestas Patrias, espero que hayan disfrutado de ese bien merecido descanso de medio año. Como les conté en notas anteriores he dedicado mis últimos ratos libres a ordenar la gran cantidad de material musical que he acumulado a lo largo de casi 50 años. Y nuevamente les pido licencia para ponerle un toque muy personal al blog porque no podía dejar pasar las fechas importantes de este mes (todas han sido solo producto de la casualidad o la coincidencia). Comencemos con la primera semana de este mes, porque entre el 6 y 7 de agosto de 1970 se graba el primer álbum de un grupo de rock experimental en el Perú. Al formar parte de este “experimento” quiero contarles todo lo que ocurrió previa y posteriormente con lo que la memoria alcance al haber transcurrido los primeros cuarenta años del hecho.

A comienzos de 1970 recibí la noticia de la implementación de equipos de grabación para la nueva sala de la fábrica de discos El Virrey, lugar donde yo trabajaba como funcionario en la parte internacional. Mi trabajo consistía en la supervisión del lanzamiento en el mercado peruano de los productos de los sellos internacionales cuyas licencias estaban en manos de la empresa. Además, cuando se presentaba el caso, programaba los lanzamientos de las producciones hechas localmente en el género del rock.

Cuando se produce el arribo del equipo, llega con él un ingeniero alemán de grata recordación entre nosotros por las enseñanzas que dejó. Gerd Nieckau era la persona más amable que se pueden imaginar, su avanzada edad no coincidía con su agilidad mental y sus ganas de hacer las cosas a la hora de trabajar. Cuando ya estuvo instalado como se debe, me invitó a participar en el proyecto de ajuste acústico en la nueva sala de grabaciones. Mi función principal era ser su coordinador con el resto del personal a capacitar, ya que el solamente hablaba alemán e inglés. Pero a Nieckau le habían contado sobre mi paso por importantes bandas de la década del 60, y al saber esto me invitó a participar en un proyecto para convocar músicos amigos míos que se interesaran en formar parte de una banda experimental que le permitiera probar en vivo las bondades del estudio y dónde colocar correctamente el área para los correspondientes instrumentos. Hago notar que estoy hablando de una época muy distinta a la de hoy, en que el espacio es lo de menos porque se compensa con tecnología.

La primera semana de agosto de 1970, luego de un arduo trabajo de cásting, entramos al estudio nuevo con un grupo de amigos unidos por el vínculo indestructible del amor a la música. En aquel entonces algunos de ellos no podían figurar con sus nombres verdaderos porque tenían contratos individuales y como grupos con sus disqueras de origen. Así, mi compañero de aventuras en los Shain’s Enrique “Pico” Ego Aguirre figuró como Enrique Mario (primera guitarra y órgano Hammond) haciendo lo mismo que yo cuando por primera ve usé mis dos nombres como Gerardo Manuel; en el bajo y las guitarras rítmicas estaban Jorge “Coco” Pomar y en la batería y percusión Freddy “Puro” Fuentes.

Cabe destacar la participación de un gran músico peruano como Claudio Fabbri en los estupendos arreglos de violines para el tema “Te traeré flores por la mañana”. Si buscan la canción como “I will bring you flowers in the morning” verán que acaba de ganar un premio internacional en la interpretación que hizo Agnetha Fältskog, voz femenina de Abba, como un homenaje a su compositor John Cameron. Como primer violín de este arreglo, tenemos en la memoria (y va un homenaje para él) a don Rafael Purizaga, padre de otro querido músico desaparecido, considerado como uno de los más completos de esta parte de América e infaltable en los siguientes álbumes que hicimos con El Humo: Rafael “Pocho” Purizaga. El padrino que bautizó al grupo con el nombre de El Humo fue otro gran músico peruano desaparecido, Ernesto Samame, bajista, cantante y mejor amigo, quien durante la grabación del primer disco aparecía a menudo por el estudio para colaborar con sus ideas creativas, lo que lo llevó a bautizarnos como El Humo, ya que el grupo se reunía solo para grabar y luego se esfumaba. Gracias por estos primeros cuarenta años y no olviden que ya esta en edición CD este álbum que pueden solicitar a www.repsychled.com.

Otro agradecimiento especial va para ese señor de la música y la guitarra que se llama Richie Zellon, cuyos conocimientos, espíritu e ideas inspiraron el “Apocallypsis”, tema principal del disco cuya autoria le pertenece.

Publicado en el blog Disco Club

40 años de Apocallypsis!!!

2011-01-14T15:16:00.000-08:00

Por Andrés Tapia del Río
Repsychled Records

A mediados del 1969, el hombre llegaba a la luna, se realizaba el festival de Woodstock, la sociedad tenía un quiebre generacional radical, en el cual todo lo maravilloso de fines de los 60´s iba mutando a una década más pesada, tanto en lo social como en lo musical. Se creía quizás que era el fin de los tiempos, la llegada del Apocallypsis. Sería a mediados de 1970 -hace 40 años- que este Apocallypsis llegó a Lima, trayendo cambios a la nueva generación.

En manos del músico Gerardo Manuel Rojas, que a sus jóvenes 24 años llevaba ya una intensa labor musical dentro de varias bandas como Los Doltons (de Ica), Los Doltons (de Lima), Los Shain´s y The (St. Thomas) Pepper Smelter, habiendo grabado cuatro álbumes y muchísimos discos de 45rpm. Además de esto, era el representante del departamento de Artistas y Repertorio del sello El Virrey, con lo cual su trabajo consistía en hacer los contactos con sellos internacionales y descubrir nuevas bandas y canciones interesantes para el mercado local.

Su trabajo de investigación permitió que fueran editados en Perú largos catálogos como Atlantic, Vertigo, Polydor y otros, gracias a los cuales grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath, Jimi Hendrix, The Who, Uriah Heep y un sin numero de bandas fueron editadas en vinilos nacionales, así como la edición de álbumes especiales para el mercado peruano como Colección Underground, Super Heavy, Super Go y otros.
Esta intensa labor, de alguna manera apocalíptica para un joven promotor de la música, sería continuada con la implementación del estudio de grabación de El Virrey. El sello había contratado a un ingeniero alemán llamado Gerhard Nieckau para hacer la instalación de los nuevos equipos, y pidieron a Gerardo que haga las veces de su interlocutor y consiguiera músicos para realizar las primeras pruebas del estudio de grabación.

Manos a la obra
Gerardo juntó a “Pico” Ego Aguirre en guitarra, Jorge “El Piojo” Pomar y Freddy “El Puro” Fuentes y se pusieron a “setear” el estudio, es decir, a hacer las pruebas de sonido y grabación. Llegaban a las 10 de la noche y se quedaban de largo hasta la madrugada ensayando o grabando, y cuando ya tenían listo el estudio y quizás 200 horas de grabaciones, el sello les dice: “¿Y si sacamos un disco?” Y bueno, ¿por qué no?, respondieron… Y esta es la historia del primer disco de hard rock grabado en el Perú, comenzando una nueva década de la manera más apocalíptica, pues este fue el nombre del disco: “Apocallypsis”.

El ingeniero Nieckau siguió grabando buenas bandas peruanas en ese estudio, como Bossa70, El Polen y tres discos con Gerardo Manuel & El Humo. Un buen estudio y un buen ingeniero de sonido son tan importantes como contar con músicos de mucho talento.

Este disco de Gerardo Manuel y El Humo, “Apocallypsis”, fue editado originalmente en vinilo, luego fue reeditado por Repsychled en CD en el año 2005, celebrando sus 35 aniversario, el cual fue conmemorado con una presentación en vivo en La Noche de Barranco. Hoy, a sus 40 años de haber sido grabado, enviamos un saludo cordial a Gerardo Manuel por seguir rockeando como siempre.

Publicado en KR Music

Las sorpresas vienen del pasado

2011-01-07T10:23:00.000-08:00

El Grupo Amigos

Por Heduardo

Parece que nunca terminará de sorprendernos nuestro pasado musical. Esta vez Europa descubre para los peruanos a un grupo que aquí, en los inicios de los años setenta, pasó desapercibido. Se trata del Grupo Amigos: Simón Ames (guitarra), Andrés Da Ros (guitarra y voz), Edmundo Delgado (guitarra y voz) y Jorge Vásquez (batería). En 1970 empezaron a componer sus propios temas, influenciados por sus grupos favoritos y en 1973 creyeron llegado el momento de grabar un disco. El sello escogido fue Mag, porque allí trabajaba como ingeniero de sonido un amigo de ellos: Saúl Cornejo (Laghonia, We All Together, etc.). Posiblemente al ver la calidad del material que traía el Grupo Amigos, Saúl Cornejo contribuyó con su aporte en los teclados y se sumó su hermano Manuel Cornejo en la batería.

Gracias al magnífico blog de Tessa (Cosas Mias), que acaba de subir estos temas en formato mp3, empecé a curiosear en Internet y me di con la sorpresa de que en Europa se están banqueteando con este manjar musical peruano. Este notable disco, con doce temas muy buenos, ha sido lanzado por el sello español Guerssen Records con el título “Paloma Mensajera” y lo venden en muchas discotiendas europeas. Les recomiendo que se lo compren porque es una joya.

Los Temas:
1. Dirty Girl
2. Dama
3. El Tren del Sr. Taylor
4. Son Las 5
5. Ensueño
6. Everybody is Free
7. Psiquiatra
8. Mujer
9. Buscando un Hogar
10.En el Campo
11.No sabes que me siento bien
12.Atardecer de Verano

Grupo Amigos - Paloma mensajera

2011-01-06T23:33:00.000-08:00

Por Álex Oró

Los amantes de los sonidos de los sesenta llaman “peperismos” a los discos publicados en cualquier lugar del mundo que fueron influenciados por el Sgt. Peppers de The Beatles. La banda peruana Grupo Amigos grabó en 1973 Paloma mensajera, un trabajo que pasó completamente desapercibido en esa época y que entra en esta categoría pero en el que también se descubren pinceladas de Badfinger, Byrds, Rolling Stones o los uruguayos Shakers, en este último caso, por las delicadas armonías vocales que hay en todas las canciones del vinilo (sólo se ha reeditado en este formato y con una tirada limitada de 500 copias). La mayoría de temas están cantados en inglés (hay alguno en castellano) y nos muestran a un grupo muy sólido pero que trabaja sin la presión de vender discos, sólo con el objetivo de pasarlo bien. Los llamados Beatles criollos conseguían un sonido muy básico y sorprendente, utilizando sólo guitarras, bajo, batería y algún teclado. Entre las canciones incluidas en este disco destacan la poderosa “Dirty girl”, composiciones que podrían pasar por piezas de la psicodelia británica (“Mr. Taylor train’s” o “Psiquiatra”), guiños a los Byrds (“En el campo”) o midtempos a lo Badfinger (“Everybody is free”) o “Buscando un hogar”.

Paloma mensajera es uno de esos discos que nos demuestra que a los aficionados españoles que todavía nos queda mucho rock por descubrir en Sudamérica.

FE 59

2011-01-06T20:13:00.000-08:00

Por Heduardo
59 en números romanos se escribe LIX, entonces cuando lees FE 59 debes leer Fé-lix, el nombre de Félix Varvarande. A fines de 1972, Félix Varvarande (primera voz, piano y organo), Ernesto Samamé (bajo y guitarras), Manuel Cornejo (batería) y Carlos Guerrero (segunda voz), grabaron un único 45 rpm con los temas "Nunca seas triste" y "Estoy Brillando". Como sabemos, todos los músicos aquí mencionados formaban parte en ese momento del conocido grupo We All Together. Es decir, otra pichanguita de estos reconocidos músicos, que anteriormente hicieron algo parecido bajo el nombre de grupo Smog. Es decir, cuando se cansaban de tocar como We All Together, tocaban con otro nombre. Es decir, descansaban de hacer música haciendo música. Pues bien, cada uno descansa como quiere y en este caso solo nos queda agradecerles por estas notables pichanguitas.

Telegraph Avenue

2011-01-06T08:31:00.000-08:00

Por Heduardo

Cuando Bo Ichikawa, primo de César Ichikawa, regresó de San Francisco, en 1969, buscó a sus amigos para formar un grupo de rock. Esta era una emergencia para Bo Ichikawa porque el ambiente musical que había encontrado en San Francisco lo había impresionado de tal manera que no tenía otra opción que formar un grupo de rock. Estamos hablando de 1969, época de Woodstock y el movimiento hippie. Asi que con ayuda de Jerry Lam (guitarra de Los Belkings) y Walo Carrillo (baterista de Los Hollys) formaron Telegraph Avenue. Poco tiempo después ingresaría Alex Nathanson como vocalista principal y Chachi Lujan reemplazaría a Jerry Lam. Mas adelante se incorporó el guitarrista Germán Cabieses. Dos LP imprescindibles grabados en 1971 y 1975 para el sello MAG convirtieron a Telegraph Avenue en una de las principales bandas de la historia del rock peruano. Los temas que he subido pertenecen a esos dos LP.

Texto de mi post:

Y al octavo día de la creación, Dios creyó oportuno ponerle música a su magna obra y creó el rock peruano de los setentas y al grupo Telegraph Avenue como su máximo exponente.

No es como dicen por ahí que fue Bo Ichikawa (primo de César Ichikawa), junto con sus amigos Walo Carrillo, Jerry Lam y Alex Nathanson los que en 1969 formaron esta notable banda, a la que luego se unió Chachi Luján.

Los temas que he subido a Youtube pertenecen a los dos discos LP (verdaderas obras de arte) que ellos hicieron para el sello MAG, en 1971 el primero y el segundo en 1975. Todos los temas les pertenecen y están cantados en inglés, razón por la que he retomado mis clases en el ICPN.